Le Metropolitan Opera Un concert pour l’Ukraine.
Photo : Evan Zimmerman/Met Opera
À une époque où tant d’habitudes irréfléchies – aller en ligne, voyager, voire respirer – sont devenues une source de menace, il y a de l’émerveillement dans les anciens rituels. Vous pensez peut-être qu’il est inutile pour les orchestres symphoniques d’essayer de rester à jour comme ils le font habituellement, mais ce fut une semaine au cours de laquelle la coutume et l’engagement se sont alignés pour produire des effets spéciaux. J’ai assisté à trois concerts, tous par des ensembles constitués au 19ème siècle dirigés par des hommes blancs dans la quarantaine, jouant de la musique des années 1820 (Beethoven), 1830 (Berlioz) et 1840 (Schumann). J’ai entendu ces pièces plusieurs fois auparavant dans des interprétations subtilement mais pas radicalement différentes, dans des salles similaires, accompagnées de rituels similaires. Un voyageur temporel d’il y a un siècle aurait pu entrer dans n’importe lequel de ces événements et soupirer de satisfaction. Et pourtant, chaque représentation semblait en quelque sorte urgente, fraîche et émouvante.
Cela était en partie dû à la présence sur chaque programme d’une pièce récente qui mettait en relief les anciennes et parce que, après un long congé sabbatique induit par COVID, la nouveauté d’entendre un orchestre en direct dans une salle pleine ne s’est pas encore dissipée. De plus, même les partitions les plus parcourues sont nouvelles pour certains ; chaque public comprend des auditeurs qui viennent à Beethoven Neuvième Symphonie pour la première fois et dont le sens de la découverte est contagieux. La plupart du temps, cependant, l’ancien peut sembler nouveau lorsque les musiciens l’abordent comme des enfants déballant des cadeaux : même s’ils savent ce qui s’en vient, leur enthousiasme s’enflamme.
La semaine a commencé avec le Metropolitan Opera’s Un concert pour l’Ukraine le 14 mars, joué sous un énorme drapeau bleu et jaune et diffusé en direct dans le monde entier comme une forme d’empathie collective. Vous pouviez sentir le chagrin et le but qui ont façonné ces sons : le vibrato respectueux de Samuel Barber Adagio pour cordesle désir feutré d’un chez-soi du chœur « Va, Pensiero », de Verdi Nabucco. La soprano Lise Davidsen a chanté Strauss Quatre dernières chansons avec un mélange de tendresse et de puissance qui semblait embrasser la mortalité tout en défiant les images grotesques de la mort venant d’Ukraine. Passant du deuil à l’exubérance, le directeur musical du Met Yannick Nézet-Séguin a dirigé une interprétation pétillante et scintillante du mouvement choral de Beethoven Neuvième. J’ai imaginé ces sons rugissant des radios au milieu d’une nuit agitée à Kiev, apportant un peu de réconfort.
Quelques minutes plus tard, je me suis précipité hors du Met et au Carnegie Hall à temps pour entendre l’Orchestre symphonique de Boston ouvrir son concert avec la distillation toujours opportune de l’incertitude de Charles Ives de 1908, La question sans réponse. Des cordes lointaines entendues faiblement à travers une porte ouverte, une trompette silencieuse sur le balcon et un groupe d’instruments à vent sur la vaste scène transformaient la salle en une grande chambre de résonance, animée de chuchotements incomplets.
Attraper ce double long métrage de facto signifiait passer d’une musique émouvante et sobre en temps de guerre à un épisode de grand drame prévu de longue date, mais si les deux se sentaient continus, c’est parce qu’ils semblaient tous deux conçus pour accompagner des errances nocturnes troublées. Le nouveau concerto pour violon du compositeur coréen allemand Unsuk Chin, sous-titré « Shards of Silence » et joué avec une virtuosité fulgurante par Leonidas Kavakos, évoquait des éclats éclatant dans l’obscurité. L’orchestre a élargi le paysage onirique du violon. Une note solo s’est épanouie dans une aurore boréale. De grands accords ressemblant à des troncs d’arbres, enracinés par des coups percutants, poussaient des filigranes sonores frissonnants. Je me suis perdu dans tout ce mystère agité, impatient de voir la destination de la pièce, mais le reste du public a évidemment été emporté : le travail de Chin a été accueilli par des ovations qui ont même étouffé ses passages les plus tapageurs.
Il est courant de suivre un concerto contemporain charnu avec un chef-d’œuvre symphonique certifié, permettant aux auditeurs de quitter la salle fortifiés avec des airs familiers. Mais le directeur musical de BSO, Andris Nelsons, a dirigé la musique de Berlioz Symphonie Fantastique dans une performance qui a convoqué ses sueurs nocturnes, ses terreurs et ses bestioles effrayantes. Cette œuvre, elle aussi, est fragmentée et quasi psychotique, et le BSO l’a jouée comme si tous ces bords dentelés n’avaient jamais été lissés par la simple répétition.
Gustavo Dudamel à l’Orchestre philharmonique de New York.
Photo : Chris Lee
Quelques jours plus tard, le chef d’orchestre Gustavo Dudamel est revenu au New York Philharmonic pour la deuxième partie d’une enquête de deux semaines sur les quatre symphonies de Schumann. (Cette fois, nous avons entendu N° 3 et 4séparés par le cliquetis d’Andreia Pinto Correia, décousus Les oiseaux de nuit — encore une autre invocation de l’insomnie.) La maison de l’Orchestre philharmonique est en cours de rénovation et ne rouvrira pas avant octobre, donc l’orchestre surfe sur le canapé cette année, faisant la navette entre Rose Hall et Alice Tully Hall. Il cherche aussi un chef. Cette rencontre avec Dudamel – dont le contrat en tant que directeur musical de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles expire en 2026 – a doublé comme un aperçu d’une nouvelle ère possible.
Dudamel est un fournisseur fiable d’excitation, et sa version de Schumann Quatrième avait la qualité d’une séquence de poursuite en voiture, une simulation chorégraphiée du danger sans le temps d’expirer. Même lorsqu’il ne pilote pas l’orchestre particulièrement vite, il arme les violoncelles et appelle des bêlements rutilants de cuivres qui donnent à chaque instant un élan de carénage. S’il rate quelques occasions de délicatesse et de reniflement de rose en cours de route, c’est un compromis qu’il est prêt à faire, et l’orchestre semble apprécier le drame. C’est le mystère d’entendre une symphonie en direct : la surprise est toujours une possibilité.