Les voix derrière ‘Naatu Naatu’
Kaala Bhairava et Rahul Sipligunj sont les chanteurs qui ont donné vie à la chanson « Naatu Naatu » du compositeur MM Keeravaani, lauréate d’un Golden Globe et nominée aux Oscars, de « RRR » de SS Rajamouli.
Avec des paroles de Chandrabose, la chanson énergique, tournée dans le contexte du palais Mariinskyi à Kiev, en Ukraine, montre les stars Ram Charan et NT Rama Rao Jr. dans une danse.
Bhairava est le fils de Keeravaani et observe le travail du compositeur depuis son enfance. Il a fait ses débuts au cinéma en 2011 avec « Rajanna » et a chanté plusieurs chansons à succès depuis. Il a fait ses débuts au cinéma avec « Mathu Vadalara » en 2019.
« C’était assez simple. Rahul et moi avons été chargés de rendre la chanson avec une attitude décomplexée et de maintenir le genre d’énergie que la chanson et la situation exigeaient. De plus, avoir un aperçu approfondi de la situation de la chanson a également aidé », déclare Bhairava à propos de la préparation de « Naatu Naatu ».
Sipligunj a fait ses débuts en tant que chanteur de cinéma avec « Dheera » (2009) et depuis lors, il a chanté de nombreux tubes, dont plusieurs pour Keeravaani. Pour « Naatu Naatu », le compositeur lui a dit que sa voix serait utilisée sur la piste approximative et pourrait ne pas arriver à la version finale.
« C’était une opportunité unique pour moi et je me suis dit ‘quoi qu’il arrive, je ferai de mon mieux, car de telles opportunités ne frappent pas souvent à nos portes' », déclare Sipligunj.
La voix de Sipligunj a non seulement été retenue pour la chanson originale en langue télougou, mais le compositeur lui a également demandé de chanter les versions en langue tamoule, kannada et hindi. Le chanteur, qui ne connaissait pas un seul mot de kannada ou de tamoul, crédite les producteurs exécutifs du film, MM Srivalli et Bhairava, qui l’ont soutenu tout au long des sessions d’enregistrement.
— Naman Ramachandran
L’homme derrière les prothèses ‘Bones and All’
En tant que concepteur principal de prothèses sur « Bones and All » en 2022, le talent artistique tordu de Jason Hamer peut être repéré dans de nombreux moments cruciaux les plus sanglants du film. L’influence de Hamer sur le long métrage remonte à la pré-production, lorsqu’il a collaboré avec le réalisateur Luca Guadagnino pour rechercher la logistique de manger un autre être humain.
« [The goal] prenait cette connaissance et essayait de la recréer avec le type de matériaux que nous avions », explique Hamer, propriétaire et directeur créatif de Hamer FX, du processus de conception. «Parce que vous avez des silicones et des trucs, mais ils ne fonctionnent pas de la même manière que la nature – que la chair humaine. Donc, vous devez vraiment le manipuler pour faire ce que vous voulez qu’il fasse.
La première chose à laquelle l’équipe d’effets visuels de Hamer s’est attaquée a été la séquence d’ouverture brutale du film, dans laquelle Maren (Taylor Russell) mord compulsivement le doigt d’un de ses camarades de classe lors d’une soirée pyjama. Mais le silicone seul ne suffirait pas à retirer le bâillon gorey, comme Hamer l’a rapidement découvert, alors il a renforcé la prothèse de doigt mutilée avec des collants pour obtenir un effet de «peau nerveuse». La prothèse a ensuite été soigneusement appliquée sur l’interprète juste avant la révélation rapprochée de son doigt, qui, selon Hamer, a pris jusqu’à 90 minutes.
Mais l’exploit ultime de Hamer a été de construire le corps entier de Mme Harmon, une femme âgée innocente dévorée par un cannibale nommé Sully (Mark Rylance). Pour reproduire les intestins du personnage, Hamer dit avoir injecté du silicone dans un boyau de saucisse et l’avoir trempé dans de l’eau de Javel.
« Nous tirions constamment de la nourriture ou de la nature », explique Hamer. « Les bananes font de grands cerveaux… vous les écrasez et les mélangez avec du sang, et cela vous donne vraiment une sensation agréable, organique, épaisse mais vibrante que vous ne pouvez pas reproduire avec du silicone. »
— Katie Reul
Plongée souterraine dans ‘Thirteen Lives’
Travailler dans toutes sortes de conditions est normal pour le cours de caméraman. Pour Jason Ellson, travailler dans une grotte sous-marine était quelque chose de nouveau dans « Thirteen Lives ».
Caméraman chevronné, Ellson (« Hidden Figures », « Mulan » et « Black Panther : Wakanda Forever ») a commencé sa carrière en réalisant des reportages et des documentaires en Australie et en Asie du Sud-Est avant de déménager aux États-Unis.
«J’ai eu une petite expérience de tournage sous l’eau pendant mes jours de documentaire; cependant, je serais loin de me considérer comme un expert dans ce domaine », dit-il. « Par conséquent, nous avons employé un DP sous-marin professionnel, Simon Christidis. »
Le film, qui raconte l’histoire vraie du sauvetage d’une jeune équipe de football et entraîneur en Thaïlande, qui s’était retrouvé piégé dans un réseau de grottes inondées pendant la saison de la mousson, a nécessité une planification détaillée et une attention à la sécurité, pour les acteurs, l’équipe et le matériel délicat.
« Pour moi, la plus grande pièce du puzzle était l’imperméabilisation de l’équipement et la manière dont nous actionnions les caméras « ensachées » et capturions le drame », dit-il. « Le processus de réalisation du film est extrêmement fluide dans le meilleur des cas, vous ajoutez l’eau, la pluie et les espaces confinés – eh bien, le niveau de difficulté a augmenté. »
Ellson ajoute que le réalisateur Ron Howard était extrêmement adaptable.
« Ron a essentiellement laissé le film dicter le langage visuel, que nous avons découvert au fur et à mesure », dit-il. « Je pense que le style brut du cinéma, presque un documentaire d’observation avec beaucoup de [camera shots]a aidé à y parvenir.
Étonnamment, Ellson a découvert qu’avec tout l’équipement de pointe à sa disposition, le meilleur ami d’un caméraman qui filme dans une grotte sous-marine est la bonne paire de chaussures.
« Les Crocs ont été mon sauveur, ils ont fonctionné comme une basket dans l’eau », déclare Ellson. « Ils avaient une adhérence, drainés et l’orteil fermé protégeait vos orteils des rochers. »
—Paul Plunkett
Les archives jouent un grand rôle dans « Babylone »
Lorsqu’elle cherchait à recréer les débuts d’Hollywood pour « Babylon », la chef décoratrice nominée aux Oscars Florencia Martin connaissait le premier endroit où aller pour la recherche. Qu’il s’agisse de l’ère du cinéma muet, du milieu du XXe siècle, comme elle l’a fait pour « Blonde », ou de la vallée de San Fernando en 1973 pour « Licorice Pizza », Martin a une ressource incontournable pour Los Angeles.
« J’adore le site Web du département de l’eau et de l’électricité de Los Angeles », déclare Martin. « Des archives incroyables. C’est vraiment cool parce que c’est organisé par les différents arrondissements, donc vous obtenez des premières images de Beverly Hills et de Pasadena et du centre-ville, donc vous pouvez vraiment voir l’évolution.
Outre les archives de studio réelles de Paramount, une autre ressource que Martin utilise est History for Hire, une société de location d’accessoires à North Hollywood qui se spécialise dans les accessoires d’époque historiques, ainsi que quelque chose qui l’intéressait particulièrement pour « Babylon ».
« Ils ont une incroyable collection de matériel cinématographique de l’époque », dit-elle. « Ainsi, lorsque nous faisons des recréations comme les studios de cinéma muet dans les années 1920, tout cet équipement cinématographique provient du catalogue. »
Au début du cinéma, certains studios n’avaient pas de toit pour profiter de la lumière du soleil, alors Martin était ravi de décrire l’équipement comme usé, même lorsqu’il était relativement neuf.
« Vous pouviez vraiment voir à quel point les choses étaient irrégulières et c’était important », dit-elle. Le réalisateur Damien Chazelle « voulait vraiment rester à l’écart d’une présentation immaculée de l’époque. Il y a une idée fausse selon laquelle l’équipement pourrait être parfait parce qu’il est tout neuf alors qu’en fait il était partagé et assemblé et qu’ils essayaient juste de le comprendre.
Ayant gravi les échelons du département artistique, Martin apprécie la multitude de scénographes, graphistes,
illustrateurs, directeurs artistiques et équipes qui ont donné vie à « Babylone ».
« Évidemment, il faut avoir une bonne équipe », dit-elle. « Mais j’aime aussi certainement obtenir mon
les mains sales ! »
—Paul Plunkett
‘Western Front’ mobilisé pour le son et le maquillage
Pour « All Quiet on the Western Front », le concepteur sonore / monteur sonore superviseur Frank Kruse, nominé aux Oscars, l’ampleur de la production a créé des défis dès le départ, avec sa petite équipe naviguant dans l’énorme équipe filmant l’action alors qu’il était loin dans verrouillage dû
à COVID.
« Il y a un dicton qui dit que vous avez deux personnes qui travaillent pour le son et 89 personnes qui travaillent pour l’image », dit Kruse. « Le degré de collaboration entre les départements était vraiment exceptionnel. »
Il attribue au mixeur de son Viktor Prasil la production d’avoir remarqué que les bottes d’époque des soldats auraient fait des ravages avec le son, avec leurs épaisses semelles en cuir cloutées de pointes en métal. En collaboration avec le département des costumes, des pointes en caoutchouc ont été échangées et la coopération s’est également étendue à l’installation de microphones dans les casques pour enregistrer l’effet immersif de courir littéralement à travers une zone de guerre.
Le réalisateur Edward Berger est un grand fan de l’enregistrement de « pistes sauvages » sur le plateau, permettant à l’équipe de Kruse d’avoir des enregistrements dédiés – juste du son sans caméra, des grondements de véhicules spécifiques à une période à des dizaines de figurants qui courent en hurlant sur le champ de bataille, le tout pour un morceau de son dont les origines pourraient autrement passer entre les mailles du filet.
« Toutes ces choses uniques sont difficiles à faire en poste de manière réaliste », déclare Kruse. « Donc, c’était vraiment de l’or pour nous à la fin. »
Alors que le public peut comprendre l’effort massif pour recréer les visuels, Kruse apprécie tous les efforts déployés par son équipe pour placer les téléspectateurs au cœur de l’action.
« Alexander Buck et Benjamin Hörbe, nos éditeurs superviseurs de dialogue et ADR, ils ont juste récupéré tellement de choses du son de production, ils ont fait un si bon travail », dit-il. « Assembler de superbes sélections qui étaient fidèles à l’histoire et qui ont tout soulevé et rendu plus tridimensionnel. »
Pour les concepteurs de films d’époque, un coup de main crucial vient parfois d’étrangers sans lien avec la production. Ce fut le cas lorsque la maquilleuse et coiffeuse nominée aux Oscars Heike Merker a commencé ses recherches pour « All Quiet on the Western Front ».
« J’ai trouvé le documentaire ‘Ils ne vieilliront pas' », dit-elle, faisant référence au documentaire produit et réalisé par Peter Jackson comprenant des images restaurées de la Première Guerre mondiale. « Les images de ce documentaire m’ont donné une merveilleuse entrée dans notre film, j’ai pu en tirer beaucoup de matériel de recherche. »
Une fois que Merker a mis en place les bases de l’apparence des gens de l’époque, elle a passé du temps avec le scénario et avec la costumière du film, Lisy Christl, pour tracer les parcours des personnages.
« Elle était fondamentalement solide comme le roc pour moi du début à la fin », explique Merker, décrivant comment les personnages principaux commencent comme jeunes et propres mais se dégradent à mesure que la guerre fait des ravages sur eux. « Vous pourriez essentiellement dessiner sur les visages qu’ils avaient l’air fatigués, qu’ils avaient l’air plus minces, qu’ils n’avaient pas d’énergie, qu’ils n’avaient plus d’espoir. »
Parce que le film a été tourné pendant le verrouillage de la pandémie, on a d’abord dit à Merker que les acteurs devraient se masquer entre les prises.
« J’ai dit ‘Non, ce n’est pas possible, nous n’avons pas les gens pour courir sur le champ de bataille et toucher tout le monde. Alors après on a négocié, en gros, OK, faut trouver autre chose, un bouclier à mettre devant les visages, mais le fond [actors] devait porter des masques entre les prises, ce qui n’était pas le meilleur.
Et les jours où il y aurait des dizaines de soldats à constituer, Merker devait rapidement agrandir son équipe, en faisant appel à des artistes supplémentaires pour constituer des armées littérales en très peu de temps et dans des conditions difficiles.
« Ce que vous voyez devant la caméra, nous sommes là dans la même situation derrière la caméra », dit-elle. « C’était si boueux, ce n’est pas que nous avions un meilleur endroit où être. »
—Paul Plunkett