Organisé par l’équipe IndieWire Crafts, Craft Considerations est une plate-forme permettant aux cinéastes de parler de travaux récents qui, selon nous, méritent d’être récompensés. En partenariat avec Amazon, pour cette édition, nous examinons comment les compositeurs Rupert et Harry Gregson-Williams, la costumière Kasia Walicka-Maimone et le concepteur de production Bob Shaw ont créé l’excès visuel pour dépeindre l’élite riche de New York dans « The Gilded Age ».
Dans l’art et dans la vie, les titres sont importants. Lorsque HBO lance un drame de la période Julian Fellowes intitulé « The Gilded Age », il ne s’agit pas seulement de sortir une série, mais une promesse d’opulence consciente (sinon tout à fait consciente): des décors suffisamment somptueux pour assouvir un Rockefeller et des robes suffisamment étincelantes pour s’éclairer dans le vieux Broadway. Le défi de « The Gilded Age » n’est pas seulement de tenir la promesse de splendeur visuelle, bien qu’il soit nécessaire de le faire.
Le défi consiste à construire un monde complexe qui, dans son marbre étincelant et ses jets de dentelle, illumine en quelque sorte le drame interne tourbillonnant de chaque personnage, les choix qui pourraient faire leur fortune ou détruire leur âme dans les rues animées de New York. Le défi n’est pas seulement de voir ce que l’argent – qu’il soit ancien ou nouveau – achète en termes de bijoux, de carrosses et d’objets d’art. C’est ressentir une réelle conséquence dans les environnements traversés par les personnages – qu’il y a du pouvoir à gagner et de l’amour à perdre.
« Tout est pour l’affichage. Tout est à voir. C’est tout pour faire une déclaration sur la richesse, l’importance et la puissance que vous êtes, ou du moins vous pensez que vous l’êtes », a déclaré le concepteur de production Bob Shaw à IndieWire. Ces déclarations sont également des promesses de la part des personnages, dont certains sont plus confiants et d’autres plus incertains de détenir réellement le pouvoir qu’ils prétendent posséder. « The Gilded Age » brille vraiment dans les moments où la série est capable de montrer au public à la fois les prétentions superficielles et la réalité incertaine de la famille de l’industriel Russell et des tentatives de l’ancien clan Van Rhijn / Brook de repousser les défis à leur statut privilégié. .
Injecter une importance matérielle dans la richesse matérielle de la série est un défi d’écriture et d’acteur, mais c’est aussi un défi d’artisanat : un test de la quantité de narration qui peut être intégrée dans les os d’un salon, glissée dans le choix des couleurs pour une robe de bal. , ou injecté dans le tempo d’un thème. Dans les vidéos ci-dessous, vous verrez comment les compositeurs Rupert Gregson-Williams et Harry Gregson-Williams, la costumière Kasia Walicka-Maimone et le concepteur de production Bob Shaw ont tous tissé les contrastes déterminants de « The Gilded Age » dans le travail qu’ils ont produit et sculpté. couches de nuances dans les surfaces ornées de la période.
La partition de « L’âge d’or »
Pour les frères Rupert Gregson-Williams et Harry Gregson-Williams, leur choix des personnages de «Gilded Age» qui obtiennent plus de matériel mélodique et qui obtiennent plus de matériel anthémique et énergique informe l’émotion des moments individuels mais reflète également la tension centrale de la série: quoi changements dans la haute société lorsque des individus s’introduisent de force. « Les Russell doivent être notre principal centre d’intérêt parce qu’ils ont été propulsés en ville et qu’ils prennent le pouvoir », a déclaré Harry Gregson-Williams. « Ce que nous recherchions avec la famille Russell, l’argent frais, c’était le pouvoir et l’énergie. C’est une bonne dose de confiance et c’est assez luxuriant.
Les frères et sœurs appellent l’ostinato du thème principal – une répétition de deux notes de musique – le « moteur » de la partition du spectacle. Il fait avancer la composition avec l’élan propulsif d’un train à vapeur, déplaçant le spectacle d’une scène à l’autre et gonflant aux points charnières clés lorsque la dynamique du pouvoir est sur le point de changer. L’arrivée du thème Russell dans la séquence de la salle de bal dans la finale est le dernier mot sur le triomphe de Bertha Russell pour gagner la société new-yorkaise, bien plus que tout ce que Caroline Astor (Donna Murphy) daigne dire.
« Je pense que nous avons une instrumentation plus variée avec le nouvel argent, puis avec l’argent plus ancien, nous étions conventionnels », a déclaré Rupert Gregson-Williams. « Les Russell sont de puissants industriels, mais ils pourraient être du 21e siècle [ones]. Cela se passe en ce moment. Nous avons parlé de ce qui se passait dans les années 1890, 1880 et au début du tournant du siècle suivant, mais nous n’avons pas été influencés par cela.
Esquissant des thèmes au piano puis les enregistrant avec un orchestre complet de 52 musiciens, les Gregson-Williams pourraient transmettre la luxuriance et même l’excès de la période avec la plénitude de la partition, mais prendre des perspectives sur les personnages qui sont plus modernes , plus conscients que le « moteur » du thème principal crée également beaucoup de tension, que même s’ils ne seront jamais majestueux ou obsolètes, ils ne seront jamais non plus au repos.
La conception des costumes de « The Gilded Age »
Le département de la costumière Kasia Walicka-Maimone est à bien des égards l’élément le plus remarquable de « The Gilded Age ». Parce que c’est un drame costumé, dans un sens où une grande partie de ce que les personnages sont et aspirent à être, leurs insécurités et leur place dans la société, est cousue dans les vêtements qu’ils portent. Le choix de Walicka-Maimone quant à la modernité des personnages, où ils se fondent dans leur environnement et quand ils se démarquent, agit comme un indicateur visuel de la position de l’ambitieuse Bertha Russell (Carrie Coon) dans sa quête pour impressionner les anciens grands, ou pour la façon dont l’indépendante Marian Brook (Louisa Jacobson) veut se tenir à l’écart de ses proches.
« J’ai l’impression que nous essayons de créer un nouveau vocabulaire pour représenter la période sans faire basculer l’équilibre, comme sans faire des choses trop modernes, en essayant de trouver des tissus [and] des modèles qui se sentent respectueux de la période », a déclaré Walicka-Maimone. « Néanmoins, [we’re creating designs] qui ont cette fraîcheur qui nous excitera en tant que public moderne. Alors je n’arrête pas de dire : « Nous ne faisons pas de documentaire. Nous faisons quelque chose qui honore la période et la célèbre.
Avec la licence de jaillir de ses inspirations et recherches d’époque, Walicka-Maimone parvient à organiser chaque personnage en fonction de sa relation à l’époque. Les robes d’Anges Van Rhijn (Christine Baranski) sont délibérément d’un style un peu plus ancien pour montrer qu’elle pourrait encore être coincée à son apogée, tandis que le style continental de Bertha, indéniablement pointu, ne s’aligne jamais complètement sur les robes des femmes qu’elle souhaite tant impressionner. Regarder les vêtements des personnages de « The Gilded Age » n’est pas simplement un plaisir dramatique d’époque. C’est le moyen de savoir qui gagne.
La conception de la production de « The Gilded Age »
Le concepteur de production Bob Shaw a méticuleusement étudié New York à la fin du 19e siècle afin de donner à la recréation de son cadre une base de précision solide comme le roc (peut-être même un fondement solide). « Avant la fin des années 1870, tout le monde utilisait la pierre brune. Edith Wharton a déclaré à un moment donné que toute la ville de New York avait été trempée dans du chocolat », a déclaré Shaw.
Mais à partir de là, lui et son équipe devaient construire, construire et construire. « [The entryway into the Russell House] « la grande salle » comme nous l’appelons, est certainement la plus grande », a déclaré Shaw. « Je pense que le lustre contient près de 10 000 cristaux. » Shaw n’a pas seulement dû créer à grande échelle, mais a dû créer des textures qui ont donné à son plafond de 30 pieds de haut une monumentalité majestueuse. « Je n’arrête pas de dire que si le marbrage scénique était une épreuve olympique, notre [scenic artists] auraient été les médaillés d’or. Si vous étiez resté immobile trop longtemps sur scène, vous auriez été marbellisé.
Les textures luxuriantes et les kilomètres de marbre devraient être le rêve d’un concepteur de production, et à bien des égards, c’était le cas pour Shaw. Le spectacle commence en plein milieu de la période de l’âge d’or qui a défini la fin du 19e siècle et redéfini l’apparence de New York – au moins pendant un petit moment. Mais il est vrai que vous pouvez avoir trop d’une bonne chose, et Shaw a découvert dans ses recherches que son véritable défi ne serait pas de créer suffisamment de détails somptueux ; ce serait les réduire. «Ils accrochaient des peintures comme quatre niveaux de haut. Et autant de détails que nous avons, ils avaient de plus en plus de statues », a déclaré Shaw. «Ils avaient plus de tout. Donc pour nous, il s’agit de communiquer le niveau d’excès, sans en faire une simple agression pour les yeux contemporains.
Shaw a créé des principes directeurs ancrés dans le caractère afin de concentrer ses efforts et de guider les yeux du spectateur à l’écran. Pour la famille Brook accrochée aux prétentions aristocratiques de l’Ancien Monde, Shaw a décidé d’adopter un style esthétique influencé par les goûts anglais. Dans leur tentative de se frayer un chemin dans la haute société, les Russell, en revanche, seraient attirés par des styles continentaux beaucoup plus ostentatoires, en particulier français. Les deux maisons sont remplies de détails qui témoignent d’attitudes et d’anxiétés que les personnages préféreraient ne pas exprimer. Lorsque nous ne regardons pas les sœurs Brooks ou les Russell, nous voyons ce que les murs peuvent nous dire à leur sujet.
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