celui de Jean-Pierre Melville Armée des ombres est un docu-fiction impeccablement conçu sur la Résistance française raconté du point de vue de combattants de la Résistance se déplaçant entre des maisons sûres, assassinant des informateurs et cherchant constamment par-dessus leur épaule l’arrivée inévitable de leurs propres assassins. Malgré sa narration semi-fictionnelle, c’est un chef-d’œuvre du cinéma lié à la Seconde Guerre mondiale. Mais il est rarement inclus dans les listes des meilleurs films de la Seconde Guerre mondiale, car il a été instantanément rejeté lors de sa sortie en 1969.
Armée des ombres offre un instantané des opérations de la Résistance au début des années 1940, mais au moment où le film est sorti en salles en 1969, le public français a vu Charles de Gaulle (représenté dans le film comme le chef du gouvernement en exil de la France libre) dans une lumière très différente. En mai 1968, l’économie française s’est arrêtée et de Gaulle a répondu aux protestations généralisées contre son leadership en fuyant le pays et en cherchant refuge en Allemagne.
En présentant les résistants comme protagonistes, Armée des ombres glorifie intrinsèquement de Gaulle. La polémique de mai 68 a ajouté une ironie involontaire à une scène du film dans laquelle l’un des personnages centraux est décoré par de Gaulle pour sa bravoure face à l’adversité. Sans surprise, les critiques français en 1969 ont éviscéré le chef-d’œuvre de Melville sur la seule base de cet aspect. Depuis que les critiques français Armée des ombres dans l’ensemble, la plupart des distributeurs étrangers n’ont pas pris la peine de le ramasser et il est resté inédit sur la plupart des marchés étrangers pendant des décennies. Le film n’a pas eu de sortie aux États-Unis pendant près de 40 ans – mais quand il est finalement arrivé devant les yeux des critiques américains, il a été immédiatement réévalué comme un joyau incompris.
Tout comme ses classiques du film policier qui changent la donne Le Samouraï et Le Cercle Rouge, Melville tourné Armée des ombres avec un réalisme presque documentaire. Les mouvements de caméra sont parfaitement mis en scène avec une exécution fluide et fluide par les directeurs de la photographie Pierre Lhomme et Walter Wottitz. Le style est le manque de style, mais chaque image est toujours magnifiquement composée et remplie de narration visuelle. Lhomme et Wottitz ont réalisé quelques-unes des meilleures cinématographies du genre espionnage pour Armée des ombres. Les visuels ne sont pas trop stylisés, mais ils sont profondément cinématographiques. Leurs plans larges à couper le souffle de chaque nouveau lieu s’intègrent parfaitement dans le flux rythmé du montage de Françoise Bonnot.
Comme on le voit dans le classique du film de gangsters de Melville Le Doulos, les scènes de poursuite dans Armée des ombres sont capturés dans de longs travellings de personnes qui courent. Melville et ses cinéastes capturent les caractéristiques du genre familières d’une manière unique, comme la prise de vue d’une tour de garde par un fil de fer barbelé flou au premier plan. Une séquence de sauts en parachute peu gracieuse avec un atterrissage maladroit offre un contrepoint pointu à tous les atterrissages en parachute parfaitement exécutés vus dans des films d’espionnage moins réalistes. Lhomme et Wottitz tournent des scènes poignantes se déroulant dans des camps de concentration avec un minimalisme sombre pour créer une réalité viscérale et tangible, car la réalité d’un camp de concentration est suffisamment horrible. Le puissant drame de l’Holocauste de László Nemes Fils de Saül obtenu un effet similaire avec de longs travellings sur l’épaule.
Lhomme et Wottitz plongent dans les thèmes du film dès l’offset. Le premier plan de soldats marchant dans une rue déserte est magnifiquement solennel et obsédant et fait également allusion au vide de la tradition militaire alors que le film est sur le point d’explorer le coût terrible et brutal de la guerre. Les directeurs de la photographie utilisent beaucoup de plans à deux, avec des plans intermédiaires et des plans rapprochés réduits au minimum. Le public a rarement une vision claire du visage d’un personnage – ce qui est approprié, étant donné que ce sont tous des espions secrets qui sont toujours en mouvement. Cela aide également à donner plus d’impact et de résonance aux plans plus proches et plus intimes. La caméra vibre avec les bateaux et les sous-marins, donnant au public l’impression d’être sur l’eau avec eux. Une prise de vue grand angle d’un sous-marin plongeant dans l’océan offre un contraste saisissant avec la perspective au niveau du sol.
Comme un film noir classique ou un film d’espionnage à l’ancienne (deux cadres de référence évidents ici), Melville fait un usage formidable des silhouettes tout au long Armée des ombres. Cet épanouissement stylistique continue le motif « ombre » établi par le titre. L’« armée des ombres » éponyme fait référence au thème récurrent du film selon lequel tandis que les espions de la Résistance se cachent dans l’ombre, observant de loin des cibles sans méfiance, à leur insu, un espion ennemi se cache également dans l’ombre, les observant de loin. La musique est utilisée avec parcimonie, ce qui ajoute une couche de réalisme car les soldats n’entendent généralement pas de musique sur le champ de bataille. Mais quand Melville utilise une partition musicale (composée par Éric Demarsan), c’est de la belle musique romantique, entraînante, classique, cinématographique.
Le roman source de Joseph Kessel était un récit de première main (bien que fictif), il y a donc un réel sentiment d’autorité dans sa représentation de la Résistance. Armée des ombres dépeint ses protagonistes comme de véritables héros, faisant preuve de noblesse et de compassion dans le feu de l’action, mais son portrait de la Résistance dans son ensemble – et des actes de guerre en général – est décidément peu glamour.
Le film a une intrigue dense avec beaucoup de choses, mais il ne se sent jamais surchargé car Melville atteint le rythme parfait, laissant l’intrigue respirer sans jamais perdre son élan. Le scénario de Melville est un chef-d’œuvre d’intrigue économique et de drame historique axé sur les personnages. Et ce n’est pas seulement une histoire passionnante d’espionnage ; en plus de cela, cette histoire a une forte histoire existentielle chez les combattants de la Résistance sachant que leur destin le plus probable est l’exécution.
Melville inclut quelques notes d’humour noir kubrickien pour souligner l’inhumanité de la guerre. Un assassin promet : « Je te jure que tu ne souffriras pas », avant d’étrangler sa cible impuissante alors qu’elle est attachée à une chaise. Quelques secondes plus tard, la cible hurle de douleur alors qu’elle meurt lentement. Et l’ironie mordante du film va dans les deux sens : le sadisme est aussi puni. Un officier SS permet aux prisonniers marqués pour exécution de fuir pour leur vie afin que ses officiers puissent profiter du plaisir tordu de tirer sur une cible en mouvement. Ce jeu malsain permet à l’un des protagonistes de la Résistance, Gerbier, d’échapper aux griffes des nazis. Si l’officier n’avait pas prolongé l’exécution pour s’amuser sadiquement, l’équipe de Mathilde n’aurait pas eu la chance d’extraire Gerbier.
La scène finale utilise des cartes de titre pour révéler le sombre destin de chacun des protagonistes. Les dates et les causes de leur mort sont juxtaposées de manière troublante à des gros plans graphiques post-assassinat. Tous ces personnages dans lesquels le public s’est investi mourront horriblement en quelques mois par des méthodes horribles comme la torture et la décapitation. La plupart des films de guerre sont entraînés dans une structure en trois actes et se concentrent à la fin sur la fermeture émotionnelle. Les films de guerre qui s’enfoncent vraiment dans les conséquences impitoyables de la guerre – comme Les chemins de la gloire, Apocalypse maintenant, et en effet Armée des ombres – rester concentrés sur leur sombre message anti-guerre jusqu’au bout.
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