La diversité des longs métrages d’animation – à la fois le contenu et l’assemblage – continue d’évoluer en parallèle avec les sauts et les limites presque quotidiens de la technologie cinématographique. Ce paysage en constante évolution crée de nouveaux défis et opportunités pour les réalisateurs de raconter des histoires qui résument tout, des spectacles épiques à succès aux drames personnels axés sur les relations.
« L’animation est un moyen tellement puissant d’explorer des thèmes compliqués d’une manière facilement accessible », déclare le réalisateur de Pixar Domee Shi, dont « Turning Red » raconte l’histoire du passage à l’âge adulte de Mei, une fille de 13 ans dans les années 2000- Toronto, qui se transforme en panda roux géant au début de la puberté. « Je pense que l’animation incite presque le public à croire un peu plus à la logique magique, car c’est déjà une version abstraite de la réalité. »
Dans un processus qui a duré plus de quatre ans, Shi a utilisé certaines des technologies les plus avancées de l’industrie pour élargir progressivement son équipe de collaborateurs, de deux co-scénaristes (Sarah Streicher pour le premier brouillon puis Julia Cho pour les suivants), à tous les yeux, oreilles, mains et voix supplémentaires qui donnent vie au film.
Pendant le verrouillage du COVID 2020, elle a eu des discussions à distance avec son co-DP Mahyar Abousaeedi (avec Jonathan Pytko) sur l’échelle de l’emplacement du stade pour une séquence charnière.
Shi se souvient : « Il a dit : « Et si je vous emmenais à l’intérieur du stade juste pour vous montrer à quel point il est grand et petit ? » «Je suis debout dans ma chambre d’amis et nous faisons le tour du stade. C’était amusant », dit-elle.
Shi a gravi les échelons de Pixar en tant qu’artiste d’histoire (« Inside Out »), artiste de storyboard (« Incredibles 2 », « Toy Story 4 ») et a remporté un Oscar du court métrage d’animation pour « Bao » en 2018.
Malgré son utilisation d’outils de haute technologie, elle considère toujours le personnage comme le cœur de son travail.
« Je sais que chaque réalisateur aborde un film différemment, mais pour moi, j’ai trouvé beaucoup de succès grâce au personnage d’abord, au lieu de l’histoire d’abord ou de l’intrigue d’abord », dit-elle. « Pour moi, le personnage de Mei et sa mère, c’est la première chose qui s’est matérialisée. »
Commencer par une idée de graine personnelle qui est devenue un long métrage s’applique également à « Wendell & Wild » de Henry Selick, qui a commencé il y a 20 ans comme un croquis qu’il a dessiné de ses deux jeunes fils en tant que démons, et une histoire correspondante de sept pages qu’il a cachée loin à l’époque.
Le réalisateur vétéran (« Coraline », « Nightmare Before Christmas ») est devenu fan de Keegan-Michael Key et Jordan Peele de leur émission Comedy Central et a pensé que le duo conviendrait parfaitement à ses frères et sœurs démons.
« Ils étaient tous les deux intéressés à travailler avec moi, mais Jordan voulait en faire plus », explique Selick, notant que la conversation a eu lieu en 2015, juste avant que « Get Out » ne modifie la trajectoire de carrière de Peele. « Il a essentiellement lancé l’idée d’être un collaborateur à part entière avec moi – il ne voulait pas seulement faire des voix. »
Selick et Peele ont travaillé ensemble sur le scénario, retravaillant les éléments et les personnages, et ont commencé les tests d’animation à l’été 2018. Après un arrêt de près d’un an en raison de COVID, le film est arrivé sur Netflix à l’automne après sa première au Toronto Intl. Festival du film.
Alors que la marque d’animation en stop-motion de Selick remonte aux classiques de la vieille école de réalisateurs tels que Ray Harryhausen, il garde l’esprit ouvert aux innovations modernes.
« Après des décennies à faire ça, il y a certaines choses qui sont réglées, mais j’aime aussi explorer de nouvelles choses », dit-il, décrivant une séquence dans « Wendell & Wild » dans laquelle les frères éponymes envahissent un rêve du protagoniste, Kat , comme de gigantesques mains et visages flottants. «Nous avons trouvé une toute nouvelle technique pour créer ces mains et ces visages et comment les animer. Ils ne ressemblent à rien d’autre qui ait jamais été fait en stop motion.
Le travail minutieux et pratique de l’animation en stop-motion est également présenté cette saison dans un autre film de Netflix, « Guillermo del Toro’s Pinocchio », que del Toro et son co-réalisateur Mark Gustafson ont passé plus d’une décennie à développer, même avant ses cinq années de production méticuleuse.
« Le médium est mon médium préféré. Je l’ai pratiqué, je l’ai enseigné à l’école et même je l’ai fait professionnellement au Mexique, mais cela faisait des décennies que j’essayais de l’approcher à nouveau », explique del Toro. «Je pensais qu’une histoire sur une marionnette dans un monde de marionnettes était idéale et qu’elle charmerait le public avec quelque chose qui se sentait fait à la main et sculpté à la main, peint, rendu et éclairé. Il y a quelque chose de magique là-dedans. »
Del Toro, dont les films étonnamment visuels et fantastiques incluent « La forme de l’eau » et « Le labyrinthe de Pan », lauréats d’un Oscar, ajoute que « Pinocchio » n’est pas un film pour les jeunes enfants (mais les enfants peuvent le regarder si leurs parents leur parlent) , et qu’il espère que l’animation pourra participer à certaines des conversations dont bénéficient les films d’action réelle pendant les saisons de récompenses, telles que la cinématographie et la conception de la production.
« Et j’espère que nous pourrons aussi produire plus régulièrement des films qui élèvent le statut de l’animation », dit-il. « L’animation n’est pas un genre. C’est un médium, et nous devrions chercher diverses façons de l’utiliser.
Comme Selick, le co-réalisateur Gustafson, qui a également été directeur de l’animation sur « Fantastic Mr. Fox », attribue également à Harryhausen une source d’inspiration. « Nous nous tenons sur les épaules de géants et avançons une image à la fois », dit-il.
Parce que les lieux, l’action et les lois de la nature sont illimités dans l’animation, la légende et le folklore offrent un terrain fertile pour la créativité, et le « Chat botté : Le dernier souhait » de cette année, un spin-off des films « Shrek » de DreamWorks Animation, est pas exception. Les précédents films « Shrek » avaient exploré des personnages de tout le panthéon des contes de fées, mais il y avait plus de territoire à explorer.
« Nous avons plongé dans un nouveau territoire de conte de fées, à savoir les contes de fées de Grimm, qui peuvent devenir un peu sombres, et c’était excitant », a déclaré Joel Crawford, réalisateur de « Puss in Boots ».
Lui et son équipe voulaient créer un style visuel complémentaire pour le film afin de renforcer le sentiment mythique et de livre de contes qu’ils voulaient transmettre.
« Et si on avait l’impression que vous étiez plongé dans un tableau de conte de fées ? Ainsi, vous pouvez presque voir les coups de pinceau sur tout », explique Crawford. « Vous avez juste l’impression d’être immergé dans un conte de fées, mélangeant le CG avec une sensation de dessin à la main. »
Comme avec Shi chez Pixar, Crawford a passé des années chez DreamWorks à travailler sur des films en tant qu’artiste d’histoire (« Shrek Forever After », « Kung Fu Panda 2 ») et chef d’histoire (« Trolls ») avant de sauter d’abord dans le fauteuil du réalisateur pour » The Croods: A New Age » et maintenant « Le Chat Botté ». Par conséquent, chacun de ces réalisateurs n’hésite pas à créditer leurs équipes et les centaines, voire les milliers, de mains qui donnent vie à leurs personnages de contes de fées, pandas rouges géants, démons du purgatoire et marionnettes qui souhaitent être réels, pour un public de tous âges. Ils ne comprennent que trop bien ce que c’est que d’être à la place des gens à qui il donne des ordres de marche.
« L’animation, c’est tellement collaboratif », dit-il. « Plus vous comprenez tout le travail qui se fait dans les coulisses, si vous demandez quelque chose, la plupart du temps vous savez que ce n’est pas facile. Vous savez qu’il va falloir un peu de sang, de sueur et de larmes pour faire avancer les choses.