Ce qui suit est une critique sans spoiler de la saison 1 de The Last of Us. La première de la série fait ses débuts sur HBO le 15 janvier.
Les meilleures adaptations ne se contentent pas d’imiter leur matériel source, mais visent à enrichir pour ceux qui le connaissent, tout en servant également de point d’entrée pour ceux qui ne le connaissent pas. The Last of Us de HBO fait exactement cela: un brillant récit de l’une des histoires les plus appréciées des jeux vidéo qui réinitialise la foudre de ce qui l’a rendu si spécial pour beaucoup en premier lieu, le laissant frapper à nouveau avec un effet époustouflant. Grâce à une paire de performances principales phénoménales et une vision magnifiquement exécutée de ce que c’est que de trouver de l’espoir et de l’amour dans un monde déterminé à le nier, The Last of Us fait frémir du premier au dernier épisode.
La forme de l’histoire sera familière à tous ceux qui ont joué au jeu original, mais cela ne veut pas dire que vous saurez exactement ce qui va suivre puisque des déviations sont fréquemment prises. Un monde post-pandémique où des poches d’humanité visent à se maintenir à flot parmi une mer d’infection, c’est un endroit mis en évidence par le showrunner Craig Mazin, aidé par le créateur du jeu vidéo The Last of Us, Neil Druckmann. La configuration de l’intrigue tourne autour de Joel, un passeur chargé de transporter une adolescente vers l’ouest dans une Amérique ravagée par une pandémie fongique mortelle au cours des 20 dernières années. Bien sûr, les choses ne se passent pas bien car le danger guette à chaque coin de rue sous des formes humaines et post-humaines, prêts à rompre leur lien toujours plus étroit.
Ellie, qui aurait facilement pu être réduite à un complot, est le battement de cœur charismatique de la série, rappelant simultanément à Joel ce qu’il a perdu et le remplissant d’un sens du but non ressenti depuis son jour le plus sombre. L’amour perdu est une ligne directrice de la série, mais le plus critique pour The Last of Us est l’amour pseudo-paternel trouvé entre les deux. Bella Ramsey est tout simplement électrisante dans le rôle d’Ellie, oscillant sans effort entre une vulnérabilité délicate, une excitation juvénile et une puissance déterminée. Elle est une véritable révélation et mérite tout le crédit du monde pour avoir laissé sa marque sur un personnage dont l’interprétation précédente a été si fermement ancrée dans l’esprit des gens. Elle est de la dynamite depuis le décalage, mais Ramsey va de mieux en mieux au fur et à mesure de la relation de Joel et Ellie au fil de la saison.
Pedro Pascal, quant à lui, entre brillamment dans les chaussures bien usées de Joel Miller, trainant frit du sud et tout, se comportant d’une manière convaincante et fatiguée du monde. Il est souvent maussade et silencieux – agissant comme un repoussoir à l’énergie contagieuse d’Ellie – et capable d’exprimer puissamment une émotion profonde à travers un seul regard de ses yeux. Il correspond parfaitement au rôle; stoïque face à l’adversité et capable de se positionner à chaque extrémité du spectre émotionnel de Joel, de chaleureusement attentionné à impitoyablement violent.
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Des performances solides flanquent la paire alors que les personnages entrent et sortent du voyage de Joel et Ellie. Ceux-ci incluent Anna Torv en tant que Tess d’acier, Gabriel Luna en tant que frère séparé de Joel, Tommy, et Lamar Johnson en tant que Henry en couches et compatissant. Une mention spéciale doit être attribuée à Nick Offerman et Murray Bartlett qui sont respectivement inoubliables dans le rôle du mélancolique Bill et Frank. Nous passons du temps éphémère avec de grandes performances qui agissent pour nous rappeler constamment la fragilité de la vie. Si The Last of Us dresse un diagramme de Venn composé de cercles bons et mauvais, le terrain d’entente qui se chevauche serait fortement surpeuplé.
La saison 1 contient beaucoup de choses dans ses neuf épisodes, ce qui peut parfois la laisser se sentir légèrement pressée alors qu’elle se précipite vers sa fin. C’est toujours une conclusion qui contient le coup de poing dont elle a besoin, et qui est finalement méritée. Cela dit, je connais bien le monde de The Last of Us en jouant plusieurs fois à chacun des jeux, mais je me demande si les non-initiés peuvent avoir du mal avec le nombre de nouveaux concepts et mots (FEDRA, Fireflies, cordyceps, etc.) lancés sur eux régulièrement dans les premiers épisodes lorsque le rythme est le plus rapide.
Le spectacle est à son meilleur lorsqu’il se permet de respirer, et c’est dans ces poches que The Last of Us brille souvent le plus. Oui, voir des recréations de scènes cruciales du jeu prendre vie offre son propre genre de frisson, mais c’est plus excitant quand on explore des chemins moins empruntés – un cas mieux illustré par l’arrivée de Bill de Nick Offerman. C’est un personnage qui a reçu une nouvelle profondeur incroyable alors qu’une note manuscrite du jeu est étendue à la meilleure heure de télévision de la saison. Un récit déchirant d’amour trouvé dans un monde qui le déchire trop souvent, c’est une histoire spéciale élégamment animée par de tendres performances.
Il explore des thèmes reflétés à travers les yeux d’Ellie dans un autre épisode remarquable ultérieur et témoigne de la façon dont l’amour entre deux personnes – peu importe qui ils sont ou avec qui ils choisissent de le partager – persévère même lorsque le monde et les corps qui le canalisent physiquement s’estompent. C’est tout à l’honneur des créateurs de la série que deux épisodes marquants poussent si fermement les relations homosexuelles au premier plan alors qu’il aurait été si facile de les intégrer en note de bas de page. Ils sont présentés sans jugement et avec une célébration complète. Dans un vide post-apocalyptique qui refuse tout air de bonheur pour prospérer, ces rares étincelles de vie sont d’autant plus importantes et percutantes – comme des lucioles illuminant un bocal en verre abandonné.
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Visuellement, The Last of Us est souvent un spectacle à voir, même lorsque la caméra est pointée sur des sujets fermement laids. Des détails tels que les vieilles croûtes de peinture sur les murs et les veines fongiques rampant sur les sols balayent de manière convaincante la plupart des bâtiments. De vastes paysages peignent des images de westerns classiques, d’autant plus que les saisons changent et que la neige tapisse le sol. Mais alors que The Last of Us est un spectacle magnifique, c’est dans son audio qu’il excelle particulièrement. Les cris lointains et les clics à proximité résonnent souvent de manière effrayante à travers des scènes dans un monde si calme que tout son peut être alarmant. La partition originale est également superbe, car les refrains familiers de la bande originale emblématique de Gustavo Santaolalla chantent en harmonie avec des morceaux originaux qui pulsent et se frayent un chemin à travers certains des moments les plus chargés d’action.
Tonalement, des comparaisons évidentes peuvent être faites avec The Road, mais The Last of Us atteint rarement les niveaux de morosité implacable que le roman de Cormac McCarthy ni son adaptation cinématographique ultérieure ont fait. Pour chaque portion de macabre, il y a une petite mesure de légèreté ou de lueur de lumière. The Last of Us peut se présenter comme un monde sans espoir, mais au cours d’une saison, il révèle beaucoup de choses pour lesquelles il vaut la peine de se battre, et à cet égard, il rappelle davantage Children of Men d’Alfonso Cuaron dans ses thèmes et son identité visuelle. Les gris, les verts et les bruns peu saturés font parfois place à des rafales de flammes ou à des coups de feu. Les villes bombardées présentent toujours des scintillements de vie et des échos d’une civilisation qui mérite d’être sauvée, les deux histoires se résumant finalement à la contrebande réussie d’une jeune femme et aux pouvoirs de l’amour et de l’esprit humain dans la lutte contre la volonté la plus cruelle de mère nature.
Il y a à peine une caméra fixe, liée thématiquement à la nature toujours en mouvement de l’histoire alors que nous nous précipitons d’un endroit à l’autre à travers l’Amérique. Il n’y a pas de chorégraphie glamour à Hollywood ni d’exploits de super-héros. Tout est très humain et rustique, à la limite de la maladresse dans ses scènes d’action. Vous pouvez sentir la peur et la sueur qui se dégagent de Joel lors d’une bagarre – enracinant l’action dans les enjeux désespérément tangibles de chaque rencontre. Bien qu’il y ait des moments de combat remarquables, en vérité The Last of Us est plus intéressé à montrer les retombées de la violence que la violence elle-même, laissant l’écho de chaque coup de feu retentir bien avant que le suivant ne soit tiré.
L’action est utilisée avec parcimonie – mais avec un effet souvent choquant – tout comme les apparitions des personnes infectées. Les gros plans des personnes infectées et leur nouvelle biologie fibreuse sont franchement dégoûtants alors que des vrilles floues sortent de leur bouche comme des xénomorphes imbriqués. Leurs cuirs chevelus en forme de champignon ajoutent des couches de peur à chacun, chacun se sentant comme une menace véritablement mortelle, peu importe à quel point Joel et Ellie sont bien armés. Dans le jeu, la présence des infectés se fait principalement sentir à travers le gameplay et les combats. Comme la série ne repose pas sur le fait de donner constamment à un joueur quelque chose à faire de ses mains, elle choisit plutôt de se concentrer sur les histoires humaines existant dans ce monde et le fait avec un grand effet. Cela étant dit, je ne pouvais pas m’empêcher de souhaiter une ou deux apparitions supplémentaires au clicker au cours des neuf épisodes, car nous passons parfois par plusieurs épisodes sans apercevoir la terreur qu’ils peuvent apporter.
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Dans l’ensemble, l’intrigue ne s’éloigne pas trop de sa source, mais s’écarte parfois du chemin afin de mettre en lumière des coins du monde jusque-là inexplorés. Certains plans ou lignes de dialogue permettront aux joueurs de faire de leur mieux Leonardo DiCaprio pointant du doigt les impressions télévisées, mais surtout, celles-ci ne se sentent jamais étouffées, mais s’intègrent parfaitement à l’esthétique en jeu. Une utilisation libérale des flashbacks brosse un tableau plus large du monde dans son ensemble, donnant un contexte supplémentaire à la fois au niveau personnel et mondial et fournissant des instantanés sociétaux de la vie avant et après l’épidémie.
Vous avez vraiment l’impression que Druckmann savoure de revisiter son histoire et d’ajouter des sections, comme une première escale en Indonésie, qui n’auraient tout simplement pas de sens d’avoir dans le jeu. Il faut également du temps pour explorer des thèmes partagés avec les travaux précédents de Mazin sur Tchernobyl – principalement le vaillant combat des gens de la classe ouvrière contre le désespoir et les échecs du gouvernement. Jamais, cependant, il ne détourne les yeux de l’impact humain très personnel qu’un monde changé à jamais a sur ses habitants de différentes manières. Il y a un vrai sens d’un partenariat créatif travaillant à l’apogée de sa puissance ici alors que les idées anciennes et nouvelles se mélangent et finalement triomphent.