Il y a quelques jours, j’ai se demandait à haute voix si la grande acquisition de Sundance de cette année serait Cha Cha réel lisse, la comédie de troisième cycle immensément sympathique écrite, réalisée et mettant en vedette Cooper Raiff. Apple écoutait peut-être. La nouvelle est tombée ce matin que le La société a acheté le film de Raiff pour 15 millions de dollars, aurait devancé les offres concurrentes de Netflix, Amazon et Sony. Il s’agit en effet de la plus grosse vente du festival, mais aussi de 10 millions de dollars de moins que ce qu’Apple a payé l’année dernière. CODAgrand gagnant du jury et du public, et un film au moins superficiellement comparable à Cha Cha réel lisse dans son but de mettre des sourires sur les visages et de leur envoyer quelques larmes aussi.
Je n’ai aucune idée si CODA valait la somme record dépensée pour l’acquérir en janvier dernier. À l’ère du streaming, les mesures que nous utilisions autrefois pour déterminer cela ne suffisent plus. (Voudrais Heureux, Texas ont été un tube sur Hulu ?) Mais le film a trouvé un public. Et ça marche bien avec les électeurs des récompenses. Ce matin a apporté non seulement des nouvelles de la grande vente de Sundance de cette année, mais aussi le dernier développement de l’histoire à succès de conte de fées de dernière année, avec CODA ajoutant des nominations de la Guilde des producteurs et des écrivains pour accompagner celles qu’elle a déjà récupérées de la Guilde des acteurs de cinéma.
C’est peut-être le genre de retour sur investissement qu’Apple recherche avec ces grosses acquisitions. Je me demande si les nominations aux Oscars sont plus précieuses pour les géants du streaming qu’elles ne l’ont jamais été pour les mini-grands studios qui déploient lentement leurs indies acclamées sur divers marchés théâtraux. Combien de flux et d’abonnés le sceau d’approbation de l’Académie achètera-t-il ? Probablement plus que les billets qu’Apple vendrait si CODA faisait encore le tour des grandes villes au milieu du mois prochain.
Comme pour tous les autres aspects de l’industrie, Sundance et la frénésie d’achat habituelle qui l’accompagne doivent désormais être prises en compte dans le passage plus large et accéléré de la pandémie vers le visionnage à domicile. Peut-être que ça n’a pas d’importance non plus CODA ni Cha Cha réel lisse a obtenu les premières dans un auditorium bondé qui accueillent normalement un public certifié de Sundance. Après tout, beaucoup de gens ne les verront pas avec une foule bondée de toute façon. Il vaut peut-être mieux pour les acheteurs d’essayer simplement d’évaluer comment ces films jouent dans le vide de l’expérience de visionnage à domicile – ou du moins d’écouter comment le public virtuel les reçoit sans l’amplification bénéfique d’une piste de rire en direct ou des acteurs et de l’équipe assis quelques rangs plus bas dans les Eccles.
Les vertus délicates de Après Yang, un drame de science-fiction du vidéo-essayiste et ancien de Sundance Kogonada, sont parfaitement accessibles depuis le canapé et sans qu’un public ne les ponctue de réactions audibles. (Ce n’est pas exactement le genre de film qui s’arrête pour des applaudissements ou quoi que ce soit.) Pourtant, j’aurais aimé pouvoir le voir sur grand écran, pour mieux me prélasser dans la beauté élégante et ordonnée de ses images et être enveloppé par le silence de son monde mélancolique de demain. Le film a été présenté en avant-première l’été dernier à Cannes, et comme Événement—la gagnante de Venise Katie écrit à propos d’hier– il arrive maintenant à Sundance dans le cadre du précieux programme Spotlight, qui rassemble des sélections d’autres festivals qui pourraient bien se passer à Park City. Le fait qu’il ait été un peu mieux reçu ici qu’à Cannes en dit probablement long sur les deux festivals.
Le film se déroule dans un avenir non spécifié, probablement pas particulièrement lointain, lorsque les androïdes sont devenus monnaie courante et largement disponibles. Colin Farrell et Jodie Turner-Smith sont un couple marié qui a acquis l’un de ces soi-disant «techno sapiens» en tant que baby-sitter, frère et sœur et éducateur culturel pour leur fille adoptive, Mika (Malea Emma Tjandrawidjaja). Lorsque Yang (Justin H. Min), comme le nomme ce robot serviteur, souffre d’un dysfonctionnement et tombe dans un état catatonique de réglages d’usine, le père/mari émotionnellement distant de Farrell, Jake, va le faire réparer – une excursion de dépannage qui devient une enquête sur Les origines secrètes de Yang et le mystère de son esprit artificiellement intelligent.
C’est de la science-fiction de la Sa variété : plus curieux qu’anxieux de notre relation à la technologie, enfermant un logiciel émotionnel sérieux dans un matériel agréablement attrayant, situé dans un monde à venir qui semble futuriste de manière crédible dans divers détails mais qui n’en va pas trop loin (parce que, bien sûr, nous ‘re vraiment juste voir une version légèrement déformée de maintenant). Les effets spéciaux sont peu déployés, et dans certains cas loin d’être remarquables ; La banque de mémoire de Yang est visualisée de manière non créative comme un vaste champ virtuel de vignettes lumineuses sur lesquelles l’accesseur doit basculer. Dans Farrell, qui semble parfois plus robotique que le robot, le film personnifie son plan d’attaque ; la distance émotionnelle apparente de la star masque une richesse de sentiments cachés.
Après Yang flirte avec la satire, introduisant un concours international de danse par webcam – un élément de l’intrigue qui donne un ton initialement bizarre que le film laisse tomber presque immédiatement – et incluant une scène impassible amusante entre Jake et le représentant du service client qu’il rencontre dans la version vaguement dystopique du film d’un Apple Boutique. Surtout, cependant, Kogonada est trop attaché au minimalisme de science-fiction émouvant du film et à ses objectifs philosophiques pour prendre de nombreux détours excentriques. Il y a des moments où son expérience dans la critique se voit, et je ne parle pas seulement d’une scène de flashback de Jake et Yang discutant d’un film Les Blank. Comme ses beaux débuts de réalisateur, le drame indépendant walk-and-talk Colomb, cette suite conceptuellement ambitieuse a l’habitude de discuter ses thèmes à haute voix; c’est un film sur la mémoire et l’identité qui ne cesse d’annoncer essentiellement qu’il s’agit de mémoire et d’identité.
Tous les mêmes, Après Yang est arrivé à moi. Kogonada communie avec l’esprit d’Ozu dans ses magnifiques compositions; c’est le genre de film qui saisit soudainement votre cœur parfois à travers rien de plus que la façon dont il cadre les personnages en relation les uns avec les autres et avec leur environnement. Et le réalisateur repère un fantôme très touchant dans la machine de son récit. Yang, déployé à l’origine comme un outil pédagogique littéral pour relier Mika à son héritage chinois, devient un symbole ambulant de l’expérience d’adoption ; plus Jake découvre sa «vie» passée, plus ce larmoyant retenu devient une méditation sur la façon dont l’identité des enfants est parfois façonnée à la fois par la culture dans laquelle ils sont nés et celle dans laquelle ils ont grandi. Si Après Yang suggère parfois un essai imparfaitement plié en forme narrative, certaines de ses nombreuses idées sont très poignantes et sa prose est loin d’être mécanique.
Comme si les androïdes ne suffisaient pas, le clonage finit par figurer également dans l’intrigue – bien que, comme presque tout le reste, un concept incroyablement élevé dans Après Yang, il est là principalement pour faciliter les enquêtes thématiques. Cette merveilleuse avancée de la science occupe une position centrale dans l’ouvrage intelligemment intitulé Double, bien qu’il soit déployé pour plus que des fins dramatiques ici aussi. Comme une parodie instantanée accidentelle du drame de science-fiction Mahershala Ali du mois dernier Chant du cygnecette comédie noire du scénariste-réalisateur Riley Stearns (L’art de l’autodéfense) donne à Karen Gillan un, euh, un double rôle : elle joue à la fois Sarah, une jeune femme sans gouvernail qui découvre qu’elle a une maladie en phase terminale, et le clone de Sarah, qui prendra le contrôle de sa vie pour protéger sa mère et son petit ami du chagrin après sa mort. . Pourtant, lorsque Sarah bat les chances impossibles et entre en rémission, elle se retrouve dans la position mandatée par le tribunal de devoir combattre son double génétique identique à mort à la télévision en direct pour reprendre sa propre vie.
J’ai mis du temps à me mettre sur la longueur d’onde absurde de Double (dont le titre, bien sûr, a aussi un double sens). Une partie de ce qui se dressait sur mon chemin était la routine délibérément guindée des zombies inadaptés de Gillan, son shtick patient de lobotomie. Cela a créé une barrière difficile à l’entrée : si Sarah semble à peine se soucier de savoir si elle vit ou meurt, pourquoi devrais-je ? Quels que soient les rires provoqués par son indifférence de dessin animé, ils semblent empêcher le film de s’élever au-dessus du niveau d’un sketch trop étendu, en particulier une fois que le clone de Sarah est apparu et que l’exercice d’acteur de Gillan semblait simplement refléter l’impassibilité avec plus d’impassibilité.
Pourtant, la performance s’avère aussi stratégique que la froideur de Farrell dans Après Yang. Sous la folie désinvolte de son monde dystopique de gag-machine, Double est une comédie finalement plutôt flétrissante sur la déception et l’ennui de la vie quotidienne. La fin a de vraies dents, en plus de subvertir complètement tout ce qui semblait être l’arc du conflit. De plus, j’ai accepté l’approche comique de Stearns. Il a un côté méchant très drôle en lui, jouant avec nos émotions lors d’une scène intelligemment résolue où l’instructeur d’autodéfense d’Aaron Paul – un personnage apparemment obligatoire dans le travail de ce cinéaste – utilise son propre chien pour tester les instincts de tueur de Sarah. Finalement, une analogie avec Miller m’est venue à l’esprit et ne voulait pas partir : Stearns est à Yorgos Lanthimos ce que Jared Hess est à Wes Anderson.
Si Double lentement m’a conquis, Résurrection a bouleversé mes attentes assez soudainement, et de façon assez diabolique. C’est une autre des sélections de genre apparemment innombrables de cette année à Sundance, et pendant un certain temps, cela ressemble à un jeu assez familier de suspense psychologique croissant. Rebecca Hall joue Margaret, une femme d’affaires légèrement nerveuse à Albany, New York, dont la tendance à hélicoptèrener nerveusement sa fille de 17 ans (Grace Kaufman) passe à la vitesse supérieure lorsqu’elle commence à repérer un homme de son passé (Tim Roth, bâtiment tout à fait le portefeuille de fin de carrière de thrillers d’art désagréables). Qui est ce personnage mystérieux et pourquoi sa simple apparition envoie-t-elle Margaret dans une spirale de panique frénétique, un effondrement de terreur ?
Le réalisateur Andrew Semans prête Résurrection une urgence nette dès le début; avant même que quoi que ce soit ne dérape officiellement, le plané sinueux de la caméra et l’efficacité en couteau du montage nous mettent sur les nerfs. Pourtant, maintenant, les festivaliers devraient être très familiers avec ce genre de dégringolade dans Répulsion-style paranoïa. C’est lorsque Semans révèle enfin son grand secret que le film prend une tournure singulièrement lunatique. Je ne ferai même pas allusion à ce que c’est, mais c’est profondément, bizarrement dérangeant – et d’une manière ou d’une autre rendu encore plus par la façon dont le film le dévoile, à travers un monologue livré dans une seule prise de bravade au lieu de par le choix plus évident d’un flashback .
Résurrection ne devient que plus fou et plus noueux à partir d’ici, jusqu’à son grand swing dérangé d’une fin. Je ne suis pas tout à fait convaincue qu’il ait grand-chose à dire sur la maternité, les traumatismes, les abus, le contrôle – vraiment aucun des sujets qu’il effleure pendant la prise de conscience maladroite de Margaret avec son passé. Mais Hall tient tout cela ensemble avec sa conviction tremblante. Au cours de la dernière décennie, elle est devenue une sainte patronne de l’horreur, conférant une authenticité émotionnelle aux histoires de fantômes et aux thrillers yuppie en péril. Si Résurrection m’a pris au dépourvu, sa volatilité captivante en son centre ne le pouvait pas. Elle toujours l’apporte.