Kinds of Kindness sort en salles le 21 juin. Cette critique est basée sur une projection au Festival de Cannes.
Après des détours grandioses comme Pauvres choses et Le favori, Yorgos Lanthimos revient à son meilleur, sombre et acerbe, avec Kinds of Kindness. Triptyque d’histoires thématiquement liées (mais totalement distinctes) dirigées par Emma Stone et Jesse Plemons, le film est imprégné de la méchanceté acérée du réalisateur. Dent de chien jours et illustre l’absurdisme violent qui a lancé Lanthimos et la « vague bizarre grecque » en premier lieu. Compte tenu du succès du réalisateur à Hollywood, Kinds of Kindness ressemble à un tour de passe-passe vicieux. Le dernier film de Lanthimos est à l’opposé des comédies noires époustouflantes qui ont fait de lui un aimant pour les nominations aux Oscars : une série crasseuse et sanglante de satires sèches et violentes sur l’amour, l’obsession et le contrôle. C’est l’un des films de studio américains les plus délicieusement méchants depuis un certain temps.
Dans la première histoire, Plemons incarne Robert, un drone de bureau assidu, un homme dont la routine est dictée et contrôlée – jusqu’à ses repas et ses activités sexuelles – par son patron Raymond (Willem Dafoe). Les cadeaux étranges de Raymond cèdent la place à des demandes encore plus étranges, qui sont susceptibles de blesser Robert et de tuer d’autres personnes, mais le dévouement à la limite du romantisme de Robert envers son patron paternaliste crée un dilemme moral tortueux.
Avec des rôles mineurs peuplés de gros frappeurs comme Stone, Joe Alwyn, Hong Chau et Margaret Qualley, ce conte de fées tordu d’attentes masculines remonte de plusieurs années l’approche tonale de Lanthimos, tout en propulsant son style visuel vers l’avant. Cela fait écho Le meurtre d’un cerf sacré non seulement dans la prémisse, mais aussi dans le style de performance, Plemons atténuant tout sentiment d’éclat ou de nuance. Son discours guindé et renfermé oblige l’acteur à jouer uniquement l’objectif d’une scène donnée, renforçant le désespoir de Robert de plaire. Ces fioritures typiques de Lanthimos sont emballées dans un tout nouvel emballage gracieuseté du directeur de la photographie Robbie Ryan, qui filme la Nouvelle-Orléans de la même manière que Paul Thomas Anderson capture Los Angeles dans Punch-Drunk Love et Licorice Pizza : comme un lieu de nuits inconfortablement moites, aux contrastes cuisants. les couleurs et les reflets des lampadaires qui bombardent les sens.
La dissonance entre cette vibration visuelle et l’attitude froide et calculatrice des personnages est particulièrement présente dans la deuxième histoire, dans laquelle Plemons incarne le policier Daniel, dont la femme Liz (Stone) a disparu en mer et qui voit son visage dans le petit criminels qu’il arrête. La misère du chiot attachant de Plemons se perpétue également dans la première fable, mais lorsque Liz est finalement sauvée, l’incapacité de Daniel à concilier son retour le conduit sur la voie bizarre consistant à exiger des tests de loyauté sous la forme d’automutilation. (La « gentillesse » dans le titre du film – renommé à partir du « Et » peu convivial pour le référencement – rappelle les actes tordus de dévotion ou de « gentillesse » dans le film dirigé par Rebeca Hall. Résurrection).
La métaphore ici est totalement grotesque – il s’agit d’une histoire sur la façon dont les gens sont transformés par des circonstances difficiles et comment ces changements provoquent des fissures dans les relations – conduisant à un nihilisme parfois répétitif. Mais les tournures que cela prend sont tout à fait inattendues, ne serait-ce qu’en raison de la façon dont elles se révèlent viscéralement grimaçantes. Pendant ce temps, la partition décalée de Jerskin Fendrix tout au long des trois histoires, comprenant des notes de piano dures et désaccordées et des vocalisations monosyllabiques tonitruantes, rend même les virages les plus fous du film hypnotiques.
Chaque piste de ces histoires est motivée par une sorte d’obsession : la troisième et la plus longue partie de Kinds of Kindness voit Stone jouer une femme qui a laissé derrière elle ses engagements familiaux pour poursuivre une mission religieuse macabre. Parfois, des rêves ou des visions en noir et blanc soulignent à quel point les désirs des personnages sont psychologiquement enracinés. L’absurdité vertigineuse de chaque conte constitue également une immense vitrine d’acteur pour toutes les personnes impliquées. Ils proclament leur dévotion avec une telle audace que cela ressemble à une farce parfaitement exécutée, et Lanthimos évoque parfois des compositions saisissantes de nudité douce et non sexuelle (y compris la nudité trans) qui semblent être le produit d’une immense confiance collaborative. Un film qui marche sur une si belle corde raide tonale ne devrait pas bénéficier de tels gestes vers le quatrième mur, mais ce clin d’œil métatextuel nous laisse également entrevoir la plaisanterie globale.
De telles bizarreries ne sont pas de simples détails de fond dans les films de Lanthimos : elles définissent des caractéristiques. Le drame émerge et s’approfondit à mesure qu’il tourne lentement le cadran marqué « idiosyncrasie » jusqu’à 11, conduisant lentement ses personnages au bord de la folie tout en les gardant constamment attachés à un sentiment de remords. Il s’amuse également beaucoup en le faisant, produisant un film à la limite du misanthrope jusqu’à l’humour de potence, et dirigé par un casting tout simplement plein à craquer pour atteindre l’inévitable crescendo émotionnel de chaque histoire. Ils semblent s’être bien amusés en jouant dans le bac à sable de Lanthimos pendant 2 heures et 45 minutes, dégageant des vibrations maudites qui raviront à coup sûr tout membre du public prêt et disposé.