Whitney Houston : critique de Je veux danser avec quelqu’un

Si cela signifie classer ces films sur une courbe, alors bien sûr: regardez I Wanna Dance With Somebody parce que Houston était une icône. Cependant, sachez qu’elle mérite un meilleur film qu’une simple autre liste de contrôle de la jeunesse à la mort avec un détour par la dépendance, mais sans sens cohérent du temps ou de la causalité (le genre que Baz Luhrmann ne pouvait faire fonctionner que dans Elvis en le transformant en un rêve fébrile alimenté par la pop). Regardez-le parce que Naomi Ackie brille dans le rôle-titre, et regardez-le parce que Lemmons parvient à extraire une once ou deux d’humanité du scénario d’Anthony McCarten – qui, soit dit en passant, était le coupable derrière non seulement Rhapsody, mais une flopée de biopics de la saison des récompenses moyennes au mieux, de La théorie du tout à L’heure la plus noire. Son prochain film dans ce genre mécanique parle d’un artiste pop expérimental Andy Warhol et le néo-expressionniste Jean-Michel Basquiat. Cela ne peut s’empêcher de se lire comme une blague cruelle où le public est la punchline.

Plus vous regardez I Wanna Dance With Somebody, plus vous remarquez son filigrane « For Your Consideration: Best Picture » estampé sur chaque scène. Cela commence dans le New Jersey en 1983, juste avant qu’un Houston de 20 ans ne soit découvert par des cadres du disque lors d’une représentation locale – un événement dont nous sommes, bien sûr, traités en détail. Les scènes initiales du film sont parmi les plus fortes et les plus intimes, entre l’introduction des parents de Houston, la dure chanteuse de Gospel Cissy (Tamara Tunie) et le manager streetwise John (Clarke Peters), ainsi que sa première rencontre avec la garçonne Robyn Crawford (Nafessa Williams ), avec qui Houston aurait une relation qui finirait par se transformer en un rôle d’ami et de manager. Le scénario, cependant, prend non seulement des libertés avec la façon dont ils se sont rencontrés – ils étaient tous les deux conseillers dans un camp d’été, mais la rencontre mignonne du quartier du film accélère les choses – mais aussi quand ils se sont rencontrés. Dans la vraie vie, c’était en 1980 ; Crawford avait 19 ans alors que Houston n’en avait que 16, mais le film évite tout enchevêtrement et complication potentiels en ce qui concerne leur dynamique.

Cette tendance se poursuit pendant une grande partie de son exécution. Les problèmes et les complexités sont balayés sous le tapis dès qu’ils surviennent, conduisant à des scènes condensées avec peu de conflits à voir. Des obstacles comme Houston et Crawford étant brièvement repérés en public surgissent brièvement, tout comme les accusations portées contre la musique de Houston pour ne pas être «assez noire», mais l’histoire finit par ne pas se soucier de ces vecteurs d’identité queer et raciale au-delà de simples mentions passagères. Avant que nous ne le sachions, toutes les bagarres ou éruptions sur ces problèmes, en particulier entre le couple principal, sont depuis longtemps dans le passé, ayant été résolues hors écran. Le modus operandi du script n’est pas un drame significatif, mais plutôt une accélération pour cocher tous les événements prédéterminés sur sa liste de contrôle pendant ses 146 minutes, malgré les plus grands efforts de Lemmons.

Ces efforts sont parfois perceptibles, au moins. Lemmons n’était pas la première réalisatrice attachée au projet, mais elle a fait un ajout prometteur en tant que cinéaste derrière Harriet, son biopic sur Harriet Tubman (qu’elle a également co-écrit) qui a évité le traitement historique du speedrun en se doublant d’une histoire de foi et de mysticisme. Je veux danser avec quelqu’un n’a pas de telles fioritures, mais Lemmons est aussi un cinéaste résolument humaniste. Ainsi, alors que le film avance de scène en scène avec peu de résonance entre les événements, les scènes elles-mêmes révèlent parfois des dimensions cachées à chaque personnage, compte tenu des gros plans persistants de Lemmons.

Ceci est grandement aidé par les performances. Ils valent la peine à tous les niveaux, entre la conception silencieusement peinée de Williams de Crawford, Stanley Tucci dans le rôle de Clive Davis, le gentil confident du directeur du disque de Houston – d’accord, Davis était l’un des producteurs du film, il finit donc par être valorisé en tant qu’ange gardien – et Clair de lune‘s Ashton Sanders dans le rôle d’un Bobby Brown explosif, manipulateur et étonnamment multicouche, le futur mari de Houston. Ackie, une star du plus haut calibre, peint sa version de Houston non seulement avec des nuances, mais une présence rayonnante et séduisante digne de l’icône de la musique.

Cependant, l’utilisation par le film de cette grande iconographie est généralement ennuyeuse. Le titre, par exemple, est tiré de l’une des plus grandes chansons de Houston, et tandis que sa création dans l’histoire fait allusion à une lutte entre l’âme et le populisme – entre l’art et la vente – il n’y a finalement pas de tel conflit. Son travail naît souvent sans signification ni dramatisation, adhérant une fois de plus à la structure de la liste de contrôle du film. « Et puis c’est arrivé. Et puis elle a enregistré cette chanson. Et puis elle a donné cette performance », et ainsi de suite. Il n’y a pas d’âme.

Pire encore, la fin de l’histoire dépend de la connaissance exacte de la chronologie et des circonstances du décès prématuré de Houston, qu’elle ne fait qu’indiquer de manière oblique. Il a trop peur de se salir les mains au service de raconter une histoire réelle sur une personne réelle et désordonnée, une avec n’importe quel type d’agence au-delà de la façon dont elle a pu être victime – la succession de Houston a été étroitement impliquée dans la production – ce qui a entraîné une moitié -se souvenir d’événements passés au crible, plutôt que d’un drame rigoureux et percutant.

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