Cette interview avec Règne animal Le film a été initialement publié en même temps que la sortie du film aux États-Unis. Il a été mis à jour et réédité pour les débuts du film sur Hulu.
Dans le film de science-fiction français Le règne animalLe monde change et les humains aussi. Une mutation commence à transformer les humains en hybrides animaux, créant une variété d’oiseaux-humains, d’insectes-humains, de mammifères-humains et de nombreux autres nouveaux types d’êtres. Au milieu de ce bouleversement se trouve une famille divisée : la mère, en pleine mutation, a disparu d’un transport médicalisé, ce qui laisse le père et le fils désespérément à sa recherche. Le film fantastique est désormais disponible à la location numérique et en streaming sur Hulu, après avoir été projeté à l’origine à Cannes et dans d’autres festivals de cinéma en 2023.
La conception de la créature dans Le règne animal est un parfait exemple de la façon dont les effets pratiques et numériques peuvent fonctionner en harmonie pour se renforcer mutuellement, créant un effet impossible à obtenir par l’un ou l’autre seul. Le réalisateur Thomas Cailley et son équipe ont utilisé un mélange de divers effets pratiques (costumes, maquillage, animatronics) et d’effets numériques pour créer certains des designs les plus évocateurs et originaux depuis des années, comme un pangolin-humain écailleux ou un caméléon-humain qui peut se fondre dans l’environnement.
Mais au cœur du film se trouve la relation émouvante entre le père et le fils. Romain Duris (Aramis dans la dernière adaptation à succès française de Les trois Mousquetaires) est incroyablement émouvant dans son interprétation du père, François, qui fait ressortir sa peur de perdre sa famille bien-aimée et l’attention profonde qu’il porte à eux quelles que soient les circonstances. La performance de Paul Kircher dans le rôle de son fils, Émile, est transcendante, en particulier lorsque l’adolescent commence à subir des changements inattendus, faisant évoluer chaque élément de sa performance physique tout en conservant l’âme lunatique d’un adolescent en difficulté. Ensemble, ils donnent vie à une relation complexe dans un monde agité.
Fascinant et infiniment discutable, notamment dans les questions qu’il pose sur l’humanité et la façon dont nous traitons ceux qui sont différents de nous, Le règne animal Le film dépeint avec beaucoup de soin son monde en mutation. La présence de ces peuples hybrides provoque des réactions diverses chez les humains du film : compassion, peur, colère, dégoût. Certains sont profondément préoccupés par la façon dont les peuples hybrides sont traités et prônent la coexistence, tandis que d’autres forment des milices et prônent la violence. Tout cela donne une représentation très réaliste de la façon dont notre société réagit aux personnes qui sont considérées comme des autres, sous toutes leurs formes.
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Le postulat central du film invite à de nombreuses lectures allégoriques différentes : s’agit-il de race ? De handicap ? De genre ? De xénophobie ? Cailley a-t-il apprécié la vaste gamme d’interprétations dans les réactions du public jusqu’à présent, mais le réalisateur insiste sur le fait qu’il n’y a pas de bonne réponse. Tout cela se combine pour donner l’un des films les plus intrigants de l’année et l’une des meilleures œuvres originales de science-fiction de mémoire récente. Avant la sortie, Polygon a parlé à Cailley de la moralité compliquée du film, des effets magnifiques et de ses créations de créatures préférées avec l’aide d’un traducteur, Nicholas Elliot.
Polygon : Quelle est la genèse de l’idée du projet et comment avez-vous commencé à vous impliquer ?
Thomas Cailley : Au départ, je voulais raconter une histoire père-fils, et je voulais qu’il y ait un élément fantastique, quelque chose qui déplace le récit, qui l’emmène ailleurs. Et par hasard, j’ai rencontré une jeune femme [Pauline Munier] qui était une scénariste qui était encore à l’école, en fait pour l’écriture de scénarios à l’époque. Et elle avait écrit une histoire sur l’hybridation entre les animaux et les humains, et je l’ai trouvée très intéressante. Et donc nous avons commencé à travailler sur un projet ensemble. C’était en 2019, il y a quatre ans.
Quelle était votre relation avec le genre de la science-fiction avant de réaliser ce film ?
Eh bien, mon premier film [Love at First Fight] Le film glisse progressivement vers une sorte de science-fiction ou d’anticipation. C’est l’histoire d’une jeune femme qui est persuadée, qui est convaincue que le monde va finir, et à la fin du film, cela arrive effectivement. Et c’est quelque chose qu’il fallait montrer, il fallait le mettre en scène. Au départ, ce n’était pas prévu quand j’ai commencé à écrire mon premier long-métrage. Et en le faisant, j’ai découvert le plaisir d’inventer ce genre d’images. Et c’est donc quelque chose que j’ai eu envie de retrouver avec un autre film, de retrouver cette liberté qu’on a en travaillant sur le genre qui permet d’aller plus loin dans la croyance dans les personnages.
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Quelle était votre philosophie et votre approche pour concevoir les créatures du film ?
Le concept de la mutation est qu’elle part du corps humain pour se déplacer vers quelque chose de différent, vers une autre frontière, un nouvel horizon, et nous avons essayé de le garder réaliste et organique. Dans la plupart des films qui traitent de la mutation, il y a quelque chose de magique ou d’accéléré dans la mutation : on se transforme parce qu’il y a une pleine lune dehors, ou on enfile un costume et on est alors mi-homme, mi-animal. Ici, nous voulions quelque chose de beaucoup plus progressif qui serait en quelque sorte une maladie, et c’était la chose la plus difficile à faire.
Les premières réunions que nous avons eues pour préparer le film, ce qui était vraiment terrifiant, c’est que nous avions l’impression de devoir faire du 100% CGI, du 100% effets numériques, et je ne voulais absolument pas ça. Donc ce que nous avons essayé de faire, c’est de combiner tous les types d’effets possibles. Dans la plupart des scènes, vous avez affaire à de vrais acteurs, il y a un vrai corps devant la caméra tout le temps. Et nous avons travaillé très dur pour faire des choses avec du maquillage, des prothèses, des animatronics, c’est-à-dire des robots. Et quand nous ne pouvions vraiment pas le faire, nous avons utilisé du CGI. Il y a donc une hybridation de technologie que vous voyez dans chaque plan du film. Le cocktail que nous utilisons est toujours différent. Et ce qui est vraiment intéressant dans ce cocktail, c’est d’une part, c’est plus réel, il n’y a pas d’écran vert, pas de capture de mouvement ; et d’autre part, parce que le mélange est toujours différent, de technologies, l’œil du spectateur n’a jamais la chance de s’habituer à ce qu’il voit et de comprendre ce qui se passe, en termes de technologie.
Juste pour terminer là-dessus puisque vous me posez la question de la philosophie, j’ai commencé à travailler avec un auteur de bande dessinée. Et puis j’ai travaillé avec des gens qu’on appelle des character designers. Quand j’ai commencé l’écriture au tout début, l’idée était que la mutation se faisait de l’être humain vers l’animal tel qu’on le voit dans la nature, mais au fur et à mesure que j’avançais dans le tournage, et que je rencontrais les acteurs qui allaient jouer ces personnages, je trouvais que ce serait beaucoup plus intéressant que chaque personnage invente le personnage qu’il allait incarner. Et donc on s’est dirigé vers ces formes originales atypiques qui ne sont en fait pas exactement ce qu’on trouve dans la nature. Et donc ce n’est pas tant un retour à la nature qu’une découverte d’une nouvelle humanité, d’une nouvelle frontière de l’évolution.
C’est très intéressant, surtout la relation entre l’hybridation des techniques et l’hybridation des espèces dans le film. Y a-t-il des créatures que vous affectionnez particulièrement ? Pour moi, le plan le plus frappant du film est peut-être celui avec la personne qui a une peau de reptile et dont on voit les omoplates bouger alors qu’elle se faufile dans l’herbe.
C’est intéressant que tu parles du reptile, parce que c’est aussi l’une de mes créatures préférées. Et c’est assez représentatif de notre travail. Tu sais, c’est un personnage qu’on ne voit jamais dans son intégralité. Mais on a cette image de son dos. Et l’idée de son dos est venue d’un danseur contemporain que j’ai découvert et qui a une ossature ou une structure squelettique et des muscles très intéressants. Et quand ce danseur se couche à plat sur le sol, ses omoplates se redressent littéralement, créant un relief très intéressant sur son dos, ce qui est dérangeant parce qu’il est humain, mais c’est aussi autre chose. Donc dans le cas de cet acteur qui joue le reptile, on lui a littéralement mis une nouvelle peau sur le dos et on lui a demandé d’avancer comme un reptile. Et ce que vous voyez de son dos et de sa structure squelettique est vraiment en partie humain et en partie animal. J’ai aussi beaucoup aimé la femme-calamar dans le supermarché, qui est d’ailleurs aussi une danseuse.
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En ce qui concerne le travail avec les acteurs pour concevoir les créatures, y a-t-il eu des « Eurêka ! des moments qui ressemblaient à, Oui, cette personne a vraiment compris ce que je voulais ici?
Il y a un moment dans le film. C’est le moment où François, le père d’Emil, se bat contre une créature derrière le restaurant. C’est la créature homme-morse. Et ce combat est interrompu par la collègue de François. Elle frappe la créature avec une pagaie de canoë. Et à ce moment-là, la créature et la femme échangent des regards. Et c’était vraiment un moment magnifique, j’ai pensé. L’acteur dans ce costume ne pouvait pas du tout voir, à cause du costume. Mais il avait compris quelque chose sur le mouvement physique nécessaire et le temps s’est vraiment arrêté. Il y a une combinaison dans ce moment qui est très poétique de la compréhension de la scène par l’actrice, la compréhension de la scène par l’acteur aveugle, et de ce que font trois ou quatre personnes qui contrôlent les animatronics, parce qu’il y a comme 1 000 moteurs dans la tête de cette créature, ce qu’ils font, et cela fait que cette scène de combat se transforme en une rencontre entre deux êtres. Et donc ce moment m’a vraiment époustouflé parce que j’ai senti toute une équipe se rassembler et être vraiment alignée.
Il y a beaucoup de thèmes dans le film que l’on peut lire comme des allégories. Y avait-il des sujets contemporains auxquels vous pensiez spécifiquement ?
Bien sûr, il y a un sujet très universel dans le film, qui est la relation parents-enfants et la transmission, la transmission des choses sur deux générations. C’est le sujet profond du film, ce que signifie laisser quelque chose à quelqu’un : François, qui transmet un monde à son fils, Emil. Et c’est une question qui me touche beaucoup, parce que je suis un père relativement récent, et je trouve cette question de ce qu’un parent transmet à ses enfants vraiment mystérieuse. Tout au long du processus de réalisation de ce film, nous avons essayé de ne pas limiter la métaphore. Je pense que ce qui est intéressant dans la fantasy, quand elle fonctionne, c’est que chacun peut l’interpréter comme il le souhaite.
J’ai donc été très heureuse de voir que beaucoup de gens y voyaient des métaphores différentes. Certaines personnes m’ont parlé de la métaphore des différences, de la façon dont nous acceptons la différence. Certaines personnes m’ont parlé de la crise des migrants en Europe aujourd’hui. Certaines m’ont parlé de la psychiatrie, de la situation de la psychiatrie en France et en Europe. Certaines m’ont parlé des personnes racialisées, ce qui est le terme français pour désigner une identité raciale non centralisée. Et d’autres m’ont parlé de la transition de genre. Je pense que le pouvoir de la fantaisie, quand elle fonctionne, c’est que tout n’est pas résolu. On laisse de la place au spectateur.
Le règne animal est diffusé sur Hulu et est disponible à la location numérique ou à l’achat sur Amazone, Vuduet des plateformes similaires.