Le grand film d’été de Disney et Pixar Année-lumière est arrivé sur le service de streaming Disney Plus après avoir rapporté environ 120 millions de dollars au box-office national. Il s’agit, pour le moment, du 10e plus gros brut nord-américain de 2022, ce qui représente plus d’argent qu’un certain nombre de succès, dont Les méchants, La cité perdue, Pousser un criet Le téléphone noir. C’est aussi, selon les standards de Disney et Pixar, un échec.
Rétrospectivement, cela n’a pas beaucoup de sens de comparer Année-lumière‘s finances à la série Toy Story qui l’a engendré. Année-lumière se positionne comme le « vrai » film qui a rendu Andy, le personnage humain principal des trois premiers films Toy Story, obsédé par Buzz l’Éclair. Mais tout l’accord Toy Story repose sur l’idée que les propriétaires de jouets pourraient les imprégner d’une vie intérieure riche, imaginative et profondément humaine bien au-delà de leurs origines plastiques, ce qui rend Année-lumière‘s humanisation de Buzz quelque part entre redondant et obsolète. Ses recettes décentes ressemblent également à une base minimale pour son studio. Seulement En avant, sorti quelques jours seulement avant que la pandémie de COVID-19 ne ferme les salles de cinéma dans tout le pays, a attiré moins de personnes vers une large sortie en salles d’un film Pixar. (Oui, Le bon dinosaure était légèrement plus populaire que Année-lumière.)
À la fois, Année-lumière a un élément inhabituel et convaincant: il aborde de manière préventive son propre échec à travers son scénario. Le film consiste essentiellement à apprendre à accepter la déception et les autres conséquences d’une erreur, plutôt que de réparer ou d’annuler héroïquement l’erreur.
Image : Pixar
Année-lumièreL’accent mis sur l’échec est un thème qu’il a en commun avec un certain nombre de films Pixar de la dernière décennie. Pendant ce temps, le studio est resté une centrale au box-office; la moitié de ses plus grands succès sont sortis depuis 2012. Pourtant, il y a des fissures dans la façade du studio, que ce soit sous la forme de critiques moins enthousiastes que celles qui l’ont accueilli. Ratatouille/WALL-E/En haut série de la fin des années 2000, une dépendance globale aux suites et aux préquelles, ou le déficit occasionnel au box-office comme Le bon dinosaure – un film étrange et intéressant qui était aussi la première production Pixar qui avait l’impression d’être sortie pour le sortir pour une date de sortie, pas parce qu’il était totalement prêt.
Il est donc naturel que la prédilection de Pixar au cours de la première décennie pour les films sur la parentalité (Histoire de jouet, Le monde de nemo), talent exceptionnel (Ratatouille, Voitures, Monsters Inc.), ou la parentalité de l’exceptionnel (Les incroyables) pourrait céder la place à des films qui envisagent l’échec et la déception au-delà du revers du deuxième acte des manuels. C’est plus perceptible dans Université de monstresune préquelle de Monsters Inc. cela explique comment le petit monstre vert Mike (Billy Crystal) est devenu une si grande équipe avec son grand copain bleu Sully (John Goodman). Le film se déroule pendant leurs années d’université et révèle que la plus grande ambition de Mike était d’être un maître effrayeur – pour perfectionner exactement le genre de capacité qui vient naturellement à Sully. Dans la fin surprenante du film, Mike ne mène pas une équipe d’outsiders décousus à la victoire et ne prouve pas qu’il est un champion digne d’effrayer. Il fait de son mieux, s’améliore considérablement en tant qu’effrayant, et ses efforts ne sont toujours pas suffisants pour réaliser le rêve de sa vie. Mike prend un autre chemin, trouvant le succès en aidant le plus naturellement talentueux Sully (et, dans le film original, trouvant finalement sa véritable vocation en faisant rire les enfants plutôt que de crier de peur).
À certains égards, cela peut sembler être une extension de l’exceptionnalisme rebutant de Pixar (voir les films de Brad Bird au studio en particulier) – un avertissement aux enfants du public qu’ils n’ont peut-être pas le talent naturel nécessaire pour réussir. Mais le grand nombre de films pour enfants qui offrent des assurances insipides sur le fait d’être soi-même, de croire en soi et de réaliser l’impossible justifie amplement une correction plus réaliste, accompagnée du corollaire plus réconfortant que le bonheur ne dépend pas nécessairement de la réalisation d’un rêve de jeunesse. Beaucoup de Université de monstres est une parodie mignonne mais légère des comédies du campus, il est donc particulièrement impressionnant de voir le film travailler vers une vérité cruciale de l’expérience universitaire: que les expériences poursuivies avec une telle virulence chez les jeunes peuvent ne pas être directement corrélées au travail qui définit votre vie.
La tension entre les attentes juvéniles de grandeur et les réalités plus nuancées de la vie professionnelle «normale» alimente également Pixar Âme. Joe (Jamie Foxx), le héros du film, est un professeur de musique au collège qui aspire à réussir en tant que musicien de jazz ; c’est ce désir qui le pousse à retrouver le chemin de son corps abîmé lorsqu’un accident envoie son âme vers l’au-delà (c’est-à-dire planant près de la mort). Encore une fois, Pixar force de manière provocante un protagoniste outsider à remettre en question la probabilité pratique qu’un grand rêve mène à un succès durable, cette fois dans un film qui explique explicitement si «l’étincelle» d’une âme est la même que le but de cette personne dans la vie. Vers la fin du film, après avoir retrouvé son corps, Joe joue un spectacle réussi en tant que pianiste de jazz. Cela ne lui procure pas instantanément un épanouissement spirituel ou, à un niveau plus pratique, ne le catapulte pas au niveau supérieur en tant que musicien professionnel. Il a besoin de regarder sa vie de manière plus holistique ; le succès peut encore ressembler à un échec si vous n’appréciez pas ce que vous avez, et ainsi de suite.
Comme beaucoup de ÂmeLa mécanique métaphysique de , ses idées sur «l’étincelle» et le but sont compliquées d’une manière qui frise les alambiquées. Ils entrent également en conflit avec l’ambiance de haut niveau de Pixar susmentionnée d’une manière qui menace de rendre le film déconnecté. Vraisemblablement, de nombreux animateurs, écrivains et autres cinéastes travaillant sur Âme vivent en fait leur rêve créatif; dans cet esprit, il peut être plus difficile d’accepter leurs ruminations élevées d’esprit sur la progression dans la vie avec une appréciation de ses plaisirs plus simples. Un public plus jeune qui ne pense pas à qui fait ces films pourrait simplement être perplexe face à toute cette discussion sur le but de la vie et l’étincelle intérieure.
Âme se sent souvent comme une réécriture plus désordonnée de À l’envers, qui est le film le plus clair et le plus satisfaisant de Pixar pour faire face à l’échec, bien qu’il le fasse de manière indirecte. Riley, la fille de 11 ans dont la tête se déroule en grande partie dans le film, n’échoue pas dans sa vocation choisie; elle est juste dans une phase où rien dans sa vie ne semble aller bien, et sa stratégie habituelle encouragée par les parents de mettre un visage heureux sur ses défis et ses déceptions ne fonctionne plus pour elle. La thèse ultime du film, selon laquelle une vie bien remplie sera nécessairement pleine de joie et de tristesse, est émotionnellement sophistiquée et communiquée d’une manière claire et élégante qu’une grande partie du public comprendra.
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Ce sont les hauteurs qui Année-lumière ne parvient pas à frapper, bien que le film ait un peu plus de poids émotionnel que ce à quoi on pourrait s’attendre d’une extension de franchise qui ressemble souvent au résultat d’une retraite de constitution d’équipe d’entreprise. Confondant quiconque s’attend à une grande aventure galactique à travers les planètes, le film parle principalement de Buzz (Chris Evans) qui a accidentellement bloqué une équipe d’explorateurs spatiaux sur une planète lointaine et hostile, puis s’est poussé à la limite dans le but de réparer son erreur. . Ces tentatives se traduisent par une série de missions de saut dans le temps; la vie de son ami le plus proche passe, Interstellaire-style, car Buzz échoue à plusieurs reprises à atteindre ses nobles objectifs. Finalement, il doit faire face à la fois à son incapacité à réparer ces dégâts et à son désir implacable de jouer seul le héros réparateur. Il est facile d’imaginer Buzz en tant que cinéaste Pixar, convaincu que s’il ne cesse de marteler une histoire capricieuse, il peut lui donner une forme qui plaira à la foule.
Année-lumière n’atteint pas tout à fait cette forme. Qu’il tente même de s’attaquer à quelque chose comme Interstellaire pour les enfants est à la fois admirable et, peut-être, un exemple d’orgueil à la Buzz. Encore une fois, le film reflète Buzz lui-même. Tout comme Buzz l’Éclair réduit le sentiment de science-fiction de haut vol du film en passant la majeure partie de son film à lutter pour réparer une erreur arrogante qu’il a commise au début, Année-lumière lui-même dépense beaucoup d’énergie à essayer de créer quelque chose d’émotionnel et d’émouvant à partir d’une jolie idée de mercenaire pour transformer Toy Story en une deuxième franchise. Ce qu’il y a de plus intéressant Année-lumière C’est aussi ce qui le rend vaguement insatisfaisant : pendant une grande partie de sa durée, il semble expier son existence, désespéré de prouver que les cinéastes peuvent faire de la magie avec la franchise.
Le film est étonnamment proche de réussir, renversant même la fabrication du mythe du bien contre le mal des films Toy Story en opposant Buzz à lui-même, à la fois au sens figuré et au sens littéral. Finalement, il se rend compte qu’il peut aller de l’avant avec une mission et un groupe d’amis qui ne faisaient pas partie de son plan initial. Pourtant, certains des films axés sur l’échec de Pixar ont le sentiment que des extraterrestres tentent de comprendre leurs inférieurs humains – comme s’ils apprenaient simplement l’idée que les entreprises créatives ne se traduisent pas toujours par des éloges de la critique, des récompenses et des milliards de dollars en marchandisage.
Cela a plus à voir avec l’identité collective de l’entreprise. Malgré les succès sans précédent de l’entreprise, presque tous ceux qui travaillent chez Pixar ont sans aucun doute connu une sorte de déception, d’échec ou de revers sur le plan personnel, et ceux-ci informent probablement les moments de vérité qui traversent des films comme Année-lumière ou Âme, bien plus souvent que dans la plupart des autres studios d’animation américains. Le résultat est une lutte très contemporaine entre l’art et l’image de marque ; dans Année-lumière, c’est le branding qui en prend pour une fois le coup. Revenez dans quelques années — il est possible que l’échec de Année-lumière devenir un smash acclamé d’un milliard de dollars deviendra la chose la plus précieuse à ce sujet.