Elvis a fait sa première mondiale au Festival de Cannes. Il ouvre dans les salles le 24 juin.
Elvis de Baz Luhrmann raconte l’histoire du roi du rock & roll à la vitesse de la lumière, aussi nerveux et plein d’énergie que le jeune Presley lui-même l’était lorsqu’il montait sur scène dans les années 1950 et faisait tournoyer la foule dans une frénésie. Il y a des moments où c’est absolument la meilleure approche – même avec quelques omissions notables dans l’histoire de sa vie, il y a beaucoup couvert ici – mais le film de Luhrmann aurait gagné à s’arrêter pour reprendre son souffle plus qu’il ne le fait. C’est cette incohérence et ce rythme parfois troublé qui empêchent Elvis d’atteindre les sommets vertigineux qu’il recherche, mais, en tant que fan d’Elvis depuis toujours, cette prise sincère pose les bonnes questions sur son sujet et explique pourquoi la contribution d’Elvis à la culture pop américaine reste si durable et si important.
Au centre de tout cela se trouve une performance digne d’un Oscar d’Austin Butler, qui cloue la voix de Presley (il fait beaucoup de son propre chant dans les séquences des années 50 et est plutôt bon !) et les manières, même si son la ressemblance avec Elvis varie parfois. Butler ne va pas pour le mimétisme ici. Il y a une lumière derrière ses yeux qui révèle une immersion intense en Elvis l’homme ; c’est presque un cliché de dire qu’un acteur canalise la vraie personne qu’il joue, mais la représentation humaine nuancée de Butler capture les éléments superficiels que l’on attend d’Elvis tout en révélant le rêveur passionné et finalement l’âme brisée en lui. Espérons que Butler ne sera pas négligé au moment des récompenses comme Taron Egerton de Rocketman l’était.
«
Il faut noter qu’Elvis lui-même n’est pas le point d’entrée de son propre film. Non, Elvis, le film est en grande partie un film à deux entre Butler’s Presley et un Tom Hanks chargé de prothèses en tant que son manager de longue date, le « Colonel » Tom Parker. Cette histoire commence et (en quelque sorte) se termine avec Parker, un escroc sournois au passé mystérieux dont l’emprise sur Elvis est le principal sujet d’examen ici. Comment cet bonimenteur de carnaval négligent a-t-il pu s’intéresser si profondément à l’une des plus grandes stars du XXe siècle ? Et pourquoi Elvis est-il resté avec lui alors qu’il voulait qu’il parte pour que sa carrière puisse s’envoler encore plus haut ?
Il y a plusieurs réponses explorées ici, mais la capacité du colonel à faire neiger les gens – il est appelé plusieurs fois « le bonhomme de neige », même par Elvis – est pleinement exposée alors qu’il manipule les émotions et le désir d’Elvis de ne jamais revenir à la pauvreté d’où il est venu. Alors que son accent de méchant Bond devient lassant (le vrai colonel ne parlait pas comme ça), il y a une raison (spoiler) à cela et Hanks excelle à jouer ce personnage complice pour réaliser son propre rêve américain. Elvis en tant que machine de marchandisage (et ticket de repas de Parker) est parfois exploré de manière amusante, comme lorsque Parker convainc Elvis de vendre des boutons « Je déteste Elvis » (pourquoi quelqu’un d’autre devrait-il profiter de ne pas l’aimer ?). Casting Hanks – le père américain et gardien de la flamme des baby-boomers – en tant qu’antagoniste rusé dans un film sur l’Amérique qui se déroule au cours des mêmes décennies que Forrest Gump a couvert s’avère un geste délicieusement subversif.
Étant donné que le film est encadré autour de Parker, nous n’obtiendrons un aperçu complet d’Elvis adulte que plus tard dans le premier acte. Il y a des aperçus de lui de loin et des extraits de sa voix, mais nous, comme Parker, ne voyons pas Elvis en entier jusqu’à ce qu’il monte sur scène au Louisiana Hayride et envoie les femmes du public dans une frénésie sexuelle. La nature (à cette époque) vulgaire et choquante de tout cela capture immédiatement Parker, un vieil aboyeur de carnaval qui connaît un spectacle de monstres rentable quand il le voit.
Parce qu’il s’étend sur quelques décennies (du milieu des années 40 au milieu des années 70), Luhrmann – jamais un conteur pour traîner trop longtemps dans n’importe quelle scène – dirige son film comme un train mystérieux qui pourrait dérailler à tout moment. Heureusement, ce n’est pas le cas, mais cette vitesse vertigineuse ne laisse pas beaucoup de temps pour faire le point émotionnellement sur certains événements majeurs, comme la mort de la mère bien-aimée d’Elvis, Gladys (une Helen Thomson mélancolique et anxieuse). Nous assistons aux conséquences de sa mort, mais pour la pire tragédie de la vie d’Elvis, sa disparition réelle est gérée en autant de temps qu’une pause publicitaire.
«
En dehors d’Elvis et du colonel, la plupart des autres personnages sont à peine esquissés, y compris le père Vernon Presley (Richard Roxburgh du Moulin Rouge!) et sa femme Priscilla (dont la cour est accélérée probablement pour esquiver la nature problématique d’un homme adulte qui s’implique avec un mineur). En tant que Priscilla, Olivia DeJonge obtient quelques scènes décentes plus tard dans le film, mais la relation de Priscilla avec Elvis n’a pas vraiment la profondeur qu’elle mérite. Dacre Montgomery de Stranger Things, cependant, obtient une quantité décente de temps d’écran en tant que Steve Binder, le réalisateur de télévision qui a dirigé le Comeback Special de 1968 qui a relancé la carrière musicale d’Elvis et lui a redonné ses racines de rocker badass après un long passage dans un film hollywoodien boiteux. Véhicules.
Le spécial Comeback permet également un bon degré d’humour car Parker assure aux dirigeants du réseau qu’il s’agit en fait d’un spécial de Noël et qu’Elvis portera un pull voyant et chantera des airs sains de Yuletide (il ne le fait pas). Ceci et une séquence antérieure des années 50 où Elvis défie un avertissement de la police de ne pas même agiter son petit doigt sur scène Elvis en tant que rebelle essayant de se libérer de l’adoucissement de son image par le colonel, qui veut le rebaptiser comme un sain, Artiste familial entièrement américain (les séjours d’Elvis dans l’armée américaine et à Hollywood finissent par accomplir cela). Mais même quand Elvis gagne (contre la volonté du colonel), il finit par perdre – et c’est la tragédie au cœur d’Elvis de Baz Luhrmann.
J’ai vu tous les films et mini-séries jamais réalisés sur Elvis Presley et j’ai toujours été frustré de voir à quel point ils ont négligé d’aborder le rôle que la culture et la musique noires ont joué dans son développement personnel et professionnel – ainsi que la dangerosité d’Elvis. à l’époque pour avoir franchi les frontières raciales et défié les mœurs sexuelles des années 1950. Ce n’est pas le cas dans le film de Luhrmann, qui donne aux contributions des artistes noirs à la musique américaine et à Elvis lui-même un rôle bien plus important qu’ils n’ont jamais eu auparavant dans tout projet antérieur à son sujet. Cela se fait attendre depuis longtemps et, espérons-le, nombre de ces artistes noirs et pionniers de la musique recevront également le traitement biographique sur grand écran qu’ils méritent.
Les goûts de BB King, Little Richard, Fats Domino, Mahalia Jackson, Arthur « Big Boy » Crudup et Big Mama Thornton apparaissent tous comme des personnages dans le film, tandis que la bande originale comprend des remixes modernes et de la nouvelle musique d’artistes tels que Doja Cat pour rendre le lien entre les générations et les cultures plus clair pour les téléspectateurs modernes de toutes les races. Elvis, le film – qui a été produit avec le consentement de la succession Presley – fonctionne certainement comme une réponse à l’opinion de longue date et largement répandue selon laquelle Elvis a simplement volé la musique noire et en a profité.
«
Le film de Luhrmann s’efforce de montrer l’éducation d’Elvis en tant que pauvre enfant blanc vivant parmi des Afro-Américains pauvres à Tupelo, dans le Mississippi, et comment les juke-joints noirs et les reprises de musique gospel l’ont accroché à un âge tendre. Elvis de ce film passe beaucoup de temps sur Beale Street à Memphis (« la maison du blues ») et au Handy Club, où il reconnaît ouvertement les talents et les influences que les artistes noirs ont eus sur lui.
Si quoi que ce soit, Elvis le film corrige presque trop dans sa tentative de recadrer Elvis à l’ère du mouvement des droits civiques. On pourrait penser qu’il a défilé avec MLK, mais ce n’est pas le cas. Elvis lui-même n’a jamais écrit de mémoires, n’a jamais fait d’interview approfondie de Rolling Stone ou d’apparition dans un talk-show de Dick Cavett comme beaucoup d’autres stars de cette époque l’ont fait. Son histoire a été racontée par tout le monde et beaucoup de discours se sont formés pour combler les trous dans le récit de ses opinions personnelles. Le film de Luhrmann, cependant, pourrait amener à supposer qu’Elvis était beaucoup moins conservateur qu’il ne l’était. (Elvis, après tout, s’est un jour rendu seul à la Maison Blanche pour demander au président Nixon un badge d’agent fédéral des stupéfiants pour sa collection personnelle afin qu’il puisse jouer son rôle dans la guerre contre la drogue.)
Le film présente à merveille l’amour d’Elvis pour la musique, la présentant comme son premier véritable amour (autant qu’il aspire à être aussi un grand acteur). Butler transmet habilement la passion et la joie qu’Elvis ressentait pour la musique, en particulier lorsqu’il est vu diriger son groupe pour offrir le juste niveau de ferveur quasi ecclésiastique dont il a besoin pour donner le meilleur de lui-même. L’élément artiste d’Elvis a souvent été passé sous silence dans les nombreux biopics réalisés à son sujet. Bien que cela aurait été encore plus apprécié ici, au moins les instincts de Luhrmann ont raison de montrer l’influence que la musique, en général, a eue sur Elvis et ce que cela signifiait vraiment pour lui en tant que forme d’expression. (Le film illustre également bien l’amour d’Elvis pour les bandes dessinées, faisant de lui un fanboy OG.)
Tout, des mouvements de danse d’Elvis et des manières spécifiques aux vêtements qu’il portait sur les photos emblématiques, est méticuleusement reproduit ici. Idem à Memphis’ Beale Street et la scène du Vegas Hilton (bien que sa maison, Graceland, ne soit pas montrée autant qu’on pourrait s’y attendre). Une grande partie du film se déroule sur la route, en particulier dans la dernière moitié, alors que les tournées incessantes d’Elvis, sa consommation de drogue et son divorce avec Priscilla lui pèsent lourdement. Luhrmann et son équipe méritent des félicitations pour leur attention presque servile aux détails tout au long, quelque chose que les fans non-Elvis peuvent tenir pour acquis, mais ceux d’entre nous qui ont regardé le ’68 Comeback Special ou Elvis: That’s the Way It Is plusieurs fois apprécieront sûrement sa précision et sa fidélité.
La chute d’Elvis liée à la drogue arrive tard dans le film. Bien que sa consommation de drogue soit évoquée pour la première fois dans une scène se déroulant dans les années 50, ce n’est qu’à la fin – lorsque sa place en tant qu’attraction de longue date à Vegas a été scellée comme une tombe – que nous voyons Elvis le plateau de tournage. , paroles-slurring, tête brûlée émergent. La consommation réelle de drogue de Presley se produisait depuis longtemps avant cela, mais des scènes du médecin personnel du colonel et d’Elvis, «Dr. Nick « fait tout ce qu’il faut pour s’assurer qu’il reste en tournée et monter sur scène à Vegas s’avère finalement déchirant alors qu’Elvis se résigne à noircir les fenêtres pour se protéger de la lumière du soleil, se cachant derrière des lunettes noires et laissant les hauts et les bas dicter son comportement quotidien . Cela donne une histoire finalement tragique, non pas que mourir à 42 ans laisse beaucoup de place pour une conclusion optimiste.