Il y a une tendance intéressante qui émerge dans le cinéma à succès contemporain, qui suggère à la fois un changement de mode de narration et une évolution des goûts du public. Au cours de la dernière année environ, il y a eu une étreinte de sincérité et de sérieux et un rejet de l’ironie et du cynisme qui ont dominé la forme pendant tant d’années.
Depuis plus d’une décennie, le cinéma à succès se définit par une conscience consciente de soi. Les personnages de ces récits connaissent souvent les conventions et les tropes du genre dans lequel ils se trouvent, faisant des plaisanteries ironiques et des apartés conscients pour rassurer le public sur le fait qu’ils sont dans la blague. Les scripts appelleront des clichés familiers dans le dialogue, un raccourci cinématographique qui permet à un film de vanter son propre esprit tout en flattant l’intelligence du public : Nous comprenons, et nous savons que vous aussi.
Le mastodonte culturel de l’univers cinématographique Marvel (le MCU) est peut-être l’exemple le plus évident de cette tendance plus large, en particulier dans le sillage du succès de Joss Whedon. Les Vengeurs. Au cours des années 1990, Whedon avait popularisé une sorte de conscience de soi accessible avec Buffy contre les vampiresune émission de télévision qui ne consistait pas tant à rejouer les tropes des récits classiques d’adolescents et de vampires qu’à s’engager dans une conversation autour d’eux.
Il y a diverses raisons pour lesquelles l’ironie est devenue une force culturelle dominante. Une partie de cela était sans aucun doute culturelle. L’ironie est apparue comme une force majeure dans les années 1990, à ce qui a été décrit comme « la fin de l’histoire » ou « le moment unipolaire ». Ce genre de détachement conscient de soi avait un certain sens pour une jeune génération qui semblait peu susceptible d’avoir la chance de redéfinir le monde comme leurs parents l’avaient fait. Ils ne pouvaient pas changer les choses, mais ils pouvaient se moquer d’eux.
Il y avait d’autres problèmes générationnels. Au moment où ce genre d’ironie a envahi la conscience populaire dans les années 1990, ces histoires existaient depuis un certain temps. Whedon était « un scénariste de télévision de troisième génération, peut-être le premier ». Le scénariste Paul Schrader a noté que le public était également versé dans le langage des histoires, ayant « vu les intrigues de base, les permutations de ces intrigues, les imitations des permutations de ces intrigues et les permutations des imitations ». Les téléspectateurs étaient avertis, donc les histoires devaient l’être aussi.
Il y avait d’autres raisons de rendre les histoires conscientes d’elles-mêmes. Alors que la culture pop traditionnelle adoptait des concepts de genre plus poussés – des super-héros aux vampires – les critiques ont noté que la conscience de soi de Whedon « a aidé à humaniser les personnages, qui semblaient réagir aux créatures fantastiques de la série avec le même scepticisme incrédule que le public ». Cela a permis au public d’embarquer avec des idées auxquelles ils auraient pu être intrinsèquement hostiles, des concepts qu’ils pourraient autrement rejeter comme farfelus.
Bien sûr, Whedon n’était pas le seul scénariste des années 1990 à échanger sur la conscience de soi. L’écrivain Kevin Williamson a contribué à faire revivre le genre slasher en apportant ce postmodernisme à des films comme Crier, je sais ce que tu as fait l’été dernieret Halloween H20. Cependant, alors que cette conscience de soi faisait indéniablement partie de la culture pop des années 1990, les plus gros blockbusters de l’époque sont restés étonnamment sérieux : Titanesque, parc jurassique, Star Wars : Épisode I – La Menace fantôme, Le roi Lionet même Forrest Gump.
En effet, il convient de noter que le critique de cinéma Jim Collins a spécifiquement positionné les superproductions théâtrales de la décennie comme une vague de « nouvelle sincérité » dans un essai publié pour la première fois en 1992. Citant des films populaires comme Champ de rêves, Dance avec les loupset Accrocher, Collins a positionné le cinéma grand public très médiatisé de la décennie comme une réaction contre l’ironie, ce que Linda Hutcheon décrira plus tard comme du « post-postmodernisme ». En tant que telle, cette conscience de soi est restée largement confinée à la télévision et au cinéma de genre des années 1990.
Cette tendance au détachement ironique et à la conscience de soi peut avoir été ralentie par la réponse culturelle aux attentats du 11 septembre. À la suite de l’atrocité, les experts se sont précipités pour déclarer que cela « pourrait signifier la fin de l’ère de l’ironie » et que le monde venait « d’assister à la fin de l’ironie débridée ». Bien sûr, le recul révèle que les rapports sur la mort de l’ironie étaient grandement exagérés, mais il semble que cette conscience de soi ne soit plus le mode par défaut de la narration médiatique.
Le public ne voulait pas de ces récits connaisseurs, du moins pas immédiatement. La parodie du monde de la mode de Ben Stiller Zoolander célèbre flop à la suite des attentats, seulement réhabilité au cours des années suivantes. celui de Peter Jackson le Seigneur des Anneaux les films parlaient du moment culturel. À la télévision, la conscience de soi de personnages comme Buffy Summers (Sarah Michelle Gellar) a fait place au sérieux de héros comme Gil Grissom (William Petersen) dans CSI et Jack Bauer (Kiefer Sutherland) sur 24.
Bien sûr, ces choses bougent par cycles. Au cours des années 2010, en grande partie grâce au succès du travail de Whedon en tant qu’écrivain et réalisateur de Les Vengeurs, ce type de conscience de soi en est venu à définir le cinéma à succès moderne. Les personnages devaient plaisanter à intervalles réguliers, reconnaissant l’absurdité inhérente aux mondes dans lesquels ils se trouvaient, afin de rassurer le public sur le fait que rien de tout cela n’était censé être pris trop au sérieux.
Comme pour tout outil, l’ironie et la conscience de soi peuvent être bien ou mal utilisées. Entre les mains d’écrivains et de réalisateurs intelligents, cette connaissance pourrait enrichir ces récits et développer ces personnages. Par exemple, dans le travail de James Gunn sur La brigade suicide ou la gardiens de la Galaxie films, ces blagues sous-tendent une sincérité émotionnelle qui traite les arcs de ces personnages – y compris des absurdités comme Rocket Raccoon (Sean Gunn, Bradley Cooper) ou Polka-Dot Man (David Dastmalchian) – au sérieux.
Cependant, trop souvent, ce détachement ironique peut ressembler à un film qui se laisse aller. Des films comme Veuve noire saper leurs tentatives de travail de caractère sérieux en les ponctuant de blagues clignotantes. Des films comme Star Wars : L’Ascension de Skywalker excusez les développements ridicules de l’intrigue comme les stormtroopers portant un jetpack en demandant simplement aux trois chefs de file de répéter chacun l’observation pince-sans-rire selon laquelle « ils volent maintenant ». Dans de nombreux cas, cela ressemble à une course de film pour faire une blague avant que le public ne le puisse. Tout peut être excusé, si cela est reconnu.
Ces apartés ironiques créent souvent une distance émotionnelle entre l’œuvre et le public. Dans Captain America : Guerre Civile, les Avengers se retournent sur une série de désaccords personnels et politiques. Cependant, le film ne prend jamais la querelle au sérieux. « Nous sommes toujours amis, n’est-ce pas ? » Black Widow (Scarlett Johansson) demande à son vieil allié Hawkeye (Jeremy Renner). Il répond avec un sourire narquois: « Cela dépend de la force avec laquelle vous me frappez. » Il n’y a pas d’enjeu ici, même juste en termes de drame de personnage de base. Rien n’a d’importance.
Au cours de cette période, il est devenu habituel de critiquer les films à gros budget qui ne se livraient pas à cette plaisanterie consciente d’eux-mêmes comme étant « austères » ou « sans humour ». Comme l’a souligné Seth Rogen, la mesure dans laquelle ces superproductions se sont appuyées sur l’usurpation de leurs propres conventions a effectivement rendu les grandes comédies de studio obsolètes. Il n’y avait que la plus mince des lignes séparant les films à succès des parodies affectueuses et douces de ces mêmes films à succès.
Fait intéressant, il semble y avoir eu un changement au cours de la dernière année. C’est peut-être un nouveau une nouvelle sincérité, un éloignement du clin d’œil et de la conscience de soi, retour à une approche plus conventionnelle et moins ironique de la narration qui plaît à la foule. Les deux plus gros blockbusters de 2022 étaient James Cameron Avatar : la voie de l’eau et de Joseph Kosinski Top Gun : Maverick. Ce sont d’énormes films de franchise, mais ils sont remarquables pour éviter la conscience de soi des superproductions modernes.
James Cameron reste un cinéaste profondément sentimental sous son personnage de dur à cuire. Maverick est un film extrêmement sérieux dans sa représentation des tentatives du personnage principal (Tom Cruise) de trouver un peu de paix dans sa vie ultérieure, notamment en se réconciliant avec son ancienne amante Penny (Jennifer Connelly) et en forgeant une connexion avec Bradley (Miles Teller), le fils de son copilote décédé Nick (Anthony Edwards). Il y a des moments d’humour, mais ils ne perforent jamais la réalité des films.
Il existe d’autres indicateurs de cette tendance. Les réalisateurs Matt Bettinelli-Olpin et Tyler Gillett ont ressuscité le Crier franchise, une affiche de cette conscience de soi des années 1990. Cependant, les deux films de Bettinelli-Olpin et Gillett sont loin d’être aussi archi que Cri 2 ou Cri 4adoptant un mode beaucoup plus conventionnel et traditionnel de narration slasher. Cri VI ne déconstruit pas les tropes de Vendredi 13, partie VIII : Jason prend Manhattan autant que de les célébrer.
L’une des plus grandes surperformances de l’année à ce jour a été Credo III. Le film a dépassé les estimations d’un week-end d’ouverture de 36 à 40 millions de dollars, le meilleur de la trilogie, avec 58 millions de dollars aux États-Unis et 100 millions de dollars dans le monde. Credo III est un film de boxe construit autour de tropes et de conventions familiers du genre, mais il fonctionne en grande partie parce qu’il joue le conflit entre des amis devenus rivaux Donnie (Michael B. Jordan) et Dame (Jonathan Majors) entièrement hétéros, sans blagues sournoise ou méta-commentaire.
Bien sûr, il est beaucoup trop tôt pour déclarer que l’ironie a subi un TKO. Ces choses vont et viennent avec le temps, à mesure que les goûts changent et que le public migre. Cependant, on a l’impression que les cinéphiles modernes en ont peut-être assez des films qui passent plus de temps à appeler et à se moquer de leurs tropes narratifs qu’à développer leur personnage et leurs arcs émotionnels. Après tout, il est facile de pointer et de rire d’une convention de genre familière ; il est beaucoup plus difficile de l’exécuter de manière convaincante. La sincérité est dure.
L’ironie n’est pas morte. Cela dit, compte tenu de la façon dont il a dominé la dernière décennie de la culture pop multimédia, il serait peut-être bon qu’il prenne une pause.