ALERTE SPOILER : Cet article discute des détails de l’intrigue de « Speak No Evil », actuellement au cinéma.
Lorsque le réalisateur de « Speak No Evil », James Watkins, s’est assis pour écrire un scénario basé sur le film d’horreur danois de 2022 de Christian Tafdrup, il avait une personne en tête pour jouer un père trompé et dérangé.
« Je suis sûr que beaucoup d’autres acteurs brillants auraient pu jouer ce rôle », déclare Watkins à propos du personnage du patriarche dans le film. « Mais quand j’ai écrit le scénario, je me suis dit : « James McAvoy, je l’imagine parfaitement jouer ce personnage. »
Le remake suit une famille britannique (McAvoy, Aisling Franciosi) qui invite une famille américaine (Mackenzie Davis, Scoot McNairy) à passer des vacances dans leur maison isolée à la campagne. Mais lorsque la famille américaine réalise que tout n’est pas ce qu’elle semble être, l’enfer se déchaîne.
Ici, Watkins explique pourquoi il a choisi d’utiliser « Cotton Eye Joe » dans une scène de danse, ce que c’est que de refaire un film étranger et sa décision de changer la fin originale, « brillamment sombre ».
Qu’est-ce qui vous a poussé à faire un remake d’un film étranger ?
On m’a déjà proposé des remakes, mais ça ne m’a pas intéressé. Je suppose qu’il faut aimer le matériel original. Mais il faut aussi trouver un moyen d’y apporter quelque chose de soi-même ou quelque chose d’un peu différent. Sinon, il ne me semble pas utile de refaire exactement le même film, car le film existe et il est bon, et les gens peuvent le voir. C’était plutôt du genre : « OK. J’aime vraiment cette histoire, j’aime vraiment ces thèmes. Je peux voir une façon de m’appuyer dessus, de le supplanter, de l’aborder de manière légèrement différente, sur le plan du ton, de la culture, du thème, des choix de personnages. »
Vous souvenez-vous de la première fois où vous avez vu le film danois original?
Je le fais parce que je ne l’avais pas vu. Alors Blumhouse me l’a envoyé et m’a dit : « Écoute, voici un lien. Regarde ça. Vois si tu penses qu’il y a quelque chose pour toi. » Je pensais que Christian [Tafdrup]Le film de était brillant. Je l’ai trouvé incroyablement sombre, une sorte de purificateur d’air. Il était si impitoyable. Et la fin, elle, était très puissante. J’ai fait un film il y a longtemps intitulé « Eden Lake », qui a une fin tout aussi sombre et impitoyable. [Christian] J’avais vu ce film, et c’était une référence pour lui. C’est donc une sorte de cycle.
Je voulais que la fin soit légèrement différente pour plusieurs raisons. La première chose que j’ai eue avec Blumhouse, c’est de la déplacer au Royaume-Uni. Je lui ai dit : « Écoutez, si je peux le faire au Royaume-Uni, je pense que je peux le rendre réel. » Il y a des personnages que je peux connaître, et ce ne sera pas juste générique. Mais je voulais aussi ces Américains. J’ai grandi en Angleterre et un peu en Amérique, alors je me suis dit : « Ok, si j’ai ces Américains qui arrivent, cette collision culturelle qu’ils ont, et la façon dont cela alimente les thèmes de Christian, change immédiatement les choses. »
Le film original mettait l’accent sur les différences culturelles entre une famille néerlandaise et une famille danoise. Comment avez-vous essayé de traduire ces thèmes et ces différences culturelles dans une famille britannique et américaine ?
Il existe une sorte de cliché selon lequel les Américains sont très ouverts et les Britanniques très réprimés. Mais je pense qu’il existe aussi une sorte de tribu de Britanniques, comme Paddy, qui sont très falstaffiens et très agressifs. Et il y a un type d’Américains de la côte Est diplômés de Harvard qui sont assez réprimés.
Quel a été le processus d’écriture consistant à construire à partir de quelque chose qui existait déjà ?
Ce serait mentir de dire que ça n’aide pas énormément. À chaque tournant, on se demande : « Je me demande pourquoi ils ont fait ça ? Je vais aller dans telle direction. » Beaucoup de travail a déjà été fait. Je voulais vraiment me pencher davantage sur l’humour. Le film de Christian a une certaine austérité. Je disais l’autre jour à McAvoy que le film de Christian était un album acoustique et le nôtre une sorte de guitare électrique. C’est une reprise, mais je l’ai amené musicalement dans une autre tonalité. Je pourrais apprécier davantage l’horreur en appréciant davantage l’humour. De la même manière que des gens comme Ruben Ostlund, ou des cinéastes que j’admire vraiment, apprécient cet humour du dégoût, de la gêne sociale. « White Lotus » le fait. C’est ce sentiment de « comment me sentirais-je dans cet environnement ? »
Qu’est-ce qui vous a poussé à choisir de changer la fin originale ?
Dans le film de Christian, on va jusqu’au bout, on se rend compte à quel point la société polie peut vous enchaîner. Je voulais arriver à ce point final dans le deuxième acte. Et ensuite, je voulais construire thématiquement dessus à cause du danger mortel. Le personnage de Scoot McNairy est cet homme qui se sent comme un tas de ferraille. Il voit en Paddy une figure de mentor, un mauvais mentor qui lui promet une masculinité à l’ancienne. Ben s’inscrit pour ça et pense que ce couple décontracté va les libérer et que ce sera un week-end de thérapie de couple étrange.
Et puis l’ironie, c’est que lorsque nous entrons dans le troisième acte, ce genre de modèle est considéré comme complètement faux, mais aussi cette idée de ce que Ben pense être sa masculinité, ou ce qu’elle devrait être, est complètement fausse. La personne qui prend réellement le dessus est sa femme, et l’idée de ce genre de tropes de masculinité est montrée comme étant complètement absurde. Ce n’est pas une question de genre, de qui est fort.
Et puis avec Ant, le jeune garçon, je voulais suivre tout ce thème, en termes de poème de Philip Larkin sur la façon dont la violence est en quelque sorte cyclique. « L’homme transmet la misère à l’homme. » Il y a une réelle ambivalence dans le fait qu’Ant tue Paddy. Les gens pourraient vouloir la catharsis de cette libération, mais je ne pense pas qu’on puisse dire que c’est une fin hollywoodienne. C’est une version assez européenne d’une fin hollywoodienne. Ce n’est pas triomphal. Ce n’est pas une solution facile, qui consiste à dire : « Bon, nos problèmes sont derrière nous. »
Même si votre version n’a pas forcément une fin heureuse digne d’un conte de fées, avez-vous déjà pensé à la rendre encore plus sombre qu’elle ne l’est ?
Les gens peuvent avoir des interprétations différentes sur le fait que leur relation soit rétablie ou non. Cela n’a pas besoin d’être plus sombre, car il y a une réelle tristesse dans tout cela. C’est dans la musique et dans le visage de Dan. Ils ont survécu, mais ce n’est en aucun cas approprié. Ce n’est pas comme si tout allait bien dans le monde.
Le film danois est sorti en 2022. Quel est le raisonnement derrière son remake si rapidement ?
C’était juste une bonne histoire. J’essaie de ne pas regarder en dehors. Pour moi, si c’est une bonne histoire, vaut-elle la peine d’être racontée ? Pouvez-vous y ajouter des choses ? Je veux dire, Christopher Nolan a fait « Insomnia » peu de temps après l’original norvégien. Les deux films peuvent et doivent coexister et dialoguer l’un avec l’autre. S’ils font tous les deux exactement la même chose. Ce film a apporté quelque chose de légèrement différent, mais rend hommage au film de Christian. Parfois, les gens disent : « Eh bien, pourquoi diable as-tu fait ça ? » Mais si vous regardez le film avec un cœur ouvert, je pense qu’il répond à la question.
Comment c’était de travailler avec James McAvoyle diriger et voir son processus de jeu ?
James est un don. Il est probablement l’acteur le plus talentueux avec lequel j’ai jamais travaillé. Nous avions un casting tellement classe que nous pouvions continuer à creuser au fur et à mesure, trouver de nouvelles choses, puis rebondir les uns sur les autres et jouer au tennis ensemble. Mais James, il est incroyablement détendu sur le plateau. Mais ensuite, quand il est dedans, il est vraiment dedans. Il est conscient de ce qu’il fait, mais parfois vous pouvez lui dire : « J’aime ce que tu as fait. » Et il dit : « Oh, est-ce que j’ai fait ça ? » Les meilleurs acteurs, ce ne sont pas des acteurs. Ils le sont.
Était-il en tête de la liste des acteurs que vous vouliez ?
Il l’était littéralement. La vérité, c’est que la plupart des gens ne choisissent jamais le personnage principal de leur liste. Mais j’ai discuté avec Jon Harris, le monteur avec qui j’ai beaucoup travaillé, et il a coupé beaucoup de films dans lesquels James jouait. Quand j’écrivais, j’ai envoyé une première version à John et nous en avons discuté. Il m’a dit : « Il faut que ce soit McAvoy, non ? » Et j’ai répondu : « Oui, c’est ce que je pense. » Je n’avais pas vraiment de plan B. Je suis sûr que beaucoup d’autres acteurs brillants auraient pu jouer ce rôle. Mais quand j’écrivais, je me disais : « James McAvoy, je peux tout à fait le voir jouer ce personnage. » Il a fait un film intitulé « Filth », dans lequel il joue un personnage tellement répréhensible, mais il apporte une tragédie d’une manière qu’on ne peut tout simplement pas quantifier. Le type est horrible, mais d’une certaine manière, James vous donne juste assez pour vous faire avancer.
Il y a eu beaucoup de buzz autour de l’utilisation de « Cotton Eye Joe » dans le film, notamment dans la bande-annonce. Avez-vous écrit cette chanson en particulier dans le scénario ?
Je ne me souviens pas si le script mentionne « Cotton Eye Joe », mais c’était certainement dans ma tête. J’ai pensé à faire « Crazy Frog », mais c’est vraiment trop énervant. « Cotton Eye Joe » : c’est un morceau qui fait tourner les têtes, et aussi le fait que nous sommes dans une ferme. Il y a une ambiance country. Je peux mettre les enfants dans ce costume. Il y a juste une sorte d’histoire qui est racontée. Et aussi avec Paddy, avec toute la musique, il y a un retour en arrière. Il est légèrement arrêté. J’imagine que c’est un gars qui écoute la radio des années 80/90. J’imagine que c’est dans son monde. Cette époque non reconstituée était probablement son apogée.
Une partie de la grande révélation est montrée dans la bande-annonce. Comment parvenez-vous à maintenir un équilibre entre attirer les gens et garder certaines choses cachées ?
En tant que cinéaste, vous ne faites pas la bande-annonce, vous la regardez et vous y réagissez. En général, nous vivons dans un monde où les bandes-annonces montrent probablement plus que ce que les cinéastes veulent. Mais ils essaient d’inciter les gens à voir le film. Ils y parviennent avec brio. Il est très facile pour un cinéaste de devenir un peu précieux et de dire : « Je veux vraiment cette affiche vraiment cool et classe. » Et puis, ils disent : « Eh bien, oui, mais personne ne verra votre film. » Ces gens sont très compétents dans leur travail et ont beaucoup d’expérience. C’est juste tellement empirique, comment ils essaient de comprendre ces choses. C’est juste un aspect créatif différent de notre industrie.
Cette interview a été éditée et condensée.