Le réalisateur de « S’il vous plaît, ne détruisez pas : le trésor de Foggy Mountain », Paul Briganti, parle de la réalisation de Conan, de That Soulja Boy Dance et des raisons pour lesquelles les comédies ont eu du mal dans les cinémas. Les plus populaires doivent lire Abonnez-vous aux newsletters de variétés Plus de nos marques

Paul Briganti décrit la première semaine de tournage de « Please Don’t Destroy : The Treasure of Foggy Mountain » comme « un misérable cauchemar ».

Le film, qui suit le trio comique « Saturday Night Live » John Higgins, Ben Marshall et Martin Herlihy alors qu’ils recherchent un trésor caché, a été tourné principalement dans les parcs d’État de Caroline du Nord – pendant l’été étouffant.

« Il y avait des tiques et des serpents, et il faisait plus de 40 degrés et c’était très humide. Il y a eu beaucoup d’orages », raconte Briganti, qui a rejoint « SNL » en tant que réalisateur en 2016. Variété. Dans une scène, les garçons Please Don’t Destroy sont poursuivis par un faucon alors qu’ils traversent des rochers. Mais il y avait un danger plus pressant sur le plateau : « Personne n’avait réalisé que le sol tout entier était rempli de nids de frelons souterrains. »

Pourtant, Briganti n’aurait pas réalisé la comédie entre amis, produite par Judd Apatow et maintenant diffusée sur Peacock, d’une autre manière.

« Il y a quelque chose dans le fait de filmer dans les éléments qui vous met dans un état d’esprit et vous pousse », dit-il. « Surtout maintenant, on a l’impression que les gens tournent sur des choses qui sont clairement tournées sur une scène sonore parce que cela semble un peu mort. »

Briganti a appelé Variété pour discuter des moments les plus absurdes du film, de la réalisation de Conan O’Brien et des raisons pour lesquelles les comédies théâtrales pourraient bientôt connaître un « nouveau boom ».

Le film a été écrit par les gars de Please Don’t Destroy, qui y jouent aussi évidemment. Quelle marge de manœuvre se sont-ils laissés pour improviser ?

Il y en avait beaucoup, surtout si vous demandez aux caméramans portables. Beaucoup de longs plans. Ce qui est bien dans le fait de travailler avec les gars de Please Don’t Destroy, c’est qu’ils se connaissent si bien et qu’ils ont ce genre de magie lorsqu’ils sont ensemble. Ils improvisaient beaucoup quand ils n’étaient que trois et trouvaient des chemins différents. Évidemment, lors du tournage, il faut filmer la couverture. Nous prenions donc un plan large et ils improvisaient et nous le gardions volontairement long. Nous avions un transcripteur sur place pour prendre des notes pendant qu’ils improvisaient des trucs, et nous l’obtiendrons plus tard. Au moment où nous avons fait le dernier gros plan, c’était comme une prise d’une heure, avec des réactions à tout.

Est-il vrai que c’est le premier rôle au cinéma de Conan O’Brien dans lequel il incarne un personnage qui n’est pas lui-même ?

Ouais! Il a participé à beaucoup de choses en tant que lui-même. Je pense que c’était juste le genre de chose à laquelle personne n’avait pensé faire auparavant. Nous avons été les premiers à lui demander pourquoi il n’avait pas joué de personnage, et il a répondu : « Je ne sais pas ! » Il était motivé pour le faire et avait une présence vraiment spéciale sur le plateau.

Comment était-ce de diriger une telle légende de la comédie, d’autant plus qu’il n’avait jamais fait ce genre de chose auparavant ?

Il était très conscient qu’il était nouveau dans ce domaine, d’une manière qui lui paraissait très humiliant. Il n’essayait pas du tout de me harceler, ni moi ni les gars. Il disait plutôt : « Comment pouvons-nous rendre cela aussi bon que possible ? Comment puis-je faire le meilleur travail pour vous ? À ce moment-là, j’étais chez « SNL » depuis un moment, donc je ne suis pas vraiment intimidé par la direction de personnages célèbres, mais il est à un niveau différent – ​​il est tellement accompli, vénéré et intelligent, je devais être à mon niveau et pas perdre son temps. Mais personne ne vous le dit à part vous-même. Personne n’essayait de le faire sortir de là, il traînait. Ce que j’aime chez lui, c’est qu’il est très sec et sarcastique. Il se moquera de vous pour montrer qu’il vous aime, en restant honnête mais drôle et gentil. Par exemple, si le perche était dans le plan par accident, il dirait : « Je m’en vais, c’est des conneries. » Cela rend tout beaucoup plus amusant.

Dans quelle mesure comptiez-vous sur le fait que le public soit familier avec Please Don’t Destroy, sur son humour et sa dynamique de « SNL », plutôt que sur la nécessité de développer ses personnages à partir de zéro ?

Je pense que c’est une meilleure approche de supposer que les gens ne savent pas qui ils sont – pour n’importe quel film, en fait. Vous créez une histoire et les personnages vivent seuls. Nous avons fait lire un tableau pour le scénario en février ou mars et cela s’est très bien passé, mais il y a eu un problème avec le premier acte où nous sommes entrés trop vite. Cela a commencé avec eux quand ils étaient enfants, puis est passé au baptême de Martin, et à John et Ben étant ennuyés que leur ami change. Nous avons réalisé que nous pensions que les gens connaissaient trop leur dynamique, et nous voulions montrer cette dynamique aux gens. [So we added] cette première séquence, qui montre au public son monde et sa vision, à savoir : si les choses tournent mal, ils peuvent toujours trouver un moyen de rendre ça amusant. Et dans la vraie vie, c’est à ça qu’ils ressemblent.

Comment avez-vous tourné les scènes en wingsuit ?

Le premier était à moitié emplacement et à moitié écran bleu, ce qui est une astuce que j’ai apprise quelque part. Le dernier était entièrement sur scène car c’était la nuit et au sommet d’une montagne, ce qui rendait impossible le tournage en vrai. C’était notre seule journée Marvel – nous les faisions voler sur des fils, le vent soufflant sur leur visage. En fait, je pense que les choses sur place étaient moins difficiles pour eux que les trucs sur écran bleu, parce qu’il leur faut une éternité pour y arriver et qu’ils ne font que s’accrocher à des fils.

De nombreux acteurs de Marvel ont également expliqué à quel point il était assez difficile de jouer devant des écrans verts, car vous ne pouvez rien imaginer autour de vous.

J’aimerais croire qu’il y a un élément subconscient selon lequel vous êtes dans un espace étrange. Quand vous voyez quelqu’un dans ce monde, il y a une déconnexion mentale. C’est pourquoi Tom Cruise essaie tout le temps de se suicider. Il y a un élément supplémentaire de « merde » à voir quelqu’un faire réellement quelque chose. Nous avons donc essayé de le faire autant que possible. Ben était vraiment gréé à 30 pieds au-dessus du sol par temps de 100 degrés lorsqu’il volait. Judd Apatow nous a dit très tôt : « C’est pourquoi j’aime faire des films qui ne l’ont jamais fait auparavant, parce qu’ils ne savent pas ce qu’ils ne savent pas. Ils ne sont pas blasés. Je ne sais pas si je serai un jour blasé. J’ai vraiment aimé la difficulté.

À quoi ressemblait l’implication de Judd et vous a-t-il donné d’autres conseils en tant que réalisateur de films comiques depuis trois décennies ?

Il a été impliqué avant moi. Les gars de Please Don’t Destroy ont écrit la première version du scénario avant « SNL », et Judd a accepté de devenir producteur avant d’être embauché chez « SNL ». Judd a été très impliqué tout au long de l’écriture. Il n’est pas intimidant, sa présence est très désarmante. Ce film s’est réalisé très rapidement et je me suis dit : « Je ne sais pas comment ça va se passer. » La peur et l’anxiété ont pris le dessus. Et j’ai demandé à Judd si un autre film qu’il avait produit ressemblait à ça, et il a répondu « Anchorman », ce qui m’a surpris – c’est un film tellement énorme et il a eu un tel succès. Mais Judd a dit qu’il ne savait pas comment ça allait se passer. Le scénario était partout, et Will [Ferrell] et Adam [McKay] n’étaient pas encore vraiment prouvés. Il y avait une histoire de Judd pour chaque étape de ce film, et cela m’a donné une perspective.

« Foggy Mountain » devait initialement être joué dans les salles de cinéma, puis NBCUniversal l’a transféré à Peacock. Dans quelle mesure était-il important pour vous de mettre ce film sur grand écran, et est-il frustrant dans l’industrie actuelle d’avoir très peu de contrôle sur la manière dont les studios distribuent votre film ?

En fin de compte, pour moi, tout dépend de l’atteinte et du nombre de personnes qui voient ce sur quoi j’ai travaillé extrêmement dur. Peacock fait des trucs sympas avec la comédie – ils construisent lentement ce coin de comédie audacieuse, intéressante et originale. Il y a « Poker Face » de Rian Johnson, l’émission de Pete Davidson, « MacGruber », tout le Lorne [Michaels] truc. Ils prennent des virages très intéressants et forts, et je pense que les gens commencent à le remarquer maintenant. Espérons que le film s’inscrive dans ce coin. Je pense que notre film aurait un public n’importe où parce que j’y crois vraiment. Mais en ce qui concerne le streamer, je suis très enthousiasmé par Peacock et par ce qu’ils font, ce que personne d’autre ne fait.

Il est intéressant de contextualiser ce film dans la filmographie de Judd. Il existait autrefois un marché théâtral très important pour les comédies classées R. Et le film le plus récent de Judd, « The Bubble », est également allé directement sur Netflix. Pourquoi pensez-vous qu’il n’y a plus nécessairement une forte envie que ces films soient projetés en salles ?

Je pense beaucoup à cela. C’est un cycle long, non ? Ce qui s’est passé avec les comédies, c’est ce que les gens disent être ce qui arrive à Marvel en ce moment. Il y a eu un grand boom des comédies théâtrales au début des années 2000 – « Anchorman », « Bridesmaids », « Zoolander », « Superbad », « Meet the Parents », des films énormes, énormes. Lorsqu’un grand boom du divertissement se produit, vous obtenez les 10 à 15 prochaines années du même genre de chose, mais cela devient lentement plus commercialisé et marchandisé. La qualité commence à baisser parce que vous ne pouvez pas naturellement la maintenir. Le public s’ennuie et déménage ailleurs. Mais ce que vous voyez maintenant, ce sont des gens qui sortent de la grotte ou qui revoient le soleil, avec de nouvelles comédies intéressantes et uniques qui ont une perspective. Ils ne viennent pas d’un directeur de studio ou d’un acteur qui veut faire une comédie : il y a du sang qui coule en eux. Vous voyez « Bottoms », qui a bien fonctionné au théâtre et qui fonctionne très bien à la demande ; « Dicks : The Musical », la première comédie d’A24 produite par ma femme, divulgation complète ; et notre film aussi. Les gens recommencent à s’intéresser aux films comiques. Je pense que nous sommes au bord d’un nouveau boom pour ce genre de choses.

La danse des Soulja Boy est l’un des moments les plus drôles du film. Comment est-ce devenu une partie du film ?

Ils n’avaient pas prévu de danser avant le matin. Je pense que c’était John qui était vraiment enthousiasmé par la danse et qui l’enseignait aux autres gars. On peut dire qu’il est clairement le meilleur. Je ne pense pas qu’il s’en souciera, je vous dis ça, mais quand il avait 10 ans, il a gagné un concours de danse Soulja Boy, ce qui est fou. Un autre morceau de musique qui me vient à l’esprit est la chanson de Franz Ferdinand. Nous avons dû écrire une lettre à François Ferdinand parce qu’ils ont d’abord refusé ou ne nous ont pas laissé l’utiliser. Ils pensaient que nous nous moquions de cela, alors nous avons dû leur écrire une lettre très sincère du genre : « Nous aimons votre chanson, elle parle d’amitié et de ceci et de cela. » Ensuite, ils étaient cool avec ça.

L’objectif est-il de continuer à faire des films Please Don’t Destroy ? Le format semble mûr pour des suites.

Ouais, comme les films d’Ernest. Ernest est notre étoile du Nord ! Nous avons un tas d’idées supplémentaires et nous en avons parlé à Judd et tout. C’est l’espoir, et j’espère que cet espoir deviendra réalité.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté.