Don’t Worry Darling sortira en salles le 23 septembre 2022.
Ne t’inquiète pas chérie veut être Sortez pour les femmes blanches, un concept étrange même s’il ne s’est pas rapproché de « féministe blanche Avant-guerre.” De la réalisatrice Olivia Wilde et de la scénariste Katie Silberman, c’est l’histoire d’un jeune couple, Alice (Florence Pugh) et Jack (Harry Styles), qui vivent dans une ville de compagnie immaculée des années 1950, dont Alice se méfie lentement. Les événements étranges qui l’entourent sont complétés par des designs accrocheurs et une musique inventive, et sont animés par des performances louables. Cependant, la façon dont ces éléments sont assemblés laisse beaucoup à désirer, au milieu de la poursuite du film d’un littéralisme sans dimension sur les femmes dans la société américaine. Il définit une barre basse pour commencer avant de ne pas l’effacer.
Lorsque l’histoire s’ouvre, ses personnages semblent satisfaits. Alice et Jack – sans enfant par choix – boivent, se réjouissent et jouent à des jeux de société avec leurs invités, Bunny (Wilde) et Bill (Nick Kroll), qui ont deux enfants, et Peg (Kate Berlant) et Peter (Asif Ali), qui attendent leur premier. Ni les noms de couple allitératifs ni la dynamique respective des parents ne jouent un rôle significatif, mais la fluidité de cette scène d’ouverture est un précurseur de la rigidité du lendemain matin, et chaque matin après cela, lorsque les femmes se tiennent sur leurs allées, souriant comme elles regardent leurs hommes partir tous au travail en même temps dans leurs voitures rutilantes. Ils vivent dans la ville nouvellement construite de Victory, qui fait partie du mystérieux « Projet Victory » dirigé par l’énigmatique et secret Frank (Chris Pine), dont les photos ornent le studio de ballet féminin dirigé par sa femme, Shelley (Gemma Chan), et dont le siège de la montagne réside juste à l’extérieur de la ville. On a dit aux femmes que leurs maris développaient des «matériaux progressistes» et rien de plus; ils ne doivent pas poser de questions ou s’aventurer en dehors des limites de la ville, mais sont libres de nettoyer, de cuisiner ou simplement de gambader au bord de la piscine avec leurs amis, s’ils le souhaitent.
Tout est comme il se doit, du moins d’après les émissions de radio quotidiennes de Frank (ignorez les drapeaux cultes qui ornent chaque rue !), et Alice ne voit aucune raison de se plaindre. C’est-à-dire jusqu’à ce que sa voisine Margaret (KiKi Layne) commence à agir étrangement, faisant référence à des choses qu’elle n’aurait pas pu voir alors qu’elle serre un avion jouet rouge contre sa poitrine. Elle est probablement malade, disent les hommes, et les femmes sont largement d’accord – jusqu’à ce qu’un beau jour, Alice regarde un avion rouge similaire, grandeur nature, tomber du ciel, juste au-dessus de la montagne. Et pourtant, Jack et Frank la convainquent que c’est impossible, l’amenant à tirer sur les fils lâches qu’elle trouve autour d’elle chaque fois qu’elle remarque des choses qui ne correspondent pas tout à fait.
Le problème avec cette approche, cependant, est que plutôt que de capturer son histoire de paranoïa à travers une lentille paranoïaque, Don’t Worry Darling confirme rapidement le point de vue d’Alice, même si cela n’explique pas les événements oniriques qui se déroulent autour d’elle (par exemple , un mur qui semble se refermer sur elle alors qu’elle le nettoie). Dans le processus, cela charge Pugh de poser des questions approfondies sur Victory et les autres femmes de la ville, mais cela incarne rarement ces questions, ou son sentiment de se défaire. Il semble plutôt planer au-dessus de la tête, gardant les réponses factuelles juste hors de portée tout en signalant au spectateur : ne t’inquiète pas, ma chérie, les réponses arrivent maintenant que les questions n’ont été posées qu’une ou deux fois. Ce qui ressort clairement des bandes-annonces et des prémisses de base devient également clair pour Alice : quelque chose ne va pas du tout, étant donné à quel point les autres femmes semblent satisfaites de leur vie domestique, et elle semble se souvenir à moitié d’extraits d’événements qui ne se gélifient pas tout à fait. avec ce milieu.
Comparer Don’t Worry Darling à The Stepford Wives serait suggérer qu’il a une tendance satirique; c’est, ironiquement, plus une épouse de Stepford elle-même. C’est beaucoup trop mécanique dans ses métaphores, qui deviennent presque métaphoriques à la fin, même si ses éventuelles tractions de tapis n’offrent aucun sens en ce qui concerne le symbolisme qui imprègne les visions d’Alice. Cela ne représente rien du tout, et les secrets qu’il révèle sont encore moindres, même s’ils vous rappelleront certainement environ huit histoires de films et de télévision différentes qui ont exécuté des concepts similaires avec plus de panache, dont plusieurs récemment. Certaines de ces similitudes peuvent être pardonnées – le script a été écrit avant WandaVision diffusé, mais il y a un chevauchement important (ne t’inquiète pas, chérie, ce n’est pas un spoiler) – mais certaines images, de personnes dans des royaumes imaginaires d’un noir de jais, et le dialogue qui l’accompagne sur le « naufrage » évoquent presque directement Get Out de Jordan Peele. Intentionnel ou non, c’est un peu désagréable, surtout compte tenu de la façon dont Don’t Worry Darling gère (ou plutôt ne gère pas) la course.
D’une part, son cadre des années 1950 est nettement daltonien, avec quelques personnages d’Asie de l’Est, d’Asie du Sud, noirs et juifs s’intégrant parfaitement dans ce décor de palissade blanche, bien que dans son arrière-plan, sans mention ni reconnaissance (le personnage de Layne devait à l’origine être joué par Dakota Johnson, donc le fait qu’elle soit noire n’a rien à voir avec l’histoire). C’est un cadeau à certains égards, bien qu’il ait sans doute aussi une excuse dans l’histoire. Quoi qu’il en soit, c’est toujours une raison de remettre en question le choix d’une prémisse des années 1950, dans laquelle la vision du film sur la domesticité féminine est une construction blanche – les femmes noires à l’époque n’avaient pas un tel luxe et étaient obligées de travailler – mais ce n’est pas, dans ce cas, un commentaire sur la blancheur (Wilde’s Librairie, bien que plus agréable, était également aveuglé). Des explications dans le monde peuvent être rassemblées, mais le film n’essaie pas, et son objectif narratif sépare les idées de race et de genre d’une manière qui ne peut pas vraiment être découplée.
«
Il se sent au mieux myope, et au pire, il laisse un trou béant au centre de sa critique du pouvoir d’un point de vue actuel. Il espère critiquer les structures sociétales, mais même son tissu visuel, avec ses personnages blancs au centre et ses personnages non blancs transformés en vitrine derrière eux, dit souvent le contraire. Si la féminité blanche est au centre de son récit d’identité dépouillée – émoussée, aplatie et homogénéisée – n’en va-t-il pas de même pour les autres vecteurs d’identité ? Ce n’est pas nécessairement un deal-breaker, mais il y a suffisamment de trous ailleurs dans sa construction pour qu’il devienne un low-hanging « c’est toi?« , prouvant que le film n’est pas aussi intelligent qu’il le prétend. Il veut se ranger du côté d’Alice, mais de manière mineure, il finit par devenir Frank, avec son sens régressif de «l’ordre».
Wilde a parlé sur la façon dont elle considère le personnage de Pine comme un type de Jordan Peterson, et bien qu’il y ait une vérité indirecte à cela – en ce sens qu’il peut être intellectualisé après coup, une fois que certains détails sont révélés – Frank n’est jamais présenté que comme une entité distincte de tout tel réel- comparaison mondiale, sauf peut-être pour les chefs de secte charismatiques qui, contrairement à la prédication explicite de Peterson sur l’essentialisme de genre, ne parlent généralement pas en termes aussi directs. Certes, des contre-exemples peuvent probablement être trouvés, mais c’est aussi une question de cadence; si Wilde voulait une figure de proue toxique de YouTube « détruisant » les opposants avec « raison et logique », elle a raté la cible et s’est retrouvée avec un télévangéliste souriant, dont les arguments semblent moralisateurs. Il y a une mince ligne entre eux, mais une ligne tout de même.
Pine joue sans aucun doute admirablement, mais il souffre comme le reste de la distribution : il n’a pas la possibilité de créer des dimensions. Pugh est embourbée par la paranoïa dans la mesure où elle n’a plus de personnalité réelle – pas de désirs ou de désirs qui la poussent à se libérer – et Styles, bien que certainement mesuré et capable (les gens ont s’est plaint sur son travail d’accent; cela prend tout son sens dans le contexte), existe à peine en dehors de la relation de Jack avec Alice. Il est bon avec elle, du moins semble-t-il, mais lorsque d’autres couches commencent à émerger, elles ne proviennent pas du genre d’endroit laid et humain qui profiterait à ce genre de critique cinématographique; au lieu de cela, ils sont un interrupteur inversé.
Du côté positif, Don’t Worry Darling est joli à regarder, et dans les moments où on a l’impression que Pugh est en fuite, la caméra et le montage peuvent rarement aider à améliorer sa perspective, mais la musique va très loin. L’espace mort autour d’elle est au moins rempli des compositions innovantes de John Powell, qui utilisent le souffle humain pour accentuer l’humeur ; on dirait que les personnages se noient, même si le film ne parvient jamais à les encadrer de cette façon et à créer les frissons adéquats.
«
Finalement, ce que Wilde espère dire sur la domesticité, dans le passé ou dans le présent, finit par être enfoui à la fois sous des artifices logistiques – ses réponses n’offrent que plus de questions, et à peine intrigantes – et des artifices émotionnels aussi, où le point final du voyage d’Alice se termine jusqu’à s’appliquer également à plusieurs autres personnages, sans qu’ils aient pris des mesures similaires à distance. Dans le but d’être excitant à tout prix, il saute suffisamment de rythmes et d’étapes narratives pour se sentir prêcheur sans la substance (ou même le style) pour le soutenir.
Sa thèse vague n’est guère désagréable — elle tourne autour de l’idée que les femmes devraient avoir la possibilité de travailler à l’extérieur — mais elle n’est jamais esthétiquement convaincante lorsqu’il s’agit d’examens plus larges du pouvoir ou de la libération (sans parler de la radicalisation antiféministe), des idées qui existent dans ses marges, mais vers lesquelles il n’a pas la capacité de diriger sa caméra.