L’article explore la carrière de l’artiste Marina Abramović, mettant en lumière ses performances provocantes, telles que « Art Must Be Beautiful » et ses explorations de la douleur et de l’impuissance. À travers des expériences intenses, elle a défié les normes sociales et artistiques, attirant l’attention sur la connexion entre l’art et la souffrance. Aujourd’hui, à 78 ans, elle entraîne les jeunes performeurs et continue d’être une figure emblématique de la culture, incarnant le risque et le dépassement de soi.
La performance débute en douceur, presque de manière tendre. Les premiers mouvements de la brosse dans ses longs et magnifiques cheveux sont captivants. On ne peut s’empêcher d’admirer cette femme dont la prestation est empreinte d’une certaine grâce. Au fil du temps, la douceur se transforme en effort, puis l’effort en colère et enfin la colère cède place à la panique, laissant juste le désespoir à la fin.
À mesure que le brossage devient de plus en plus agressif, la beauté se mue en chaos. Avec une intensité croissante, la voix de la femme résonne : « L’art doit être beau », affirme-t-elle, « L’artiste doit être beau ! ». Rapidement, on saisit son message caché.
Ces répétitions se déroulent au Kunsthaus de Zurich mi-octobre, dans le cadre de l’hommage à Marina Abramović. Des hommes et des femmes, aux cheveux longs et courts, participent à cette performance titrée « L’art doit être beau », créée en 1975 et qui durait alors 23 minutes. Aujourd’hui, Abramović n’interprète plus elle-même cette œuvre.
Une vie au péril de l’art
À 78 ans, elle coach des artistes plus jeunes. « Me répéter ne m’intéresse pas », dit-elle. « Je préfère explorer de nouvelles voies et prendre des risques, car c’est en prenant des risques que l’on peut échouer, et l’échec est une part du succès. »
Tout au long de ses 50 années de carrière, elle a osé prendre des risques. Lors de l’une de ses premières performances, « Rhythm 5 », en 1972, elle se coucha au sol, entourée de flammes. La chaleur était si forte qu’elle perdit connaissance et ce n’est que lorsque le public s’aperçut de son inactivité qu’il intervint pour la secourir. Elle a par la suite déclaré que cette impuissance faisait partie de sa performance.
L’impuissance, un vecteur de vie
L’impuissance est désormais inséparable d’Abramović. Dans les années 70, elle était vue comme l’artiste excentrique de l’Est, cherchant à se libérer des chaînes du passé. En dénonçant l’autoritarisme et le communisme, elle poussait les limites de l’endurance dans sa quête d’une liberté ultime. À l’époque, elle était déjà très marginale, même au sein du monde artistique.
« Aujourd’hui, des performances aussi audacieuses semblent impossibles, même en reconstitution », déplore-t-elle, ajoutant que cette évolution est regrettable : « Le politiquement correct d’aujourd’hui étouffe toute créativité. »
Lors d’une performance en 1974 à Naples, elle a failli être victime d’agression. Elle se tenait immobile dans une galerie, tandis que le public pouvait interagir avec elle à l’aide de 72 objets, à la fois innocents et dangereux. Après six heures de manipulation, les visiteurs prirent tellement de libertés que, lorsqu’Abramović brisa son rôle passif, tous s’enfuirent, envahis par la honte. Elle décrit dans sa biographie qu’un homme avait mis un pistolet chargé dans sa main pour qu’elle se vise elle-même, et affirme que les femmes présentes ont contribué à la sauver d’une issue tragique.
Le public, acteur de la performance
« Ce n’est pas moi, c’est le public ». C’est une phrase qu’elle aime répéter. Elle se considère toujours comme un miroir pour les spectateurs. Si ce rôle était restreint dans les années 70, il a pris une toute nouvelle dimension avec sa performance au Museum of Modern Art de New York en 2010.
Chaque visiteur pouvait s’asseoir face à elle et établir un contact visuel, chaque interaction se prolongeant sur 720 heures, où pendant trois mois, elle était présente tous les jours, sans manger ni boire. Environ 1500 individus se sont rencontrés dans ce contexte. Cet abandon de soi a permis à Abramović de devenir le reflet pour 800 000 personnes. Le musée s’est transformé en un site de pèlerinage.
Le vide de soi
Dans les années 80, elle a passé un an en Australie avec son compagnon de l’époque, Ulay, explorant