Les féministes ont longtemps débattu des mérites des contes de fées. Les histoires de Hans Christian Andersen et des frères Grimm promeuvent-elles des visions sexistes de princes charmants et de demoiselles en détresse, ou contiennent-elles en fait des histoires de jeunes femmes audacieuses qui n’ont pas peur de poursuivre activement leurs désirs ? Quoi qu’il en soit, ils méritent d’être examinés attentivement : les contes de fées et les fables nous disent des choses sur notre culture, nos valeurs et comment on peut définir une fin heureuse. Comme une écrivaine féministe Mets-le dans les années 70, « les contes de fées sont les histoires de la conscience collective au coucher. »
Alors, qu’est-ce que les contes de fées centrés sur les femmes de Rugirla nouvelle série d’anthologies réalistes et magiques d’Apple TV+, parle de notre conscience collective? Créé par LUEUR showrunners Liz Flahive et Carly Mensch, la série est basée sur un recueil de nouvelles de 2018 de l’écrivaine irlandaise Cecelia Ahern. Avec un casting invité éblouissant qui comprend Issa Rae, Betty Gilpin, Cynthia Erivo, Alison Brie et Nicole Kidman (qui est également co-productrice exécutive), cette vision féministe La zone de crépuscule aborde les questions de la féminité moderne à travers des contes fantaisistes qui peuvent se résumer par leurs titres : « La femme qui a résolu son propre meurtre », « La femme qui a disparu », « La femme qui était gardée sur une étagère ». Pourtant, malgré ses excellentes performances et sa production brillante, la série n’a presque rien de nouveau à dire sur la féminité.
Sur le papier, le recueil de nouvelles d’Ahern, qui tire son nom de celui d’Helen Reddy hymne de la deuxième vague, est un excellent fourrage pour la série d’anthologies. Les histoires sont construites autour de vanités fantastiques, et chaque protagoniste est simplement appelée « la femme », faisant un clin d’œil aux thèmes familiers des fables. Prendre Rugissement premier épisode, « La femme qui a disparu ». Dans le livre, c’est une parabole sur le vieillissement, et au cas où nous manquerions la métaphore, tout est énoncé : « À mesure que les femmes vieillissent », écrit Ahern, « elles sont écrites hors du monde, ne sont plus visibles à la télévision ou au cinéma, dans magazines de mode, et uniquement à la télévision pendant la journée pour annoncer la panne des fonctions corporelles et des maux. Dans l’adaptation télévisée, la femme qui disparaît est jouée par Issa Rae, et son invisibilité soudaine n’est pas due à l’âge mais à l’effacement qu’elle subit en naviguant dans les sphères professionnelles blanches en tant que femme noire. C’est une allégorie altérée, mais pas forcément plus perçante.
Certains des protagonistes ont reçu des noms lors de leur voyage vers le petit écran, mais pas complètement formés personnalités. Au lieu de cela, ce sont des types : les millénaires épuisés et les mères harcelées. Une caractérisation approfondie dans les limites d’une série d’anthologies d’une demi-heure présenterait toujours un défi, mais associée à la tendance de la série à ressasser des points de discussion culturels usés, Rugir commence à se sentir vide. Même ses éléments d’un autre monde ne rendent pas nécessairement la série plus engageante. Dans « La femme qui a trouvé des marques de morsures sur sa peau », Erivo incarne une mère qui travaille et qui a du mal à s’adapter à son retour au bureau après la naissance de son deuxième enfant. Alors qu’elle fait face au ressentiment de son mari, aux conceptions d’un collègue masculin sur son travail et à l’obligation de pomper dans un placard de stockage, sa peau se couvre de marques de morsures horribles. Le coupable? Elle est dévorée vivante, dans le sens le plus littéral possible, par la culpabilité de maman. De nombreux autres épisodes suivent la même formule, combinant des grands problèmes que quiconque lit l’actualité connaît déjà (les pressions et les inégalités de la maternité au travail, la vie dans la génération sandwich) plus une impossibilité frappante (des morsures spontanées, un canard qui parle). En fin de compte, la plupart des femmes résolvent leurs propres problèmes, dont beaucoup sont sociétaux et systémiques, avec un simple ajustement d’attitude. C’est comme si on leur avait donné une piqûre de rappel du pouvoir des filles.
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La série est à son meilleur lorsqu’elle examine les angoisses des femmes plus âgées, dont la psyché n’a pas été aussi inlassablement sondée dans la culture pop que celle de leurs homologues du millénaire. « La femme qui a rendu son mari » met en vedette Meera Syal dans le rôle d’une femme d’âge mûr qui en a marre de son mari milquetoast. Heureusement, elle habite un monde dans lequel les conjoints peuvent être achetés (et, si nécessaire, retournés) dans votre magasin à grande surface local, où ils portent des étiquettes de prix de style Ikea et se prélassent sur des meubles de salle d’exposition jusqu’à ce que quelqu’un vienne les acheter. L’épisode de Kidman, « La femme qui a mangé des photographies », est un autre point fort. L’histoire est légère – Kidman joue une femme qui se retire dans des vols de nostalgie en consommant littéralement des photos de famille, afin de faire face aux facteurs de stress du départ de son fils pour l’université alors que sa mère atteinte de démence rejoint sa maison. Mais la performance de Kidman (dans son accent australien natif !) est un régal, tout comme le fait qu’elle est jumelée avec la grande Judy Davis, qui joue sa mère malade. Davis est loin d’être le seul interprète de soutien notable de la série, en tant qu’acteurs comme Daniel Dae Kim, Alfred Molina, Ego Nwodim, Nick Kroll et Hugh Dancy font tous des apparitions.
Tous les virages étoilés et les performances solides ne peuvent pas faire de cette série d’anthologies une émission qui a quelque chose à dire sur la féminité contemporaine. L’un des rares épisodes à s’aventurer un peu au-delà du cliché féministe pop est « La femme qui était gardée sur une étagère », qui met en vedette Betty Gilpin en tant que mannequin qui épouse un homme riche. Gilpin découvre finalement qu’il a simplement veut qu’elle passe ses journées assise sur une étagère haute, toujours admirée par lui et ses invités mais incapable de participer pleinement au monde. Elle est constamment entourée de femmes de la classe ouvrière – une femme de ménage qui range activement sous elle pendant qu’elle pose, un facteur et une femme de ménage qu’elle rencontre après s’être précipités de son perchoir et un commis dans un magasin de produits de beauté de type Sephora. La série juxtapose-t-elle l’angoisse personnelle et le confort matériel du personnage de Gilpin contre toutes ces femmes qui doivent travailler pour gagner leur vie? Est-ce à dire que, bien que les revendications de son mari soient misogynes, sa lutte féministe domestique est très éloignée des préoccupations des femmes moins riches ? Ce n’est pas clair, car malgré une subtilité généralement dédaigneuse, ce sont quelques-unes des seules questions Rugir refuse de répondre. Cela soulignerait peut-être la tendance de la série à se focaliser sur la classe moyenne supérieure : pour tous les thèmes supposés universels de l’anthologie, aucun épisode n’est enraciné dans l’expérience de la pauvreté, lequel est une expérience que les femmes disproportionné partager.
Si RugirLes contes de fées de sont les histoires au coucher d’une conscience collective, le collectif est probablement celui qui est mobile vers le haut et disproportionnellement blanc. Oh, et probablement bien versé dans les points de discussion de Twitter. Ses idées et ses intentions semblent bien placées, mais quiconque a eu la moindre curiosité sur l’état des femmes dans le monde trouvera peu d’éclairage ici. C’est le problème avec les histoires pour s’endormir : elles sont censées vous endormir.