Le festival du film était plein de protagonistes condamnés, de meurtres graphiques et d’enfants poussés au crime. Mais une poignée avait aussi de l’espoir.
Photo-Illustration : Vautour ; Photos par MGM, NEON et Loaded Films
Tous ceux qui sont venus à Cannes dans l’espoir de trouver le prochain Parasite ou Conduire ma voiture repart probablement déçu. L’édition 2022 n’a vu aucun film envoyer des critiques sur la Croisette, et bon nombre des titres les plus attendus se sont avérés diviseurs ou décevants. (Claire Denis, que s’est-il passé ?) Mais bien sûr, c’est toujours Cannes, une messe de deux semaines à l’église du cinéma, où le standard de qualité est plus élevé qu’ailleurs. Parmi les dizaines de films que nous avons projetés au cours de notre séjour en France, ce sont nos préférés.
De George Miller, l’esprit brillamment loufoque derrière Mad Max: Fury Road et Babe 2: Cochon dans la ville, vient ce conte de fées maximaliste dans un conte de fées dans un conte de fées (sur les contes de fées). Tilda Swinton incarne la «narratologue» Dr Alithea Binnie, une universitaire qui donne des conférences sur la narration et son évolution à travers les âges. Un jour, elle entre en contact avec un être dont elle pensait auparavant qu’il ne fonctionnait que comme métaphore : un Djinn, sorti d’une ancienne bouteille et joué avec esprit et intelligence par Idris Elba. Le Djinn a besoin d’Alithea pour faire trois souhaits afin qu’il puisse être libre; Alithea sait mieux. Alors que les deux débattent, plaisantent et se racontent des histoires sur leur vie, ils commencent à tomber amoureux. Si cela semble être un peu trop, eh bien, oui. Mais c’est George Miller, et il est si sérieux et si pur ici qu’il est capable de lancer un sort convaincant. —Rachel Handler
L’une des parties éclairantes des festivals de films internationaux est de voir comment les mêmes problèmes sociaux qui assaillent les États-Unis apparaissent de différentes manières à travers le monde. Prendre RMN., la dernière étude sociale noire de charbon de l’auteur roumain Cristian Mungiu (4 mois, 3 semaines, 2 jours), à propos d’une réaction xénophobe qui contrecarre le projet d’une boulangerie locale d’embaucher trois travailleurs sud-asiatiques. Une partie de ce drame est unique à la Roumanie : le village est déjà divisé entre les locuteurs du roumain et du hongrois, et tout le monde est très fier de s’être débarrassé des gitans. Mais il n’y a pas de suffisance à regarder ces ex-Commies ici. Un téléspectateur américain peut imaginer que ces mêmes événements se déroulent aux États-Unis avec étonnamment peu de changement. Sa scène hors concours, dans laquelle le compromis veule et le principe ferme s’avèrent complètement inutiles contre les conneries de Facebook, est la dernière demi-décennie de la politique mondiale dans le microcosme. —Nate Jones
« Body is Reality » dans le dernier film de David Cronenberg, qu’il a écrit il y a plus de 20 ans mais qu’il a relancé récemment après une interruption de huit ans du cinéma. C’est difficile à résumer en une phrase ou deux, mais essayons : c’est le futur proche, et la chirurgie est le nouveau sexe — c’est-à-dire que les gens se coupent les uns les autres comme un sport récréatif parce qu’ils ne peuvent plus ressentir la douleur ou attraper des infections. . Beaucoup d’entre eux, à leur grand désarroi, font aussi pousser de nouveaux organes ; l’un d’eux, Saul Tenser (Viggo Mortenson), les présente en public dans le cadre d’un projet de performance avec sa compagne, Caprice (Lea Seydoux). Lorsque les « insectes bureaucratiques » du National Organ Registry (Kristen Stewart et Don McKellar) deviennent fascinés par Tenser – que Stewart a décrit comme un avatar artistique de Cronenberg – les choses deviennent encore plus floues et plus étranges. Crimes est beau, drôle, foutu et plein de plans de quelqu’un qui se tranche l’abdomen – en d’autres termes, Classic Cronenberg. —HR
Kelly Reichardt nous a offert un Pacific Northwest Gemmes non taillées — L’artiste céramiste de Michelle Williams a une exposition en galerie dans quelques jours, mais avant qu’elle ne puisse mettre ses sculptures dans le four, les conneries des autres ne cessent de se mettre en travers de son chemin ! Il s’agit d’un rôti léger d’un monde où même les adultes au bord du précipice de l’âge moyen semblent être des enfants trop grands, et il présente le meilleur jeu d’acteur animal de tout le festival d’un pigeon blessé, ainsi que le meilleur générique à l’écran de Cannes : « Flûte d’André Benjamin. » —New Jersey
Ce coup de poing d’un film vient de Chie Hayakawa, une cinéaste japonaise pour la première fois qui a développé le long métrage de son court métrage de 2018 avec le même titre. Le film se déroule dans une version alternative du Japon où, face à une population qui vieillit rapidement et « épuise les ressources financières », le gouvernement décide d’offrir à toute personne de plus de 75 ans la possibilité d’être euthanasiée gratuitement. À travers les yeux de trois personnages – une femme de chambre d’hôtel de 78 ans qui vient de perdre son emploi, une jeune et insensible greffière du Plan 75 et une femme qui doit arrêter de s’occuper des personnes âgées parce que cela ne paie pas assez et transférer au Plan 75 à la place – nous voyons à quel point ce concept est nocif, non seulement pour ceux qu’il affecte directement, mais pour la société dans son ensemble. Hayakawa a été amené à écrire le film après les coups de couteau de Sagamihara à Tokyo en 2016, où un jeune homme a tué 19 personnes dans une maison de retraite pour personnes handicapées et a déclaré qu’il essayait « d’alléger le fardeau » de leurs familles : « J’étais furieux et j’ai pensé, si Le Japon devait accélérer sur cette voie de l’intolérance, à quoi cela ressemblerait-il ? » —HR
Ce montage kaléidoscopique de la carrière de David Bowie est mieux apprécié en s’asseyant le plus près possible du plus grand écran que vous puissiez trouver. Heureusement, ça jouera en IMAX. Reprenant au début des années 70 alors que Ziggy Stardust vient de bouleverser la musique pop, Rêve remixe des interviews et des séquences de concerts, de l’art visuel des archives de Bowie et des extraits de ses myriades d’influences pour créer une symphonie visuelle écrasante. Les points forts incluent une reprise glam de « Love Me Do » et une version de « Heroes » réalisée en toute splendeur arène-rock. La notion de « vrai » Bowie reste insaisissable tout au long, mais le film de Brett Morgen est un hommage et une illustration de son toujours aller de l’avant philosophie – tout en laissant de la place à l’époque où Bowie, comme chacun d’entre nous, faisait des conneries. —New Jersey
Personne ne fait des études de caractère comme Mia Hansen-Løve, dont la dernière suit Léa Seydoux en tant que mère célibataire aux prises avec le déclin cognitif de son père, élevant sa jeune fille courageuse et tombant amoureuse d’un vieil ami (qui se trouve également être marié ). C’est un petit film calme et sexy, plein de luxure, de dévastation et de douceur. C’est aussi une vitrine pour Seydoux, qui est magnifique dans un rôle qui est peut-être exactement à 180 degrés du Cronenberg. Dans une interview avec Variété, Hansen-Løve a reconnu que c’était aussi profondément personnel : « Je voulais traiter de quelque chose qui m’est arrivé plusieurs fois, où vous rencontrez la possibilité de tomber amoureux, tout comme vous êtes en deuil, et vous vous éloignez de la douleur .” —HR
Nous savions que Park Chan-wook pouvait faire des choses scandaleuses. (Voir: Vieux garçon et La servante.) Mais il s’avère qu’il peut aussi nous donner quelque chose d’un peu plus classique et sobre. Dans Décision de partir, Park a produit son point de vue sur une romance d’Hitchcock : un flic enquêtant sur la mort d’un alpiniste commence à soupçonner la femme de l’homme. Plus il enquête, plus il tombe amoureux d’elle; plus il tombe amoureux d’elle, plus il enquête. Elle semble partager ses sentiments, mais est-elle sincère ou l’utilise-t-elle simplement ? Délicieusement sinueux et plein de l’esprit visuel caractéristique de Park (une photo du POV de l’homme mort m’a presque fait me lever et applaudir) Décision de partir a été l’expérience de visionnement la plus agréable que j’ai vécue de tout le festival. —New Jersey
Ruben Östlund Triangle de tristesse avait tout le buzz, mais sur une base de rires par minute, il n’y avait pas de comédie plus drôle à Cannes que Pages drôles. Réalisé par Owen Kline – oui, le gamin de Calmar et la baleine, qui est maintenant un collaborateur des frères Safdie âgé de 30 ans – c’est une comédie sur le passage à l’âge adulte sur un dessinateur en herbe qui abandonne le lycée pour commencer une carrière d’artiste étranger, faisant chier presque tout le monde dans sa vie le long de la façon. Rauque, scabreux et imprégné d’une énergie bizarre, Pages drôles ressemble au genre de film que vous seriez recommandé par un employé averti de Kim’s Video. —New Jersey
Ce petit bijou déchirant d’un film nous donne Paul Mescal dans son ère de père triste, parent seul en vacances en Turquie avec sa fille de 11 ans dans les années 90, il sombre lentement dans une dépression. Écrit et réalisé par la cinéaste écossaise Charlotte Wells dans son premier long métrage, le film met également en vedette la nouvelle venue Frankie Corio, qui est fantastique et sans effort dans le rôle de Sophie, une fille essayant de combler le fossé entre elle et son père tout en le cajolant pour qu’il fasse du karaoké REM. et la laisser faire un enveloppement de cheveux. Après-soleil, qui est filmé comme un flashback et en partie sur des images de caméscope, est un film sur la mémoire et l’enfance – son flou, sa qualité déchirante, la façon dont il peut nous réveiller au milieu de la nuit 20 ans plus tard. C’est aussi une pièce délicieusement détaillée de la période des années 90, jusque dans la garde-robe, tous les t-shirts Adidas et gonflés et les grosses montres-bracelets. —HR
La plupart des films que j’ai vus à Cannes cette année étaient implacablement sombres, pleins de protagonistes condamnés, de meurtres graphiques et de petits enfants contraints par les circonstances à des projets criminels irréfléchis. Dans cette optique, un film doux comme celui d’Hirokazu Kore-eda Courtier se démarque. En Corée, deux baby-nappers (l’un d’eux joué par Parasite(Song Kang-ho) partent sur la route, accompagnés de la mère biologique, dans l’espoir de vendre l’enfant dans un foyer aimant. Le trio est poursuivi par une paire de flics, ainsi que par des hommes de main embauchés par la femme du défunt père du bébé. Cela ressemble à la configuration pour un loufoque, Élever l’Arizona–aventure de style, mais si vous avez vu Voleurs à l’étalage, qui a remporté la Palme en 2018, vous savez que ce n’est pas le style de Kore-eda. Il préfère les drames doux sur les familles de fortune, il n’est donc peut-être pas surprenant que ce groupe de lowlifes acquière un deuxième enfant et devienne lentement sa propre unité domestique fonctionnelle. Courtier peut-être trop séveux pour certains, et parfois il pourrait être pris pour un agitprop pro-vie, mais j’ai été réchauffé par son portrait de l’éducation des enfants comme une responsabilité commune. À la fin d’un festival stressant, c’était exactement ce dont j’avais besoin. —New Jersey
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