Au milieu d’attentes astronomiques et probablement injustes semaine après semaine, l’adaptation animée de Homme à la tronçonneuse a surtout été un plaisir à regarder, de son ouverture macabre à sa finale fracassante. Les scènes d’action de la série impressionnent, et sous la direction de Ryu Nakamura, le spectacle a adopté une approche visuelle étonnamment fastueuse et réaliste pendant la majeure partie de sa première saison, pleine d’un éclairage extrêmement froid et d’une attention patiente aux scènes calmes de personnages détaillés. a d’abord été une surprise compte tenu de la réputation de la bande dessinée pour un chaos rapide et brutal.
Alors qu’il suit consciencieusement l’histoire propulsive du matériau source, les artistes ont rempli des épisodes avec des moments de naturalisme modéré tandis que ses pièces d’action au rythme rapide visent davantage l’effusion de sang viscérale et l’horreur étrange. De telles séquences s’étendent sur les mises en page elliptiques de Fujimoto, comme là où Aki invoque pour la première fois le diable renard : le spectacle aborde les choses de manière plus cinématographique, faute d’un meilleur mot, la caméra exécutant un zoom de chariot sur le signe de la main d’Aki, l’allongeant du court instant de choc de feuilleter à la page suivante et l’image miroir apparaissant soudainement.
Mais (à l’exception notable de son ouverture symbolique et cinéphilique réalisée par Shingo Yamashita) rien ne capture l’énergie grungy et erratique de Homme à la tronçonneuse plus que les séquences de fin, que l’anime varie délicieusement à chaque fois. Chaque nouvel épisode apporte avec lui une nouvelle séquence de générique de fin animée d’un nouveau réalisateur, chacun adoptant sa propre interprétation et sa manière individualiste. Homme à la tronçonneusele frère spirituel et la production MAPPA de son compagnon, l’adaptation tout aussi macabre et loufoque de Dorohedoro, avait quelques séquences de fin supplémentaires de différents styles dans sa manche, mais pas tout à fait à ce point. Et l’ampleur du projet s’est étendue non seulement au nombre de fins différentes en une saison (12 !), mais aussi aux artistes populaires attirés dans l’orbite de la série – comme Eve, Vaundy et Queen Bee (dont le chanteur principal Avu-chan a joué le rôle principal éponyme de Inu-Oh).
Image : MAPPA
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Les séquences d’ouverture et de fin sont normalement une chance d’injecter un peu plus d’imagination dans un spectacle, dans cet espace, de nombreux spectacles jouent avec de nouvelles palettes ou même des univers alternatifs prennent leurs personnages. Mais ce qui est atypique ici, c’est simplement le montant que nous obtenons en une saison, sans parler des énormes groupes qui les accompagnent, un avantage de la luxuriance de cette adaptation particulière. Chaque semaine apporte une nouvelle approche saisissante alors que les réalisateurs infléchissent fortement leur style sur le matériau, des changements qui se sentent en eux-mêmes en conversation avec les changements de ton soudains et les expérimentations formelles pour lesquelles le travail de Fujimoto est rapidement devenu célèbre.
Après s’être habitué à la façon dont le reste du spectacle est présenté, il y a une nouveauté passionnante à voir Homme à la tronçonneuse interprété de façon nouvelle chaque semaine parallèlement à la cohérence assez stricte des principaux épisodes. Après le simple récapitulatif du premier, chaque réalisateur suivant arrive à créer quelque chose d’incroyablement mémorable, chacun contribuant au sentiment que chaque sortie d’épisode est une sorte d’événement en soi, faisant partie de la stratégie de « Chainsaw Man Tuesdays », où de nouveaux problèmes de la partie 2 du manga ont atterri à peu près au même moment que les épisodes (tout en montrant une certaine symétrie dans leur trajectoire narrative, mais c’est une autre affaire). Même avec ce sentiment évident que cela joue dans le marketing, c’est un projet passionnant – s’il y a un problème, c’est que le sous-titrage parfois rocailleux de l’émission s’étend à ces moments, laissant de côté toutes les paroles pertinentes sur le plan thématique.
Une des premières vedettes vient du réalisateur Yuki Kamiya avec le troisième ED, marqué sur une chanson maniaque « Hawatari Nikon Centi » de Maximum the Hormone (qui à ce stade est devenue une sorte de chanson d’insertion et de motif pour Denji quand il sort les tronçonneuses) , un barrage sensoriel agressif et expressif de sons hurlants et grinçants et de tons luminescents. C’est aussi tout simplement élégant comme tout l’enfer, une explosion psychédélique de sons de batterie breakbeat rugueux et d’images qui se chevauchent alors qu’il se heurte à ce qui semble être la perspective subjective de Denji avec le monde tel qu’il est, des échos du dessin rugueux de Fujimoto visible dans ses dessins de personnages sauvages. Parallèlement à ce style de dessin et à ce rythme haletant, la direction des couleurs pourrait être la meilleure de toutes les fins qui rappellent les couvertures de la bande dessinée, une émulsion expressive de tons acides contrastés.
Les cris s’arrêtent, le chanteur prend une note plus haute mais plus douce et Makima descend des cieux, la représentation subtile de la déification par Denji de son sauveur apparent devient de plus en plus chargée de sens inquiétant au fur et à mesure que le spectacle avance. Kamiya est revenu plus tard dans la saison pour la huitième fin, qui prend un ton beaucoup plus emo et sombre alors qu’il déballe davantage la relation tragique entre Aki et Himeno, avec un métal alternatif tout aussi agressif, par TK de Ling tosite sigure, marquant des paysages baignés de des teintes profondes d’orange et de bleu, avec une brève invasion des teintes plus néon de sa fin pour l’épisode 3. Ce qui donne l’impression que cela ressemble à un projet spécial, c’est la façon dont ces fins aux couleurs vives et fortement stylisées se trouvent à proximité de quelque chose comme le plus austère. , 10e fin terne. directeur et artiste multimédia Yuma Hirai applique leur pratique au symbolisme de l’émission et au positionnement thématique de Denji, en utilisant la photographie en direct avec un dessin expressif mais éraflé qui rappelle les bandes dessinées de Fujimoto – toutes colorées dans une palette brune oppressante. C’est une évocation assez brutale du positionnement social de Denji au sein de la Division 4, le comparant à un chien pas différent de tout ce que Makima dit mais rendu plus brutalement que jamais, dans une approche totalement différente de Homme à la tronçonneuse le réalisme visuel (du spectacle).
Le quatrième épisode a apporté quelque chose de beaucoup plus léger avec un adorable hommage au colocataire de Denji et Aki et au démon assoiffé de sang Power, l’animation baignée dans une nuance de rouge vif alors que le démon est représenté en train de danser dans une série de tenues différentes, diverses coupes montrant de manière ludique le parties attachantes et abrasives de sa personnalité (une coupure rapide de ses légumes lançant pour commencer). Scénarisé, réalisé et clé solo animée par Coowl, il peint le démon préféré de tout le monde avec le flair indépendant de l’artiste, en utilisant une palette simple, semblable à un risographe, composée principalement de couleurs de blocs rouges et jaunes, croisées avec une chorégraphie de danse réaliste et une typographie éclaboussante – éléments communs du travail vidéo musical passé de l’artiste.
Ces scènes sont plus qu’un simple baiser amusant pour l’épisode. La séquence de l’épisode 4 redéfinit Power en tant que star de la série, dans une fusion ludique de l’estime du public pour elle et de sa propre grande estime de soi en tant que future lauréate du prix Nobel. Le morceau lui-même, « Tablet » de TOOBOE, avec son rythme rebondissant et ses synthés décalés, est effectivement une chanson d’amour dans le même sens, les paroles apparaissant dans le contexte comme une ode amoureuse à l’impulsivité sauvage de Power. Alors que la troisième fin réalisée par Kamiya a capturé l’histoire jusqu’à présent dans un microcosme délirant, la quatrième développe la personnalité d’un personnage avec lequel le public de l’anime n’avait pas encore eu autant de temps, par rapport aux personnes qui importent leur amour pour elle du manga. . C’est un choix qui témoigne de la grande fonction de Homme à la tronçonneuseLes fins en tant qu’extensions de la narration et de la caractérisation, quelque chose qui ne fait que se renforcer à partir de là. Pour l’épisode 9, Masanobu Hiraoka réalise, les storyboards et la clé solo animent une visualisation hallucinante et en constante évolution des mauvaises vibrations de Makima, comme déjà violemment illustré dans l’histoire qui a précédé.
Chaque cadre densément emballé dans ED5 (réalisé par Hiromatsu Shuu) est amusant à distinguer car la représentation des différents chasseurs de diables piégés alors que quatre chevaux différents agissent à la fois comme des représentations des personnages et de leurs personnalités et font allusion à la tapisserie plus large de l’histoire ( et même une référence potentielle à Horse In Motion de Muybridge, poursuivant son post-Non temps sous les projecteurs). Il fait exploser la vanité de l’épisode d’un hôtel infini vers l’extérieur en un choc kaléidoscopique de différents mouvements artistiques (englobant tout, de l’art anamorphique à La Pietà de Michel-Ange, en remplaçant Jésus et Marie par Denji et Makima), des motifs sinistres et diverses boucles, des structures escheriennes d’escaliers impossibles . Le morceau tout aussi hypnotique de Syudou, « In The Backroom », propulse le voyage à travers son symbolisme aux multiples facettes. C’est délicieux à voir, de l’animation accélérée de Kobeni rampant anxieusement à travers l’hôtel et regardant à plusieurs reprises par-dessus son épaule, à l’imagerie vive, fluide et psychédélique d’Himeno fumant calmement le temps.
Ces fins ont été si excitantes qu’elles menacent de provoquer des idées sur ce qui aurait pu être, demandant « pourquoi tout n’a-t-il pas été fait de cette façon? » Bien que je partage une certaine empathie pour cette pensée, cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas de valeur émotionnelle dans l’approche que la série a adoptée jusqu’à présent, ce que j’ai moi-même beaucoup apprécié pour son interprétation de la série.
Même si les épisodes eux-mêmes privilégient la fidélité à la stylisation et aux nouvelles inventions, il y a toujours des plaisirs qui leur sont propres (la partition délicieuse et idiosyncrasique de Kensuke Ushio pour les débutants) de la même manière que la bande dessinée a son attrait unique, par exemple, comment Fujimoto structure les scènes avec chaque élément formel à l’esprit avec des bulles de dialogue agissant sournoisement comme des barres de censure pour les décapitations ou agissant comme un signifiant visuel de la distance émotionnelle entre deux personnages, ou comment certains pouvoirs inquiétants de diables brisent les limites du panneau. Il y a des moments où le spectacle bénéficierait peut-être d’un timing plus rapide dans sa direction, mais pour la plupart, ses fioritures sont assez éblouissantes à leur manière.
Même s’il s’agit d’une émission shonen sur une adolescente immortelle et excitée dont la tête se transforme en outil électrique, beaucoup de mes parties préférées proviennent de ses moments de vraisemblance calmes et ralentis – Aki faisant du café et faisant la lessive, Himeno trébuchant autour de son appartement ivre , Makima en train de nettoyer son uniforme – ceux-ci s’accumulent dans une image plus complète de ces personnes et de leurs manières, les petits rituels qu’ils font pour exercer un contrôle sur leur vie dans un monde où les choses tournent souvent incroyablement mal incroyablement vite. Non seulement cela, mais de tels segments de tranche de vie les humanisent davantage, le simple fait d’exister dans le même espace pendant une période plus longue rend leurs absences futures d’autant plus durement ressenties. La toute dernière fin, écrite sur « Fight Song » par Eve, relie enfin les points entre ces deux modes de Homme à la tronçonneusedonnant à la famille de substitution de Denji, Aki et Power des choses normales à faire, faire du shopping et préparer le dîner ensemble. Storyboardé par Nakamurail est logique qu’une telle séquence de fin serve de coda à la saison, cet accent liant le tout.
Tout est amusant, et peut-être que la différence signifie simplement que de cette façon, nous obtenons toujours deux Homme à la tronçonneuses en un, le spectacle a effectivement son gâteau et le mange aussi en utilisant les séquences de fin comme une opportunité de se brancher sur le ton varié de la bande dessinée tout en conservant sa propre approche de mauvaise humeur. Le spectacle est bon pour des raisons différentes de celles du manga, ce qui, à mon avis, est la manière dont les adaptations devraient être, même s’il peut y avoir une pointe de déception qu’il n’atteigne pas une expérimentation formelle similaire. C’est là qu’interviennent les séquences de fin – de petites histoires en elles-mêmes qui agissent comme une sorte de pont entre ce qui est et ce qui aurait pu être, entre l’histoire à travers les médiums, un peu distillée de manière créative Homme à la tronçonneuse vibre semaine après semaine, quelle que soit la façon dont chaque épisode se déroule.