Les séries animées sont plus populaires qu’elles ne l’ont jamais été. Autrefois considérée comme une forme de divertissement principalement destinée aux enfants, l’animation est depuis devenue un élément essentiel de l’industrie du contenu télévisuel et en streaming. Alors que la prolifération du contenu animé au cours des dernières années est en grande partie due à la montée en puissance des services de streaming capables de fournir plus de contenu de niche à un public plus large, de nombreux artistes de la communauté de l’animation ont exprimé des inquiétudes concernant les échappatoires budgétaires et les délais serrés imposés. par les fournisseurs de contenu.
Faisant boule de neige dans un mouvement de médias sociaux plus large pour sensibiliser aux préoccupations de la communauté de l’animation, # NewDeal4Animation éclaire certains des rouages internes complexes qui ont affecté et continuent d’affecter les émissions d’animation préférées des fans.
Comme toutes les émissions de télévision et de streaming, les séries animées sont segmentées en saisons d’épisodes pour des commandes de production et une éventuelle diffusion sur des plateformes ou des chaînes. Habituellement, les travailleurs de l’animation reçoivent des augmentations de salaire pour les séries renouvelées pour plusieurs saisons; cela sert de moyen de garder des talents de qualité sur des projets et de tirer parti des créateurs derrière des projets pour lesquels les fans ont un appétit. Cependant, la façon dont les contrats de production sont négociés pour les services de streaming peut parfois engendrer un grand nombre d’épisodes qui sont produits en même temps et artificiellement découpés en différentes « saisons » par le service. C’est devenu une tendance courante pour de nombreuses séries de streaming, même si elles sont impopulaires auprès des travailleurs de l’animation eux-mêmes.
Selon un membre de l’Animation Guild qui a été contacté pour une explication pour les fans : « Les entreprises produisant du contenu sous les conditions des nouveaux médias sont autorisées à payer des salaires et des avantages inférieurs aux personnes qui font les émissions, plus pendant les premières saisons que les saisons suivantes. Lorsque les entreprises commandent une saison d’un certain nombre d’épisodes, elles bénéficient des tarifs réduits pour toute cette saison, mais ce que nous constatons de plus en plus, c’est que les sociétés de streaming divisent ensuite cette première saison en différentes saisons pour les consommateurs. Ils réalisent autant de bénéfices que possible en commercialisant de plus petits « drops » ou « chapitres » aux personnes qui regardent le contenu, et ils bénéficient toujours des remises de la « première saison ».
Étant donné que les conditions de négociation pour les « nouveaux médias » (c’est-à-dire le streaming) ont été négociées entre les studios et The Animation Guild en 2009, il peut être difficile de les faire refléter avec précision la croissance explosive du marché du contenu en streaming au cours de la dernière décennie. Les termes de négociation organisés pour la première fois lorsque le streaming était une sorte de bizarrerie sont encore utilisés dans un paysage où il est devenu, pour de nombreux employés, la norme dont dépendent leurs moyens de subsistance.
Ce problème a été révélé à de nombreux fans de la communauté de l’animation suite à l’annonce d’une « deuxième saison » du récent dessin animé populaire de Netflix, Le spectacle Cuphead! Plus tôt ce mois-ci, un compte Twitter Netflix a annoncé le renouvellement de l’émission, bien que le personnel et les artistes familiers avec le projet aient souligné à contrecœur que ce « renouvellement » allait en fait être la partie restante de la commande initiale des épisodes. Des expériences similaires peuvent également être courantes avec des productions réalisées pour d’autres services de streaming ; les fans et les créateurs ont pris note des problèmes de contrat concernant la populaire série HBO Max Train infini. « Chaque saison de Train infini faisait partie de notre contrat « saison 1″, y compris les non-produits [fifth season] scénario, » a noté un écrivain de la production du spectacle. Bien que le public ne voit que le contenu devant lui, cette « faille » marketing affecte directement les conditions et, en fin de compte, le temps dont dispose le personnel pour s’investir au mieux dans un projet.
En plus des complexités entourant les commandes de saison, un autre point central du discours récent de l’industrie de l’animation met en évidence les difficultés rencontrées par les artistes de storyboard sur les séries télévisées d’animation. Communs à toutes les productions télévisuelles et cinématographiques et une nécessité absolue pour l’animation, les artistes du storyboard jouent un rôle essentiel dans l’élaboration de documents concis et clairs sur l’apparence et la sensation d’une scène avant d’être envoyée pour une production complète. Les artistes du storyboard ont été une partie essentielle du processus d’animation depuis ses débuts en produisant des courts métrages théâtraux avant les longs métrages, bien que ces dernières années, les productions télévisées aient dérivé vers l’assimilation de plusieurs postes de personnel distincts en une charge de travail massive pour le seul travail d’artiste du storyboard.
« C’est devenu une pratique courante de demander à un travailleur d’effectuer ce qui aurait été trois ou quatre emplois différents il y a à peine dix ans », a commenté le membre de l’Animation Guild. « Mais ce n’est pas normal – c’est complètement insoutenable. Les changements technologiques ont permis aux travailleurs de l’animation de répondre à des tâches de plus en plus ambitieuses avec des résultats époustouflants, mais en fin de compte, les travailleurs eux-mêmes doivent encore apprendre, comprendre, innover avec – et parfois lutter – avec des logiciels pour produire un produit fini ; cela prend du temps.
En plus de #NewDeal4Animation, les artistes et les fans ont lancé le tag #StoryCraftUnite pour souligner spécifiquement le travail intense et les « nombreux chapeaux » exigés des artistes du storyboard. Les storyboarders de l’étiquette ont partagé plusieurs histoires sur les délais difficiles et les multiples rôles qu’ils sont censés porter, et un bras renforcé est devenu le logo impromptu de l’étiquette, signalant les artistes qui ont dû porter des attelles de bras tout en travaillant pour prévenir les crampes et la douleur du long temps passé à travailler. Tout était sur la table dans les histoires de ces travailleurs, des nuits blanches à l’inconfort physique et à l’anxiété. Les cartes de bingo-mauvaise expérience fleurissent.
Pour les fans, l’écart entre l’écran de télévision et le personnel de l’émission derrière lui peut sembler énorme. À bien des égards, les spécificités de l’octroi de temps et de salaire supplémentaires aux travailleurs de l’animation se résument à des négociations entre les travailleurs et les entreprises qui se sentent hors du contrôle du consommateur moyen. Cependant, être simplement plus conscient de ces problèmes et de la façon dont ils affectent le marketing est la plus grande étape. Si les balises #NewDeal4Animation et #StoryCraftUnite sont quelque chose à dire, le talent de l’industrie est très, très favorable à ce que ces problèmes soient mieux compris par les fans.
L’essentiel est qu’à mesure que l’animation numérique adopte de nouveaux pipelines de production et que le streaming occupe de plus en plus la production de l’industrie, il est important que les consommateurs sachent comment leur contenu leur est présenté. Plus de temps de production et de clarté marketing, tout simplement, conduit à un meilleur contenu de la part du personnel et à une plus grande appréciation du consommateur.
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