Rebel Moon Part Two: The Scargiver est maintenant diffusé sur Netflix
Le créateur de Rebel Moon, Zach Snyder, avait salué la première partie : A Child of Fire comme une nouvelle aube passionnante pour l’arène de la science-fiction à succès. Il se vantait d’une histoire en deux parties qui lancerait une exploration à l’écran élargie d’une galaxie animée gouvernée par un régime militariste avec un groupe hétéroclite de guerriers, de parias et de combattants de la résistance luttant pour la démanteler. Mais après deux heures et 15 minutes dans la version redressée de Snyder de l’univers Star Wars, la première partie s’est avérée un film d’action insatisfaisant et à moitié cuit, bricolé à partir d’éléments de genre beaucoup plus inspirés. Sans surprise, le chapitre final de Rebel Moon Part Two: The Scargiver (qui est arrivé quatre mois plus tard) n’offre qu’une légère amélioration, grâce à son histoire plus simple et à une bataille climatique beaucoup plus attrayante, mais à deux heures supplémentaires des mêmes personnages et de l’intrigue superficielles.
Sortant à peine des lignes de son inspiration, l’intrigue de The Scargiver se déroule comme Seven Samurai/The Magnificent Seven rencontre Return of the Jedi, avec l’équipage de guerriers retournant sur la lune de Veldt pour protéger les villageois de l’armée de l’Imperium qui cherche toujours à voler leur grain spatial. Ils ont un compte à rebours jusqu’à ce qu’un dreadnought Imperium arrive dans leur atmosphère, et étant donné cette pression temporelle, il est particulièrement absurde que Snyder passe un temps gratuit à montrer les villageois et les guerriers récoltant la terre. Il y a tellement de récoltes, de battages, de vannages et de reflets au ralenti qu’on s’attend à moitié à ce que la voix off du chevalier mécanique d’Anthony Hopkins, James, vienne avec une citation inspirée de Lao Tseu disant : « Donnez à un homme un sac de céréales. et vous le nourrissez pendant un jour. Apprenez-lui à récolter et vous le nourrissez toute sa vie. Soit dit en passant, le gadget du robot devenu natif de James est complètement déroutant et n’apporte que peu de valeur à l’histoire, à l’exception d’une entrée tardive de l’équipe dans la mêlée.
Si ces premières scènes semblent remplies, c’est parce que leur abondance de flashbacks est une tentative léthargique de fournir une trame de fond et un aperçu des personnages qui gêne le rythme et approfondit rarement les relations. Prenez une première décharge d’exposition post-coïtale de Kora (Sofia Boutella). Alors qu’elle repose dans les bras de son amant fermier Gunnar (Michiel Huisman), elle révèle le rôle qu’elle a joué lors de l’assassinat de la famille royale. C’est quelque peu hilarant d’entendre un quatuor à cordes jouer furieusement pendant qu’un meurtre brutal a lieu à l’écran, mais c’est une scène par ailleurs prévisible qui s’appuie sur une voix off pour nous parler d’une menace qui pèse sur la machine de guerre de l’Imperium plutôt que de la transmettre à travers un dialogue naturel entre les personnages. personnages. Il y a aussi une ligne d’oeil au ciel lancée contre Kora par son père adoptif, la qualifiant de « cancer d’impureté ethnique » en raison de son teint plus foncé. Nous sommes en 2024 et les écrivains copient et collent encore paresseusement les préjugés raciaux contemporains sur des personnages de science-fiction vivant dans une galaxie diversifiée d’espèces et d’extraterrestres se déroulant des milliers d’années dans le futur, sans aucune imagination. Quelque part, Carl Sagan se roule dans sa tombe.
Une sensation similaire sur le nez se produit lors d’une séance de thérapie de groupe artificielle initiée par l’ancien général de l’Imperium Titus (Djimon Honsou). Telle une réunion des Warriors Anonymes, chaque combattant confirme que sa vie et/ou son monde natal ont été ruinés par la conquête barbare du Monde Mère dans une série de monologues. Au crédit de Honsou et Doona Bae, leur capacité à insuffler de la profondeur et de l’émotivité dans leurs performances élève légèrement la narration maladroite.
Ces monologues de flashback nous emmènent également sur la planète steampunk-industrielle de Conan le noble barbare Tarak (Staz Nair), ce qui constitue une divergence bienvenue par rapport aux paysages typiques d’inspiration ethnique que nous avons vus jusqu’à présent, mais ces scènes posent des questions frustrantes. quant à la raison pour laquelle certains détails du personnage n’ont pas été évoqués ou intégrés dans l’histoire qui se déroule dans le présent. Le fait qu’il y ait une soif de sang ancestrale ancrée dans les mains cyborg du maître d’épée de Bae, Nemesis, semble être un élément assez noueux qui aurait pu rendre sa guerrière plus intrigante et multidimensionnelle qu’elle ne l’est alors qu’elle suit le voyage éculé d’une mère en deuil qui commence. et se termine avec les enfants.
Tout comme il l’était dans Child of Fire, l’amiral Atticus Noble de Dark Vador d’Ed Skrein est l’élément le plus observable de The Scargiver. Il apporte une menace campagnarde aux débats, même si son retour d’entre les morts à l’image du Christ est assez risible. Ce que les tubes lumineux de type Matrix attachés à son corps sont censés faire pour restaurer son corps après sa chute est une énigme ; c’est aussi absurde que le surnom de « Scargiver » de Kora, en fait. Bien que ce soit le titre de cette suite, aucune explication n’est proposée.
Au moins cette fois, nous obtenons une fin avec une confrontation plus excitante entre Skrein et Boutella sur le dreadnought, franchissant facilement la barre basse fixée par les scènes de bataille sans enthousiasme sur le terrain. Une grande partie de la lutte angoissante se déroule avec les personnages en chute libre sur fond chromatique enflammé de machines macabres, chaque star d’action faisant en sorte que chaque coup compte. Il existe quelques vignettes de combat attrayantes – Titus menant les rebelles à travers un pont de pierre avec des faisceaux laser passant au ralenti pourrait être une affiche – mais la plupart des droïdes, véhicules et navires de l’Imperium ont une qualité granuleuse et bidimensionnelle. La construction esthétique du monde aurait bénéficié d’idées plus dynamiques et originales que de simplement riffer sur des visuels bien usés dans le canon de la science-fiction.