Il est juste de dire qu’Abbey Road Studios est l’installation d’enregistrement la plus documentée au monde, mais seulement si vous comptez le passage pour piétons à l’extérieur. Sinon, le manoir de neuf chambres transformé en studio n’a pas vraiment eu sa journée au soleil cinématographique, comme l’ont fait des studios plus modestes comme Sound City de Los Angeles et Muscle Shoals d’Alabama. Compenser cela avec un traitement de film rempli de A-lister est « Si ces murs pouvaient chanter », le premier long métrage documentaire de Mary McCartney, qui a un enfer d’un Rolodex partagé sur lequel s’appuyer pour rassembler le rock ‘n de première main ‘roulez les anecdotes que vous attendez et que vous voulez dans un film comme celui-ci. Elle est également assez avertie pour savoir que le gars qui travaille à l’arrière pour recoller des microphones irremplaçables du milieu du siècle mérite également quelques secondes de temps d’écran.
McCartney commence son film en montrant une photo de bébé d’elle-même au studio, « prise par ma mère, qui était photographe, et dans un groupe avec mon père ». C’est un signal timide pour Paul McCartney de l’emporter avec le souvenir partagé de la famille apportant son poney – nommé Jet ! – au studio à l’époque où ils faisaient « Band on the Run » au début des années 70. C’est une ouverture irrésistiblement mignonne, même si vous espérez qu’il n’y aura pas beaucoup plus de moments de films familiaux.
Il n’y en a pas. Mis à part quelques fragments de narration éphémères et une ou deux questions entendues par hasard, elle disparaît pratiquement du film et garantit également que certaines superstars qui ne lui ont jamais acheté de cheval obtiennent un temps de course égal, de Pink Floyd (« Dark Side of the Moon » représente à lui seul une bonne partie du film) à feu Fela Kuti. Vous savez que le doc va rester sur une bonne piste même lorsque le jeune McCartney consacre un segment très tôt à Jacqueline du Pre, une violoncelliste qui était une superstar du crossover de la musique classique parmi les quartiers les moins swing de Londres et du Royaume-Uni au milieu -1960 – mise en place de la façon dont Abbey Road pourrait être la plus renommée au 21e siècle, moins pour sa production rock que comme scène de partition orchestrale pour John Williams et d’autres grands compositeurs.
C’est Williams, qui y dirigea pour la première fois « Les aventuriers de l’arche perdue » et ne semble pas l’avoir beaucoup laissé derrière lui depuis, qui tente le mieux de décrire les qualités réelles de ce qui rend Abbey Road unique en tant que studio, par opposition à un talisman magique. Parlant de ce qui semble être une énorme salle là-bas qui est principalement utilisée pour marquer, il dit qu’elle aurait pu être plus grande : « Cela semblait trop petit. C’est un peu une boîte à chaussures », souligne le maestro. « Alors que les anciennes scènes de tournage, comme celles que nous avions à Hollywood, ont un volume énorme, c’est donc un très long écho et une belle floraison, ce qui peut nuire à l’articulation et aux instruments spécifiques. Abbey Road semblait parfaite… pas trop réverbérante et pas si sèche qu’elle n’ait pas une belle floraison.
Mais Disney Documentaries n’a pas choisi ce film parce que Williams figure en bonne place, mais parce qu’ils se sont plutôt bien débrouillés ces derniers temps dans le secteur des Beatles. « If These Walls Could Sing » a une quantité décente de moments fabuleux amusants pour satisfaire cette envie (comme Ringo Starr jaillissant de manière inattendue sur « Yer Blues » de l’album blanc, qu’ils sont finalement allés dans un placard de stockage pour enregistrer). Le père de Mary remarque le piano au son ancien que les Beatles ont emprunté au milieu des années 60 à l’acte de nouveauté Mrs. Mills, et s’assoit pour jouer « Lady Madonna » dessus. Le cinéaste fait également appel à un autre témoin expert, le fils de George Martin, Giles Martin, pour offrir certaines des réflexions les plus bien articulées sur le groupe et le studio, connaissant un bon scion quand elle en voit un.
Le studio est-il « spirituel » ? Nile Rodgers pooh-poohs cette idée – « Cette chose magique existe chez les artistes, mais les artistes sont superstitieux » – avant de permettre que les producteurs et les artistes puissent vraiment se connecter plus rapidement dans un studio vénéré parce qu’ils ont la crainte partagée d’être juste là. Dans une interview audio uniquement, la star renaissante Kate Bush parle de la réticence historique du studio à repeindre, de peur que la moindre altération n’affecte le son (bien que les choses aient pu être crachées depuis qu’elle était là-bas). Giles Martin dit : « Je pense que c’est un peu comme si vous n’étiez jamais censé nettoyer une théière. Vous êtes censé laisser les résidus du thé car alors le thé infuse.
Pour l’essentiel, le film tend à être une collection de mini-essais sur des expériences d’enregistrement individuelles, ce qui est probablement comme il se doit. Jimmy Page, qui était guitariste de session lors de la session de chanson thème « Goldfinger » de 1964, décrit comment Shirley Bassey a allongé cette dernière note jusqu’à ce qu’elle s’effondre. Cela pourrait compter comme un moment fort du film s’il n’était pas remplacé par un extrait de film vintage du milieu des années 60 d’un adolescent Page interviewé par ITV sur ses expériences dans ce qui s’appelait alors encore le studio EMI, dans lequel il dit avoir rencontré ses héros en tant que joueur de session là-bas ont été «décevants» – et il le dit d’une voix grinçante qui ne semble pas encore affectée par la puberté.