Compte tenu de la nature libre et avant-gardiste du travail d’animation de Masaaki Yuasa, il est amusant que son dernier film, Inu-Oh, commence par regarder en arrière. Le co-fondateur du studio Science Saru et directeur de Gardez vos mains loin d’Eizouken ! et Surfez sur votre vague traverse plusieurs siècles dans la première minute de Inu-Oh, commençant à l’époque moderne et rembobinant des centaines d’années en un seul endroit, avec des bâtiments qui se défont sous les yeux des spectateurs. Cette déconstruction et cette reconstruction rapides de l’histoire ne sont qu’un avant-goût de ce qui s’en vient : le film contient beaucoup de choses dans un temps d’exécution compact. Explorant une fausse histoire cachée de l’art et de l’autoritarisme, Inu-Oh est une exploration passionnante, voire mélancolique, de l’endroit où ces deux éléments se chevauchent et s’affrontent. C’est un opéra rock psychédélique et pompeux, mais au milieu de toute cette énergie, Yuasa se demande quelles histoires ont été perdues alors que les éléments les plus contrôlants de la société tentent de contrôler la façon dont l’art est créé et distribué.
Yuasa a déjà fait des séquences musicales : une hallucination psychosexuelle dans Jeu psychologiqueune longue farce théâtrale dans La nuit est courte, marche sur la filleretour sur un être cher perdu dans Surfez sur votre vague. Mais si les traces de ces projets passés se font sentir partout Inu-Ohil semble toujours frais et inventif car il concentre les bizarreries du réalisateur dans une histoire révisionniste électrisante à la fois joyeuse et tragique.
D’après un roman de Hideo Furukawa (dont la traduction moderne de l’épopée japonaise Heike Monogatari a servi de base à la superbe adaptation d’anime de Naoko Yamada, également avec Science Saru), le film se déroule dans le Japon du XIVe siècle à l’époque de Muromachi, à la suite de la guerre dévastatrice de Genpei de 1180-1185. Alors que le clan Ashikaga travaille impitoyablement pour assurer son pouvoir, il enterre discrètement le clan Heike en contrôlant son histoire et en censurant les histoires à son sujet.
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Lors d’une plongée commandée en mer pour le trésor de Heike, le jeune Tomona, l’un des deux protagonistes du film, trouve un artefact qui réagit violemment à leur présence. Tomona perd son père et sa vue dans ce qui suit, et peu de temps après, il perd également sa mère de chagrin. Tomona entreprend un voyage solitaire en tant que prêtre biwa, préservant les histoires des Heike à travers le chant. Il rencontre bientôt le paria Inu-Oh (qui se traduit par « Dog King » – qu’il a vu pour la première fois manger avec des chiens), un enfant né avec une malédiction d’origine inconnue, qui est évité pour son apparence physique. Inu-Oh garde son visage caché derrière un masque de calebasse. Inspiré par de vagues légendes autour d’un véritable interprète de Noh de ce nom, le film développe des informations rares et imagine Inu-Oh comme un paria social dont les véritables réalisations ont été rayées des archives historiques.
La première rencontre entre les deux hommes semble immédiatement significative en raison de la façon dont Yuasa utilise la perspective subjective. Avant que Tomona et Inu-Oh ne se rencontrent, leurs points de vue sont intégrés dans leurs caméras contrastées. L’œil d’Inu-Oh se caractérise par une sorte de caméra en trou de serrure qui parcourt les rues et les toits, à la grande horreur des spectateurs. C’est une performance parodique de la monstruosité, alors qu’il se réconcilie avec son ostracisme en se penchant sur un comportement aliénant. Tomona est plus sereine. Son adaptation à la perte de la vue est représentée par de larges coups de pinceau huileux. Les sons et la sensation de la pluie et du chant des prêtres biwa apparaissent comme des impressions vagues et silhouettées à travers les sens de Tomona, alors que Yuasa trouve une musicalité mineure dans les activités quotidiennes, en accordant une attention particulière aux minuties de la vie des gens.
C’est un premier témoignage de la force de la narration visuelle en jeu, même au milieu de l’euphorie de la musique du film. Et puis nous voyons l’exaltation des deux transmettant leur point de vue à d’autres personnes, utilisant leur art pour décrire leur façon de voir le monde. Ils apprennent les uns des autres – Tomona adopte une partie de l’esprit sauvage d’Inu-Oh, tandis qu’Inu-Oh capte la sensibilité de Tomona. Les prêtres biwa itinérants de l’époque interprétaient généralement des histoires sur les Heike, mais ensemble, les deux réinventent et revigorent cette tendance. Une fois qu’ils rencontrent les esprits du défunt Heike, ils trouvent de nouvelles histoires à raconter.
Ils trouvent leur raison d’être en chantant et en interprétant les histoires des membres du clan avec un nouveau style électrique, et le film bascule rapidement vers sa délicieuse prémisse : et si la Beatlemania s’était produite il y a 600 ans ? Yuasa et le scénariste Akiko Nogi imaginent deux réponses démesurées à la popularité d’Inu-Oh et de Tomona : le public se déchaîne et les autorités deviennent méfiantes, craignant la subversivité, surtout lorsque la musique commence à répandre l’histoire que le gouvernement a consciemment réprimée. Mais pour toute sa gestion du poids de l’histoire, Inu-Oh se délecte également de la libération de la performance pure.
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En tant que réalisateur, Yuasa est surtout connu pour la flexibilité palpitante de ses personnages et pour la façon dont il recherche le même genre de liberté exaltée qu’Inu-Oh et Tomona explorent. Dans Inu-OhYuasa et Nogi libèrent également le divertissement traditionnel japonais des attentes de la tradition. Inu-Oh associe le théâtre nô à une expérience plus contemporaine de la culture pop. Inu-Oh chante dans des notes aiguës perçantes (fournies par Avu-chan du groupe Queen Bee) et Tomona le complète avec une voix tout aussi féroce et grungy (de l’acteur Mirai Moriyama). Les sons des guitares électriques remplacent les instruments traditionnels, et les deux hommes salent leurs performances scéniques avec un sens du spectacle à la Freddie Mercury: une chanson bouge au rythme de «We Will Rock You», tandis qu’une autre, nommée «Dragon Commander», émule le quickfire paroles et harmonies d’opéra empruntées à « Bohemian Rhapsody ».
Au lieu de drames de danse classiques, les séquences musicales du film ressemblent à des concerts contemporains, avec des spectacles de lumière, la participation de la foule et même des gardes de sécurité vêtus de noir. Au-delà des pistes vocales, le reste de la partition conserve ce caractère ludique, car l’instrumentiste et tourne-disque Yoshihide Otomo injecte des tonalités électroniques dans un environnement féodal.
Alors que le film transforme le drame historique en théâtre musical, Inu-Oh et Tomona se transforment en rock stars du théâtre nô. Tomona déchire son biwa derrière son dos ou avec ses dents comme Jimi Hendrix, ou tourne comme Elvis tout en portant des vêtements de prêtre biwa modifiés pour ressembler aux jambes évasées et au col en V profond de la combinaison emblématique en strass du roi. Plus tard, il impressionne les foules et confond les gouverneurs grâce à son sens de la mode androgyne. La représentation des réponses de la foule est tout aussi anachronique, car les paysans font du breakdance et même dansent à travers un Train des âmes ligne. Pendant ce temps, là où l’apparence d’Inu-Oh était autrefois méprisée et redoutée, son statut d’artiste rend ces mêmes qualités vénérées et mythifiées. Et tandis que leur musique apaise les esprits Heike agités avec lesquels ils communiquent, le corps d’Inu-Oh change également.
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Alors que Yuasa se délecte de la physicalité atypique d’Inu-Oh, des mouvements de danse impossibles et de la voix angélique, il devient également tellement impliqué dans la logistique technique et le travail des effets des concerts que la mécanique semble tout à fait réelle. Il incite le public à rechercher la magie, comme s’il regardait un véritable numéro de scène. C’est un effet illusoire vraiment étonnant qui donne au film ce petit plus d’immersion. C’est juste une façon dont Inu-Oh montre un vif intérêt pour les différentes textures et façons de voir à travers l’histoire, représentées dans son incorporation de peintures classiques, et même l’apparence patchwork du titre à l’écran du film, qui reproduit les tissus bricolés des vêtements de fortune minables d’Inu-Oh .
Yuasa assemble le film à travers des médias mixtes, explorant des espaces avec une animation 3D CG ou des images plus tactiles et picturales. Les actes de scène ne sont pas le seul objectif du film – il y a des intermèdes d’horreur de type slasher alors qu’une figure mystérieuse traque et tue des prêtres biwa errants, et même une expérience hors du corps qui aura des souvenirs. 2001 : L’odyssée de l’espace.
Il rime aussi à certains moments avec celui de Yuasa Devilman pleurnicharddans la relation intime d’Inu-Oh et Tomona et la performance de genre fluide, qui est repoussée pour correspondre Devilman pleurnichardl’exploration de la xénophobie. Mais plutôt que les apparences excentriques et surnaturelles de Homme diabolique‘s Akira et Ryo, tels que conçus par Taiyo Matsumoto (toujours en synergie avec les sensibilités de Yuasa, de leur collaboration passée sur Ping-pong : l’animation) Inu-OhLes personnages de se sentent à la fois fortement stylisés et robustement humains. La stylisation se concentre sur la beauté, alors que la caméra admire Tomona – maintenant Tomoari – et la forme souple et musclée et les girations provocantes qui font de lui un sex-symbol pour les foules braillantes.
Les deux musiciens sont aussi les témoins d’une histoire cachée, et il y a quelque chose d’élégiaque à Inu-Oh comme il raconte les histoires des morts. Bien que Yuasa oppose l’art à un gouvernement oppressif, le film n’est pas naïf quant aux limites supérieures d’un tel franc-parler. Le refoulement conservateur provoqué par leur subversivité ressemble à une fatalité. C’est à la fois un post-scriptum tragique à la fin du règne de Heike et peut-être une réflexion de Yuasa sur l’impact que son travail laisserait derrière lui, probablement une pensée persistante pour tout artiste. Son film termine son récit avec des visions de prêtres et de conteurs tués, des branches de l’histoire durement coupées par des gens qui veulent remodeler le produit final. Mais il y a une lueur d’optimisme à Inu-Oh quoi qu’il en soit, dans l’acte d’artistes vivant pour eux-mêmes, dans l’immortalité de créer des œuvres qui durent, des histoires qui grandissent au-delà de leurs créateurs et au-delà du contrôle oppressif de quiconque.
Inu-Oh ouvre dans les salles américaines le 12 août.