Muna n’est plus le groupe qu’il était il y a trois ans. Bien sûr, le monde n’est pas le même non plus.
Lorsque le deuxième album studio de Muna, « Saves the World », est sorti en 2019, COVID n’était pas un mot familier, Trump était toujours président et, notamment, Phoebe Bridgers n’avait pas encore lancé sa propre maison de disques. Fraîchement sorti de la sortie d’un album éponyme vendredi, le groupe – composé des anciens de l’USC Katie Gavin, Naomi McPherson et Josette Maskin – se présente à nouveau, dans l’espoir d’atteindre un public plus large que jamais.
Muna est populaire depuis un certain temps en tant que groupe pop underground, connu pour sa construction minutieuse de musique extrêmement triste avec un penchant pour les jeux de mots et les hymnes queer. Mais depuis que le groupe a signé avec Bridgers’ Saddest Factory Records l’année dernière, son message est devenu à la fois indépendant et ironiquement grand public. Cela a surtout commencé avec une chanson qui est sortie en septembre, «Silk Chiffon», une collaboration avec Bridgers qui évoque les expériences de se sentir haut et anxieux au CVS, de faire du patin à roues alignées et d’être généralement gay. C’est le morceau d’ouverture du nouvel album, mais ce n’est qu’un point de départ pour savoir jusqu’où le groupe est prêt à aller dans l’approfondissement de son langage sonore et thématique, où les inspirations incluent tout le monde, des Backstreet Boys aux Talking Heads et Shania Twain. .
La nouvelle musique du trio est plus grande que jamais, mais son contenu est également plus complexe (et largement plus heureux) que les projets précédents du groupe. Muna embrasse les contradictions, comme le push-and-pull du désir, les relations au genre et le paradoxe central des pleurs sur la piste de danse. Parler à Variété quelques jours avant la sortie de l’album, les trois membres du groupe expliquent pourquoi ils rejettent le terme « groupe de filles », trouvant l’inspiration dans le milieu universitaire et pourquoi Tori Amos a « une énergie de pointe ».
Vous avez dit que cet album est beaucoup plus joyeux et sûr de lui. Diriez-vous qu’il a fallu plus ou moins de temps pour traiter des expériences de la vie réelle et ensuite les mettre en musique ?
CATIE GAVIN : Je dirais que c’est ce dernier. Notre deuxième album était composé de chansons qui reflétaient littéralement toute ma vie, comme « Ça va aller, bébé ». Et cet album est beaucoup plus dans le corps et dans le monde et dans les relations. Il y a ce genre d’étalement qui se produit lorsque vous vivez simplement des expériences et que vous écrivez à partir de ces expériences. Certaines de ces paroles se contredisent et la gamme émotionnelle du disque est assez grande et pas extrêmement cohérente. Mais je pense que cela vient juste de l’écriture de n’importe quel moment dans lequel nous nous sommes trouvés.
En ce qui concerne ce que vous venez de dire sur le fait d’être plus dans votre corps. Cet album a ces rythmes fous et vous voulez juste danser dessus. Cela en fait-il partie ? Comme lorsque vous écrivez à partir de cet endroit du présent et que vous êtes dans votre corps, cela devient juste plus rempli de danse – est-ce que cela se produit naturellement pour vous ?
MASQUE JOSETTE : Je pense que c’était l’intention avec la musique que nous avons faite depuis le début de Muna. Nous venons définitivement du troupeau qui essaie de faire ce que Robyn a fait pour nous, de vouloir qu’il y ait une sorte de catharsis émotionnelle qui peut se produire dans un cadre live où vous entendez une grosse caisse et vous pleurez parce que vous ‘ entendre des paroles qui vous donnent l’impression d’être vu. Je pense donc qu’avec toute la musique que nous faisons, nous essayons d’incarner cette philosophie.
Collaborez-vous tous sur les paroles ou prenez-vous tous des aspects différents des chansons ?
GAVIN : Nous prenons définitivement différents aspects des chansons. Je suis le parolier principal et la phrase serait top-line, donc lyrique et mélodieuse. Je sais que Naomi et Jo se moquent de moi en disant que je suis le parolier principal parce que j’écris vraiment toutes les paroles, mais il y a eu des exceptions. Et je pense aussi que mes paroles sont très informées par les retours de Naomi et Jo et les conversations que nous avons autour de la musique. Une partie de ce qui fait de nous un bon groupe est que nous sommes chacun des pièces de puzzle différentes. Je ne peux pas m’empêcher d’écrire des chansons; Je l’ai toujours fait et c’est juste quelque chose qui m’attire vraiment. Mais je ne suis pas aussi compulsif à propos du monde sonore, comme trouver exactement la bonne grosse caisse qui correspond à l’émotion que je ressens dans la chanson ou exactement quelle partie jouer sur une guitare. C’est vraiment le monde qu’habitent Naomi et Jo. C’est donc très symbiotique.
En parlant de collaboration, vous avez reçu l’aide de Mitski sur « No Idea ». Son album de cette année a des tendances similaires vers une musique de danse vraiment triste. Quelle influence vous a-t-elle conférée directement ou indirectement et comment voyez-vous vos univers musicaux interagir ?
GAVIN : Je veux juste dire, tout d’abord, que je suis toujours inspiré par Mitski, parce que Mitski est l’un de mes auteurs-compositeurs vivants préférés, et j’ai tellement appris sur moi-même en écoutant Mitski. Mais on a parlé de disco quand elle est venue. C’était en janvier 2020. Je ne sais pas jusqu’où elle en était pour faire son disque. Nous n’avons entendu aucune de ses musiques, mais nous savions qu’elle écoutait beaucoup de disco. Josette et elle se sont liées d’ABBA. C’était plutôt drôle que nous ayons fini par travailler ensemble sur cette chanson, mais elle nous encourageait vraiment à suivre cette voie avec cette chanson et à la rendre vraiment dansante et une combinaison de Daft Punk, Zapp & Roger et les Backstreet Boys .
NAOMI Mc PHERSON: Et un peu comme Talking Heads aussi. Au départ, ça ressemblait beaucoup plus au disco des Backstreet Boys, avec des cordes et des trucs, puis les tubes de l’orchestre. Cette chanson existait probablement depuis le plus longtemps en tant que pensée complète. La structure n’avait pas du tout changé depuis sa création. Mais je pense que nous avions juste l’impression que cela ne correspondait pas exactement à notre univers sonore général. C’était assez dépouillé et il n’y avait que de la basse et de la batterie en direct et c’était juste un peu incongru avec le reste de la musique. Nous avons donc dû poursuivre notre propre voyage avec la façon de le tirer un peu plus vers l’univers synth-y Muna, et cela s’est vraiment produit à minuit.
Pour entrer dans certains des thèmes que vous abordez sur cet album, parlons de « Kind Of Girl », car vous avez dit : « C’était vraiment poignant pour nous en tant que groupe, des gens qui ont dû faire savoir aux autres à quel point nous voulons être perçus. Comment avez-vous vu le genre en tant que dispositif de narration évoluer pour vous et qu’avez-vous appris en explorant cela ?
GAVIN : C’est une question vraiment intéressante. Il y a eu une ouverture qui s’est produite. Nous avons été impliqués dans ce groupe pendant la majorité de nos 20 ans, et quand nous sommes arrivés dans le groupe, même si nous étions déjà un groupe queer, le genre était beaucoup plus délicat – et à certains égards traumatisant – en termes de la façon dont les gens l’ont compris. Nous avons l’habitude d’être appelés un « groupe de filles », et ce n’est vraiment qu’à cette époque où nous nous sentons à l’aise de dire « Hé, nous ne nous identifions pas vraiment à ça ».
Nous avons définitivement évolué avec le monde. Il y a beaucoup plus de conscience autour de ces choses ces jours-ci, mais c’est encore très rare et très chanceux d’avoir des espaces dans lesquels nous travaillons où il y a une majorité de personnes queer qui ont une expérience et une compréhension partagées. Ce sont de petites choses comme les coupes de cheveux qui nous ont aidés à nous sentir davantage nous-mêmes, et c’est différent pour chacun de nous aussi, en tant qu’individus. Mais j’aime déconner avec ce genre de choses. Cela me fait penser à mon idole, Tori Amos, qui est une femme hétéro cis. Mais elle a beaucoup parlé de sa représentation de la sexualité, même en étant un peu comme ça… Je ne veux pas utiliser une terminologie trop grossière, mais Tori a énergie maximale quand elle se produit. Et c’est juste une telle joie de pouvoir jouer avec ce genre de choses et d’être célébré pour cela.
Vous avez également parlé de la propriété du désir dans cet album, dans la chanson « What I Want » en particulier. Qu’est-ce que cela signifie pour les personnes queer de posséder leur désir de la manière que vous explorez sur cet album ?
McPHERSON: La communauté queer est souvent considérée comme hyper-sexualisée, et nous vivons dans une société tellement puritaine que je pense qu’on nous apprend tous à avoir honte de nos sexualités. La honte peut être si profondément enracinée et cela peut être la tâche de toute une vie de s’en libérer. Essayer d’agir au mépris de ce paradigme est ce que la musique tente de faire. Une grande partie de ce que fait notre musique consiste à imaginer des réalités qui n’existent pas encore nécessairement pour tout le monde. « What I Want » est une chanson sur le libre arbitre, le désir, la liberté, le sexe et la sexualité et toutes ces choses dont on nous apprend à avoir honte, en tant que personnes queer, en particulier. De plus, c’est juste une chanson pop amusante à faire.
« What I Want » ressemble presque à une chanson sœur de « I Know a Place », à cause de ce dont vous parlez avec l’imaginaire queer.
McPHERSON: Nous avons suivi un cours avec une professeur nommée Shauna Redmond à l’USC ; elle n’est plus là. Dans le cours que nous avons suivi, qui portait spécifiquement sur la musique noire, elle a fait référence à cet écrit sur l’imaginaire radical et à quel point la musique a servi de prisme à travers lequel imaginer des réalités alternatives. Cela a probablement affecté de manière subliminale les paroles de cette chanson. C’est intéressant que vous ayez dit que « Ce que je veux » est des sœurs avec « Je connais un endroit », et je serais plutôt d’accord avec vous. C’est comme un jumeau maléfique.
Votre dernier album contient une chanson intitulée « Hands Off » et cet album contient une chanson intitulée « Handle Me ». Que diriez-vous de cette évolution thématique — pas qu’ils soient nécessairement en opposition ?
GAVIN : Je n’y ai même pas pensé. « Hands Off » a été écrit à une époque où j’essayais de m’éloigner d’une relation qui n’était pas bonne pour moi. J’avais besoin d’avoir cette autonomie [moment of] « Je vais juste être seul et ne me touche pas putain. » Mais ensuite, avec ce disque, je me suis intéressé quand je suis dans des relations où la personne est en sécurité et où nous avons une connexion. Je me heurtais encore à cette peur ou cette hésitation à être ouverte, vulnérable et impliquée. Assez hilarant, j’ai eu l’idée de lire sur la taille de différentes plantes, parce que je sortais ensemble à l’époque, mais je jardinais aussi beaucoup. J’ai appris qu’il est utile pour la santé d’un arbre fruitier que certains de ses fruits soient cueillis, taillés et manipulés par des humains. Et donc j’aime cette idée de : nous avons en fait besoin que l’autre s’occupe l’un de l’autre. C’est une chose saine.
En dehors de l’album, vous avez fait une reprise de « Sometimes » de Britney Spears pour la fin du film « Fire Island ». [Co-star/screenwriter] Joel Kim Booster a dit que c’était arrivé juste parce qu’il t’avait envoyé un DM.
McPHERSON : Il m’a DM-d sur Twitter. Je suis tellement fan de son stand-up. Et nous tous nous aimons [co-stars] Bowen [Yang] et Mat [Rogers] aussi bien. Donc, quand il a posé la question, c’était comme si nous pouvions y arriver, nous y arriverons. Nous sommes passés à la vitesse supérieure et l’avons fait tourner assez rapidement pour qu’ils puissent l’inclure, et ce fut une course un peu mouvementée jusqu’à l’arrivée, mais nous sommes tellement ravis d’être impliqués dans le film. C’est tellement cool de voir autant de personnes queer qui font partie de la scène créative de Los Angeles briller autant.
Vous a-t-il demandé spécifiquement « Parfois » ?
McPHERSON : Il a fait. Il y avait une autre synchronisation en place à ce moment-là, avant. Et je pense que parce qu’ils avaient filmé la scène du karaoké avec Bowen chantant cette chanson, ils voulaient que quelqu’un la reprenne. Et il m’a dit : « Vous êtes les premières personnes auxquelles j’ai pensé. Je suis un grand fan de votre musique. Et ce serait bien si vous pouviez faire ça. Et nous étions juste comme, d’accord, faisons-le – vous savez, crier « Libérez Britney ». Nous sommes ravis.
Où voyez-vous votre style après cet album ?
MASQUE : Je ne vois vraiment aucune limite à quel genre ou à quoi sonner parce que nous aimons tous tant de styles de musique différents. Nous commençons tous à peine à nous sentir pleinement capables de faire n’importe quel style de musique que nous voulons faire et à nous sentir libres. Cela n’a pas besoin de sonner d’une certaine manière pour être fluide. Alors, faisons une pause et faisons quelque chose, puis posons-nous cette question. Je suppose. Qui sait?
McPHERSON: C’est intéressant parce qu’il y a une partie de nous qui se dit : « On devrait faire un album qui soit un album folk acoustique, comme un disque de Lilith Fair. Et puis Katie enverra cette chanson pop massive et percutante qu’elle a écrite et c’est comme, eh bien, merde. C’est libérateur de ne pas se lancer dans un album ou une chanson en ayant une idée préconçue de ce que ça devrait être et de juste faire de bonnes chansons, parce que les gens aiment ça.
MASQUE : La chanson décide toujours. Alors peut-être que c’est en fait la réponse. Peu importe ce que les chansons décident qu’elles sont censées être, c’est ce à quoi elles sonneront.
Cette interview a été éditée et condensée.