Le réalisateur de « Dune » Denis Villeneuve et le monteur Joe Walker : influenceurs

Les images de Denis Villeneuve évoquent à la fois la beauté et la souffrance. Au-delà d’avoir la compétence rare de ce que James Cameron appelle «le vocabulaire de la réalisation de films épiques», il y a une intériorité psychologique singulière dans ses perspectives et ses mondes de science-fiction. Le monteur Joe Walker s’est souvenu d’avoir rencontré cela pour la première fois lorsqu’il a vu le film du réalisateur « Incendies » en 2010, époustouflé par les « visages forts contre des paysages peuplés de traumatismes ».

Au cours de la décennie et plus qui a suivi ce film – axé sur des jumeaux découvrant de sombres secrets du passé de leur mère – la portée de la construction du monde et l’ampleur des histoires abordées par Villeneuve ont augmenté de façon exponentielle, tout comme le bac à sable cinématographique avec lequel lui et Walker accéder à l’esprit complexe de ses personnages.

Dans « Sicario » (2015), le spectateur fait l’expérience de la fuite de l’innocence d’un agent du FBI (Emily Blunt) et d’un flic mexicain (Benicio del Toro) alors qu’ils sont plongés dans le danger violent d’une guerre contre la drogue ; dans « Arrival » (2016), nous sommes littéralement transportés dans l’esprit d’une linguiste (Amy Adams) qui apprend à communiquer avec des extraterrestres à travers son chagrin ; et dans « Blade Runner 2049 » (2017), le réalisateur trouve un moyen de donner au spectateur l’accès à l’humanité réplicante de K (Ryan Gosling) à travers sa recherche hypnotique à travers un paysage post-apocalyptique. Le point culminant de cela est venu en 2021 avec « Dune », leur adaptation du mélange allégorique de Frank Herbert – prétendument inadaptable – de politique et de religion à travers l’Élu (Timothée Chalamet) et ses visions mystiques de diriger les nomades Fremen dans une guerre sainte contre le planète désertique Arrakis.

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Villeneuve s’est poussé à grandir en tant que cinéaste avec ces toiles stimulantes, mais la reconnaissance de ses propres limites était tout aussi importante. « Pendant longtemps, je cherchais quelqu’un qui accorderait autant d’attention au son qu’à l’image », a déclaré Villeneuve à propos de sa collaboration avec Walker, qui a commencé sur « Sicario » et s’est poursuivie jusqu’à « Dune » et dans sa suite récemment annoncée. . « Joe, ayant étudié et travaillé en tant que compositeur et monteur sonore pendant des années à la BBC, a définitivement accordé beaucoup d’attention à la conception sonore. » C’est avec « Sicario » que les films de Villeneuve sont devenus, comme le dit le réalisateur lui-même, « une danse entre le son et l’image ».

La contribution de Walker aux films de Villeneuve, cependant, va bien au-delà de la création d’une relation plus sophistiquée et expressive entre l’audio et le visuel – ce sont les rythmes et les connexions qu’il trouve dans les images du réalisateur elles-mêmes. « La joie de travailler sur les films de Denis, c’est que vous êtes [collaborating with] un cinéaste très cinématographique et quelqu’un qui pense en termes de nature sensorielle des choses », a déclaré Walker. Comment se pencher et graver ces couches sensorielles est devenu un voyage infiniment gratifiant dans la carrière déjà bien remplie de l’éditeur nominé aux Oscars.

Un exemple parfait de la capacité de Walker à exploiter et à libérer les éléments sensoriels des images de Villeneuve est venu dans la séquence de raid dans le tunnel de « Sicario », qui a été tournée par le célèbre directeur de la photographie Deakins avec des caméras thermiques et une vision nocturne. Ce sentiment de foncer vers le danger à travers l’obscurité est magnifiquement exécuté dans les images évocatrices de Deakins, mais cette obscurité a également permis à Walker d’expérimenter comment le remplir d’un paysage sonore (en collaboration avec le monteur sonore superviseur Alan Murray) qui crée un sentiment de plongée dans une autre dimension. Le résultat est un espace de tête qui est psychologiquement déstabilisant et va au-delà du danger physique. Alors que l’imagerie alterne entre le vert de la vision nocturne, l’obscurité totale et la lumière au coin de la rue, un rythme se développe dans le montage – celui sur lequel la partition de Jóhann Jóhannsson se penche – des personnages en voyage après lequel ils peuvent ne pas être les mêmes.

Pour voir Villeneuve et Walker décomposer la scène du passage frontalier, regardez la vidéo ci-dessous :

« Le son est un ADN direct de la façon dont il coupe un film », a déclaré Villeneuve, qui pointe vers une autre scène de « Sicario », où les tensions montent pour les agents du FBI alors qu’ils traversent la frontière (vous pouvez regarder cela dans la vidéo ci-dessus) . C’est une tension qui vient du sens de l’histoire et du rythme de Walker. « Rien [mostly] se passe, tout est très loin des personnages, il s’agit de conception sonore et de progression de tension qui monte, monte, monte au fil du montage et du choix du rythme du moment.

La transition de Villeneuve vers la science-fiction était, à bien des égards, un choix naturel pour son approche sensorielle de l’imagerie. Cette capacité à tisser la métaphysique avec le récit l’a placé carrément à l’intersection inhabituelle d’Andrei Tarkovsky et de David Lean. À partir de « L’arrivée » de 2016 et de la façon dont il joue avec le temps et la prophétie, l’approche de Villeneuve de ses récits de science-fiction créerait également une expérience éditoriale beaucoup plus complexe.

Les deux chronologies de « Arrival » ont obligé Walker à jongler avec la mission actuelle de Louise (Amy Adams) pour décoder la langue extraterrestre afin qu’elle puisse communiquer avec eux, et le flash avance avec sa fille. Dans sa conception narrative et le scénario lui-même, le lien entre les deux était clair et ne s’est renforcé que dans la façon dont le réalisateur et directeur de la photographie Bradford Young a tourné les visions du futur avec une splendeur naturaliste à main levée, juxtaposée à des compositions pondérées entourant l’arrivée de un grand ovale extraterrestre noir perché dans le paysage du Montana (joué par la paroisse Saint-Fabien de Québec).

« C’était comme si nous cherchions une façon vraiment intéressante de faire une grande science-fiction [film]», a déclaré Walker. « La chose dont je me souviens avoir été frappé lorsque les quotidiens sont sortis la première semaine, c’est la [opening] Matériel. Et je dois dire que c’était l’un des matériaux les plus magnifiques que j’aie jamais reçus, et les couleurs étaient vraiment vives, et en quelques secondes, Amy nous séduit en quelque sorte en tant qu’actrice.

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Les ingrédients étaient là, mais la manière de saupoudrer les souvenirs comme le déroulement d’un puzzle n’était pas au départ claire pour Villeneuve. « Je me souviens avoir regardé notre première coupe une nuit et s’être regardés et être sortis sur le balcon et Joe fumant une cigarette », a déclaré Villeneuve. « Après 20 minutes de silence, Joe a dit: » Ne vous inquiétez pas. La dernière fois que j’avais été dans cette situation, c’était ’12 Years a Slave’ et le résultat était bon.’ L’histoire n’a pas changé… ce qui a changé, c’est le centre du film, qui sur le papier était dynamique mais sur le film, répétitif.

Walker a aidé le réalisateur à trouver un nouveau rythme et à repenser les juxtapositions d’une manière qui pourrait propulser le film. «Nous avons essayé de trouver des moyens d’augmenter l’élan et les idées générales», a déclaré Villeneuve. « Ma relation avec Joe est si étroite que très souvent je ne me souviens pas qui a eu l’idée… et, franchement, je m’en fiche. »

L’une des idées de Walker a en fait sauvé une scène qui ne fonctionnait pas, qui impliquait la notion d’heptapodes extraterrestres infiltrant l’esprit de Louise. Ce fut le résultat d’un autre heureux accident, avec l’arrivée d’un test VFX de l’heptapode rampant comme un éléphant dans la brume. Walker a combiné deux scènes différentes, principalement de Louise et du physicien et futur mari Ian (Jeremy Renner) discutant du concept de contrôle mental, et a inséré les séquences de test (avec le son d’une forte réverbération) comme vision pour illustrer la percée.

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« C’était un miracle pour moi », a ajouté Walker. «C’était comme une de ces choses où j’avais si peu de foi que ça allait marcher et ensuite c’est dans le film et ça sert un grand avantage. J’ai en quelque sorte l’impression d’avoir effacé 15 ans de formation à la BBC à ce moment-là.

Selon Walker, « Arrival » était à bien des égards une mise au point pour « Dune », une adaptation cinématographique qui présentait un nouvel ensemble d’exigences et de défis qui propulseraient la collaboration à un nouveau niveau d’exploration éditoriale et de résolution de problèmes.

À savoir, il y a une pulsion narrative dans le voyage du héros mythique de Paul (Chalamet) alors qu’il se heurte à la force inébranlable de la nature. La difficulté était de réduire l’exposition d’ouverture sur les diverses machinations politiques et la signification culturelle d’Arrakis. Il était beaucoup plus important d’établir l’aventure de la famille Atréides, en se concentrant sur le futur messie Paul essayant de comprendre et de faire face à ses pouvoirs spéciaux, qui sont à la fois une bénédiction et une malédiction.

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Le réalisateur remercie son monteur d’avoir aidé à relever ce défi. « Nous sentirons que la nature n’est pas seulement en arrière-plan mais aussi l’un des personnages principaux », a déclaré Villeneuve. « Mais nous devions créer suffisamment d’élan et le faire respirer, et Joe a trouvé cet équilibre… plus lyrique et plus abstrait… et plus profond. »

La façon dont Walker et Villeneuve ont travaillé pour déverrouiller visuellement et auditivement les visions futures de Louise dans « Arrival » a servi de point de départ pour l’intériorité encore plus mystérieuse des prophéties de Paul. « Nous avons toujours su que les visions intérieures de Paul devaient être substantielles, mais elles étaient assez libres, et nous les avons négociées de manière narrative », a déclaré Walker. « Nous avons développé le montage au fur et à mesure. »

Le meilleur exemple de cela, et la plus grande percée de montage du film, était dans la scène du défi mortel de Gom Jabbar, au cours de laquelle les capacités mentales spéciales et le contrôle des impulsions de Paul sont mis à l’épreuve lorsqu’il place sa main dans une boîte douloureuse contrôlée par le Bene. Gesserit Mère Supérieure (Charlotte Rampling). « C’est la scène la plus complexe, du point de vue du découpage, que Joe a dû faire », a ajouté Villeneuve. « Et je pense que je l’ai torturé avec. C’était son Gom Jabbar. Je voulais vraiment une progression très spéciale qui apportera cette énergie… la pression de la douleur sur lui [while his mother endures her own agony outside the room]. « 

Pour voir comment Walker a réussi le défi Gom Jabbar, regardez l’essai vidéo ci-dessous :

À bien des égards, Gom Jabbar était le summum de ce que Walker a apporté aux films de Villeneuve. Toutes les idées et émotions gravées dans les images se sont déversées une fois que Walker a réussi à insérer la vision de Paul de palmiers en feu, prédisant la mort de la famille Atreides. C’était une résolution narrative qui fusionnait organiquement l’introduction de l’histoire mystérieuse tout en propulsant l’histoire vers l’avant.

Pourtant, ce sont les rythmes de la douleur croissante de Paul et de l’angoisse de sa mère (Rebecca Ferguson) qui font exploser cette porte. C’est une percée qui, comme vous le verrez dans la vidéo ci-dessus, est venue du son et de l’étroite collaboration de l’éditeur (datant des années 80) avec le compositeur Hans Zimmer, à qui Walker a présenté Villeneuve pour la première fois pour leur suite « Blade Runner ».

Walker s’est inspiré d’un chant médiéval de la chanteuse Loire Cotler, qui était au cœur de la partition « Dune » de Zimmer. Cela a servi d’ancienne voix à l’intérieur de Paul qui lui a donné la force de passer le Gom Jabbar. « Je pense que Hans fonctionne de cette manière pour générer une petite substance organique capable de proliférer sur une longue période d’un film », a déclaré Walker. « Jusqu’à ce point, nous n’avons jamais pu tout à fait le clouer sur le plan éditorial. »

En 2014, Villeneuve savait qu’il avait besoin d’un partenaire qui pourrait l’aider à comprendre comment le son et le rythme pouvaient libérer l’émotion, l’histoire et le pouvoir sensoriel de son approche visuelle distinctive. Ce qu’il n’a probablement pas réalisé, c’est qu’un tel partenariat l’aiderait à résoudre l’énigme apparemment impossible, et son rêve de toujours, d’adapter le livre d’Herbert.

En octobre, Warner Bros. a donné le feu vert à l’adaptation par Villeneuve de la seconde moitié du livre. La production commencera cette année et Walker est déjà à bord pour le montage. «Je suis tellement content d’avoir reçu ce message un matin de Denis disant:« Veux-tu me rejoindre à nouveau dans le désert profond? « Et j’ai répondu et j’ai dit : « Oui, j’ai déjà emballé mon parasol. » –Bill Desowitz