Robert Plant et Alison Krauss renouvellent une collaboration qui devrait durer pour « Evermore » : la critique de concert la plus populaire doit être lue

Dans les annales de la musique populaire, y a-t-il jamais eu une confluence plus réussie de deux marques solo existantes que Robert Plant et Alison Krauss ? En règle générale, les duos commencent dans cette configuration, puis s’effondrent dans des affrontements d’ego; ce ne sont pas des choses qui commencent 20, 30, 40 ans dans des carrières respectives. La mode perdue depuis longtemps des supergroupes de style CSNY est une chose, mais les superduos ne sont jamais vraiment devenus une chose du tout, du moins dans ce même sens de jonction des titans. Apparemment, il y a une pénurie éternelle de superstars prêtes à se mettre dans une situation créative continue qui pourrait entraîner à tout moment le scénario le plus effrayant pour un créatif alpha : une égalité.

Pourtant ici, comme kismet, ce sont Plant et Krauss, l’exception à la règle. Et ici, comme Brigadoon, ils sont également destinés à apparaître tous les 14 ans environ, comme ils l’ont fait jeudi au Greek à Los Angeles, y apparaissant pour la première fois depuis qu’ils étaient Grammy Royals en 2008. Ce serait bien si tout le monde pourraient régler leurs alarmes pour la prochaine occasion bien avant 2036. Cette fois l’été prochain, disons, ce serait bien.) Mais parfois, c’est l’anomalie d’un rassemblement qui aide à faire de la magie. Ces deux-là se sentent nés pour être ensemble… occasionnellement. L’émission de jeudi s’est sentie comme à la maison et comme la comète de Halley.

Leur deuxième album en duo, « Raise the Roof » de l’automne dernier, ressemblait beaucoup à la suite tardive de « Raising Sand » de 2007, la collection qui leur a valu six Grammys, dont les deux plus hautes distinctions, album et disque du an. Le nouvel album n’a pas été en danger d’atteindre ces mêmes sommets de phénomène de culture pop, et personne ne s’y attendait, étant donné à quel point il était merveilleusement étrange qu’un disque aussi riche, subtil et particulier que le premier ait décollé comme il a fait, pour devenir le CD de table basse de son époque. Mais la magie ne s’était pas dissipée pour les fans du couple, qui adoraient que la suite ait de nouveau produit T Bone Burnett, ait été enregistrée avec principalement les mêmes joueurs dans les mêmes conditions spontanées, des gars qui, 14 ans plus tôt, semblaient être inventant leur propre nouveau langage musical, en utilisant des grains anciens. Les deux albums sont des collections de couvertures (à l’exception d’un single Burnett / Plant co-écrit sur le dernier, « High and Lonesome »). Et les deux semblent se dérouler au fond du hurlement, quelque part près d’un marécage et dans l’espace à la fois.

L’unité de tournée n’est pas tout à fait la même cette fois-ci, cependant, du moins dans sa direction, ce qui aurait pu amener quelques fans dispersés qui prêtent attention à ce genre de choses à se demander s’ils allaient obtenir quelque chose comme le Broadway- version itinérante de ce qu’ils ont obtenu il y a une décennie et demie. Burnett, qui n’aime pas les tournées, n’est pas à bord en tant que leader du groupe et guitariste cette fois-ci; pas plus que Buddy Miller, le soliste vedette des concerts de la fin des années 2000. Mais ce n’est pas dénigrer l’un ou l’autre de ces légendes méritantes de dire que la solution pour remplir ces chaussures cette fois fonctionne tout aussi bien, voire mieux. JD McPherson est le guitariste principal et fantastique première partie, et bien que ce soit une vraie pause pour lui, c’est aussi une aubaine pour le public, dont beaucoup obtiennent leur première exposition à l’un des meilleurs du rock ‘n’ roll américain.

McPherson aide vraiment à élever le toit, en parlant de ce dernier titre d’album, avec un style de solo qui est juste un peu moins redevable au trémolo maussade du marais – bien qu’il puisse le faire aussi – et plus à un virtuose mais super chargé affrontez les trucs ancrés dans le rockabilly / country / R&B qu’il a habilement mis à jour pour le 21e siècle depuis plusieurs albums maintenant. Il dynamise fortement plusieurs parties du spectacle sans jamais avoir l’air de vouloir le voler. Vous pouviez voir l’admiration de Plant et Krauss dans la façon dont, après avoir chanté généralement séparément, ils reculaient ensemble dans l’ombre pour le regarder comme de fiers parents.

Non pas que McPherson soit déjà devenu un enfant préféré, ou qu’il soit susceptible de le devenir, puisque Plant, au moins, a clairement indiqué dans ses présentations de groupe qui est au sommet de la hiérarchie. Jay Bellerose, une figure récurrente de l’écurie de musiciens de Burnett, a été présenté par l’ancien leader de Led Zeppelin comme « mon musicien préféré au monde », et ce n’est pas un grand mystère pourquoi quelqu’un qui a travaillé avec certains des plus grands guitaristes de tous les temps pourrait dire cela d’un batteur, si c’est celui-ci en particulier. Si quelqu’un peut jamais être décrit comme « sur le rythme et décalé », c’est bien Bellerose, qui recourt rarement aux baguettes tant qu’il y a des maillets ou des pinceaux en réserve, et qui joue rarement un rythme que vous pourriez ressentir avec une certitude à 100 %. ‘ai déjà entendu sur scène. C’est le linguiste clé qui donne l’impression que la musique de Plant et Krauss a découvert un dialecte inconnu.

En même temps, il ne fait rien pour éclipser certains vétérans assez célèbres de cet ensemble : Stuart Duncan, qui joue le deuxième violon, la deuxième guitare et le premier mandoline et dobro, et les deux (comptez-les) deux bassistes, Dennis Crouch ( « le roi de la contrebasse », a déclaré Plant) et Viktor Krauss, frère de la chanteuse, qui gère également les claviers extrêmement épargnés qui arrivent à peu près après coup.

Un deuxième violon signifie qu’il doit y avoir un premier, et il va sans dire que cela parle à Krauss, qui est apparu sur la scène bluegrass en tant que violoniste d’abord et chanteur en second, avant de devenir le chanteur américain de prédilection pour les ballades pop-country effrayantes et douces. Krauss n’a pas de crédits pour le violon sur beaucoup de chansons des deux albums qu’elle a fait avec Plant. Mais il est le chanteur principal sur une grande partie du matériel de la série – en particulier avec trois chansons de Zeppelin faisant partie de la set list – et elle a besoin de quelque chose à faire avec ses mains. Plant aussi, d’ailleurs, mais dans son cas, ce sont des maracas, et dans le sien, c’est un instrumentiste de classe mondiale apportant un peu plus de ce qui l’a amenée à la danse à ce couple dans le cadre d’un concert.

Avec Duncan, Krauss a formé une chaîne section pour ce qui a probablement compté comme le point culminant du spectacle pour beaucoup – une version du classique de Zeppelin « When the Levee Breaks » qui a réussi à interpoler intelligemment certaines des parties instrumentales d’une chanson distincte de Zeppelin, « Friends ». Il s’avère que Krauss est tout à fait capable de faire ressentir à son instrument autant le Moyen-Orient que le Moyen-Tennessien. Quiconque veut nommer «Levee» comme un moment de pointe ne peut être blâmé, mais le véritable point culminant, exerçant ici une prérogative éditoriale, était la couverture de Zep qui l’a immédiatement précédée, «The Battle of Evermore», dans laquelle il était La voix de Krauss apporte une contribution substantielle à un standard rock des années 70, sa ceinture donnant à la version enregistrée l’impression qu’il manque toujours quelque chose à l’avenir.

Il y avait aussi un troisième châtaignier Zeppelin – «Rock and Roll», placé beaucoup plus tôt dans le set en tant que cinquième chanson, peut-être pour assurer au public que Plant ne boycotterait pas leurs jeunes favoris. Contrairement à l’attitude peut-être étonnamment fidèle adoptée par les deux autres numéros de Zep plus mystiques, « Rock and Roll » a dévié pour être transformé en un pur country hoedown. Cela faisait peut-être longtemps que nous n’avions pas fait ça aussi.

Jouant des violons jumeaux les rares fois où ils l’ont fait, Krauss et Duncan ont créé une section de cordes à deux personnes si forte que vous avez presque senti que le groupe pourrait être en mesure de s’en tirer avec un « Kashmir » majestueux. Cela n’a pas été tenté. Rien non plus du catalogue solo / Union Station de Krauss, qu’elle semble n’avoir aucun intérêt à intégrer dans ces émissions conjointes. Cela, ajouté au fait que Plant porte le poids de parler au public, pourrait fomenter l’idée qu’il est le chef de cette meute, s’il y en a une. (Burnett, en parlant avec Variété pour un profil de Plant et Krauss l’année dernière, a insisté sur le fait que c’était vraiment plus proche d’elle.) La dynamique qu’ils ont définie pour leurs personnages de tournée communs, au moins, est devenue claire lorsque Plant a mentionné à quel point elle était plus bavarde en performance et a demandé: « Tu te souviens quand tu parlais? » « Non », fut sa réponse inévitable.

Sachant que l’une des principales directives de Plant est de ne pas trop se répéter, il est peu probable que nous les voyions soudainement adopter un circuit en plein air, encore et encore. Cette tournée offre donc une bonne occasion de savourer sans doute le rocker le plus digne de sa génération faisant ce qu’il fait, ce qui est bien sûr une performance beaucoup plus calme que ce qui se serait produit à l’époque du dieu doré. De temps en temps, il faisait un ad-lib aigu sur une chanson de Zeppelin qui faisait allusion à l’époque où lui et Janis Joplin se battaient pour le même registre supérieur. Mais cela fait des décennies qu’il a fait le choix judicieux de s’installer dans des octaves sub-falsetto qui lui serviraient bien à l’avenir – et qui sont de toute façon ses plus belles. Il a a fait le choix supplémentaire de s’associer à une soprano… mais il semble bien qu’il y ait un moment ou deux fugaces où vous remarquez qu’il a soudainement pris le haut du pavé dans leurs harmonies.

Leur 2022 a pris un chemin inhabituel, la partie orientale du pays étant le seul itinéraire qui a été annoncé au début, jetant Los Angeles, et al. dans la panique, avant que l’Occident n’obtienne ce qui lui arrivait après un intermède européen. LA représentait la troisième étape de la deuxième étape de leur tournée américaine, qui se terminera à New York au Beacon le 12 septembre. Une différence entre les première et deuxième moitiés de la tournée est que trois chansons ont été abandonnées en cours de route, prenant il est passé de 20 à 17. Il aurait été agréable de voir la version de l’émission qui se terminait de manière plus sentimentale, avec « Someone Was Watching Over Me » de Maria Muldaur (abandonné depuis) ​​comme numéro de rappel final.

Mais il est difficile d’imaginer que le spectacle se termine plus parfaitement qu’il ne le fait maintenant, même si – ou surtout parce qu’il se termine avec un tel sentiment de bonne humeur et même un peu d’esprit. L’ensemble principal s’est terminé avec une version rock de « Gone Gone Gone » des Everly Brothers, qui, à partir de son seul titre, ressemble à un fait accompli plus proche. Mais le choix de rappel ressemble à une réplique amusante: « Can’t Let Go », leur reprise de la reprise de Lucinda Williams d’un morceau de Randy Weeks. Ce serait de toute façon une sortie naturelle, en tant que chanson qui donne également au guitariste McPherson une dernière chance de piquer comme une abeille. Mais le titre aussi sciemment, et un peu effrontément, montre à quel point c’est un spectacle que le public ne veut vraiment pas lâcher. Espérons qu’ils ne le fassent pas non plus, peu importe si les absences de 14 ans rendent le cœur plus affectueux.