Dernièrement, quand j’entre dans une salle de cinéma, j’ai désespérément envie de ressentir. Dans cette obscurité totale, entourée d’inconnus, se trouve le potentiel de la poésie et du défi. Le cinéma, au sommet de sa puissance, n’est pas seulement une expérience matérielle, esthétique et visuelle mais une expérience spirituelle, et le scénariste-réalisateur Alex Garland a déjà répondu à mes attentes. En tant que scénariste du fougueux huis clos Soleil et le traité des zombies 28 jours plus tardGarland a traversé les merveilles extatiques de la fiction de genre avant de se tourner vers la réalisation avec le film glissant et imparfait Ex Machina. Ce film de science-fiction de 2014 était à la fois séduisant et frustrant, et ce n’est qu’en 2018 Annihilation que Garland a pu créer – aux côtés du directeur de la photographie Rob Hardy et de stars telles que Natalie Portman – une œuvre de complication puissante. Niché dans ses scènes de mutilation corporelle et son expérimentation formelle se cache une histoire de dépression et de perte. Garland et ses collaborateurs ont trouvé un moyen de communiquer ces idées avec subtilité et sans oublier les plaisirs nauséeux que l’on peut trouver dans l’horreur.
C’est un équilibre que Garland semble avoir oublié lors de la réalisation de son dernier long métrage. Hommes est un film simple et épuré, centré sur Harper (Jessie Buckley), une veuve sous le choc des émotions enchevêtrées qui accompagnent la mort de son mari, James (Paapa Essiedu). Harper cherche la guérison en louant un domaine bucolique vieux de 500 ans dans la campagne anglaise géré par Geoffrey (Rory Kinnear). Le malaise s’installe rapidement. Quand Geoffrey voit qu’Harper a mordu dans une pomme de l’arbre dans la cour avant, il la gronde vivement dans ce qui est quelques instants plus tard présenté comme une blague : « Non, tu ne dois pas faire ça. Fruit défendu » — une brève interaction qui met en place les courants religieux qui jailliront du film. En visitant la salle de bain des installations, Geoffrey ordonne : « Mesdames, faites attention à ce que vous tirez. »
Le refuge de Harper se transforme bientôt en violences répétées, toutes perpétrées par des hommes, toutes jouées par Kinnear. Elle est traquée par un homme nu qui tente de s’introduire dans le domaine, un crime ignoré par le policier inepte chargé d’enquêter. Un adolescent lui demande de jouer à cache-cache, puis la traite de « salope stupide » lorsqu’elle le repousse. Nous en apprenons également plus sur ses derniers moments avec James; dans les flashbacks, l’image d’une relation définie par l’abus commence à fusionner.
Les scènes se déroulant dans le présent sont vibrantes, verdoyantes au point d’être criardes. Les scènes se déroulant dans le passé adoptent une approche différente. Dans l’appartement qu’Harper partageait avec son mari, l’éclairage est carrément apocalyptique, brûlant d’orange, de souci, de cramoisi. Dans son petit rôle, Essiedu est invité à jouer une seule note de manipulation émotionnelle désespérée. James a averti Harper qu’il se tuerait si elle divorçait, comme elle le souhaitait. Une fois que sa violence est devenue physique, Harper n’a fait que devenir plus résolu. Maintenant, elle est hantée par sa mort et le corps brisé qu’il a laissé derrière lui. Une série de questions pèsent sur son psychisme : a-t-il glissé du balcon du voisin du dessus après avoir pénétré par effraction dans la maison ? Ou voulait-il se suicider ? Le rôle d’Essiedu est à peine dessiné au-delà de la force et des effets de sa violence, donnant au film des courants raciaux inquiétants. Son corps est un lieu d’horreur. Son âme et son intériorité sont introuvables.
Nous n’apprenons pas grand-chose non plus sur Harper: elle travaille dans la finance (peut-être?), Joue du piano et a une charmante amitié avec une femme nommée Riley (une Gayle Rankin ironique), à qui elle parle sur FaceTime alors que les incidents de son voyage de vie dans un territoire étranger et étranger. Mais Buckley cloue les affrontements délicats qui envoient les peurs et la lutte pour la survie de Harper à l’overdrive. Elle essaie de cacher les souvenirs uniquement pour qu’ils reviennent en rugissant – respirant profondément, puis de manière irrégulière, puis pleurant après qu’un flash-back l’envoie dans une cavalcade d’émotions guerrières. C’est une interprétation nette d’une hantise psychologique.
Kinnear a la tâche difficile d’incarner une variété de misogynes séparés uniquement par leurs costumes, leurs coupes de cheveux terribles et, parfois, leurs grandes dents obscènes. Ses connotations condescendantes se font sentir tout au long de ses premières scènes en tant que Geoffrey. À un moment donné, il joue un adolescent, son visage greffé numériquement sur un corps d’enfant, sa voix légèrement altérée. Cela ne fonctionne pas tout à fait, et Kinnear est à son meilleur en tant que vicaire aux cheveux gris qui offre d’abord du réconfort à Harper, puis, lorsqu’elle s’ouvre, la blâme pour la mort de James. Le film est ici à son meilleur, brossant un portrait grotesque du mépris des femmes teinté d’une luxure dangereuse. Alors que le film fait rage vers un point culminant, Harper se retrouve logée dans la salle de bain aux murs rouges du domaine avec le vicaire répugnant, sa peur et son désir sexuel évidents dans le blocage et le cadrage. Le potentiel d’une grande violence sexuelle est suspendu dans l’air. Un couteau est tenu. Le sang coule. Vous pouvez presque sentir son souffle sur son visage, son pouls s’accélérant.
La tension et l’étrangeté de la situation de Harper progressent vers une finale explosivement charnue. Pourtant, malgré tous les os brisés, les morts graphiques et les abondantes quantités de sang, l’idée motrice derrière Hommes n’est pas assez audacieux pour se sentir effrayant. Au lieu de cela, il fait remarquablement tiède. Garland rend la misogynie sans air, réduite à un problème primordial plutôt qu’à un problème créé par l’homme. Le préjugé est présenté comme une constante, se reproduisant sans cesse sous de nouvelles formes ; les personnages du film se lisent comme des idées usées plutôt que comme des personnes. De plusieurs façons, Hommes repose sur une compréhension de l’horreur de «prestige» moderne préférée par la société de production A24: Cela devrait être plus que des grotesques – cela devrait avoir un message, souvent communiqué sans détour. Le message derrière Hommes équivaut à « Merde, la misogynie est folle, non? »
Pourtant, le film est beau, réunissant Garland avec le directeur de la photographie Hardy ainsi que Geoff Barrow et Ben Salisbury, les personnes derrière le Annihilation score. j’admire aussi Hommess’efforce de tresser l’imagerie païenne primitive, même si cela s’avère être encore plus de style en quête de sens, qui glisse continuellement entre les doigts des cinéastes. Dans l’église de la ville se trouve une sorte de bassin en pierre. Un côté est sculpté du visage d’un homme qui a des feuilles pour un visage, une représentation de la renaissance connue sous le nom de Green Man. L’autre est sculptée d’une image de Sheela na gig, une femme nue, les jambes écartées, tenant ouverte une vulve exagérée. Les universitaires se sont disputés sur la signification et l’utilisation de Sheela na gig : offre-t-elle une protection contre le mal ou est-elle un avertissement contre le péché ? Peu importe. Malgré la charge de ces sculptures sur pierre dans la vie réelle, elles se révèlent n’être rien de plus qu’une habile décoration de fenêtre pour le film.
HommesLa fin de est marquée par la violence et le gore à des degrés extrêmes, impliquant la destruction de la chair et des attentes. Cela aurait dû être effrayant, voire perçant. Au lieu de cela, alors qu’il se prolongeait, je me sentais impassible et distant. Un film d’horreur n’a pas besoin d’un grand message, politique ou autre. Mais Hommes cherche désespérément à en trouver un dans toutes ses contorsions. Ce qu’il nous reste, c’est du sang, des cartilages et des tendons sans le squelette pour les retenir.
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