Le showrunner « Pachinko » discute du style visuel de l’émission, de l’identité thématique et tonale, et de la recherche d’histoires épiques dans notre vie quotidienne.
Il était aussi important pour le créateur et producteur exécutif Soo Hugh de penser à ce que « Pachinko » n’était pas qu’à ce qu’il est. La série est une histoire qui couvre plusieurs générations d’immigrants coréens, centrée sur la matriarche Sunja, jouée de différentes manières par Yu-na Jeon, Minha Kim et Youn Yuh-jung à différents moments. Comme elle en parle dans cet épisode du podcast Filmmaker’s Toolkit, Hugh pouvait imaginer comment 99% du monde créerait une adaptation du roman et voulait se pencher sur la différence de 1%. En travaillant avec les réalisateurs Kogonada et Justin Chon, Hugh a développé un sens du style et du ton qui évitait l’aspect brillant, enlevé et traditionnellement épique d’une pièce du Masterpiece Theatre et a plutôt recherché des façons de raconter l’histoire du cadrage et de la composition au rythme et aux pauses dans le montage qui ressenti aussi dans l’instant que les émotions des personnages le sont pour eux.
Écoutez l’épisode complet ci-dessous ou lisez la suite pour des extraits de notre interview. Notez qu’une conversation légèrement spoiler sur l’épisode 7 se produit de 19h30 à 21h27.
Transcription partielle ci-dessous :
Hugh sur le langage visuel de « Pachinko »: Je pense que pour moi, chaque fois que j’écris, j’écris très visuellement. Je regarde les influences. Je regarde la musique. J’écoute de la musique. Je regarde des photographies et des peintures et ce n’est pas forcément le cas – je sépare la recherche. La recherche est une partie du cerveau et l’inspiration est une deuxième partie du cerveau. Et en essayant de penser au langage visuel de « Pachinko », je commence toujours par « comment 99 % du monde ferait ce film ? Ou ce spectacle ? » Et, vous savez, vous vous attendez à des panoramas grandioses, vous vous attendez à ces mouvements épiques. Alors j’ai pensé, d’accord, c’est comme ça que 99% des gens feraient cette émission. Regardons ce 1 %. Où est cet espace pour dire, « Faisons quelque chose d’un peu différent? » Je ne crois pas qu’il faille faire quelque chose de différent pour faire quelque chose de différent. Je pense que c’est juste le style plutôt que le fond, mais je pense que c’est une opportunité, comme chaque fois que vous avez la chance de faire quelque chose de nouveau, surtout en cette période de narration, pourquoi ne pas vous mettre au défi et vous pousser plus loin ?
Hugh sur les défis d’adaptation de « Pachinko »: Une grande partie de notre travail est réalisée à partir de preuves photographiques ou de peinture. Vous savez, l’histoire occidentale est bien couverte en termes de recherche, mais cette période, en particulier pour la communauté Zainichi, personne ne pensait qu’ils étaient assez importants. Nous avons donc une grande partie de l’histoire, l’histoire de ces gens, qui manque. Mais ça me rend bien trop nerveux pour inventer des choses. Parce qu’alors je pense que vous compromettez la fidélité de ce que vivent ces gens. Donc, assembler à travers des témoignages oraux, à travers tout ce que nous pouvons, des preuves photographiques, le peu que nous pouvons trouver et créer ce monde : c’est ce qui m’inquiétait au départ, c’est d’être l’un des défis de cette émission. Ce que j’ai réalisé, vous savez, nous avait une équipe incroyable, Mara qui dirigeait notre conception de production venait de construire cette incroyable équipe de Coréens, de Japonais, d’Américains et de Canadiens. Et ils ont vraiment assumé ce travail avec une habileté si brillante.
Le composant linguistique, le composant de traduction, était probablement le plus grand défi de la traduction du script à la traduction sur le plateau en passant par la traduction des sous-titres. Je pense que j’étais totalement naïf à ce sujet. Je n’avais pas réalisé à quel point c’était une entreprise énorme et une forme d’art. Une [challenge] c’est-à-dire que l’intention originale est transmise dans la langue parlée. A-t-il la même cadence ? Vous savez, j’aime écrire des dialogues avec un certain type de cadence, selon le personnage. C’était quelque chose que j’avais vraiment du mal à perdre. Comme j’ai construit ces lignes autour de ce personnage qui parle avec des ponctuations pointues et puis tout d’un coup la traduction est comme, attendez, qu’est-il arrivé aux ponctuations pointues ? Donc, vous réalisez que ce n’est pas comme ça que ça marche en japonais, ou ce n’est pas comme ça que ça marche en coréen. Et tu es juste comme, ahalors comment puis-je ramener cette netteté si elle n’est pas intégrée au langage ?
Aussi, avec le coréen, au moins je comprends. Nous avons donc refait les traductions, ce qui signifie que la version coréenne a été enregistrée pour moi en audio afin que je puisse écouter et donner des notes. Avec le japonais, c’était complètement différent. Je ne connais pas le japonais et c’était un défi. Dans cette émission, en particulier, le langage définit nos personnages de tant de façons, n’est-ce pas ? Parce que la langue est l’histoire de la colonisation. Alors quand une troisième génération perd son accent ou quand une troisième génération perd sa langue, c’est aussi la colonisation qui continue même après, vous savez, quand les gens quittent les pays.
« Pachinko »
Robert Fauconnier
Hugh sur la séquence de titre de « Pachinko »: Alors, j’ai écrit la danse, j’ai écrit la séquence titre dans le script. Et c’était parce que je voulais que tout le monde sache que cette émission aura une séquence titre. Vous savez, nous n’aurons pas de carte de titre. J’adore les séquences de titre. Je pense qu’ils ont vraiment mis en place cette expérience cinématographique et j’ai pleuré la mort de la séquence titre au cours des 10, 20 dernières années. Et donc c’est très important pour moi de mettre ça dans le script. A l’origine, c’était une autre chanson. C’était une chanson des Rolling Stones, « Out of Time », qui était une fortune. Mais quand nous avons tourné la séquence titre, nous ne savions pas ce que la chanson allait être. Alors ce que j’ai fait [was] chaque acteur a sa propre chanson différente. C’était tellement amusant, ces deux jours de tournage de la séquence titre. C’était un style indie très run and gun à bien des égards. Nous avions un équipage squelettique. Et les acteurs, vous savez, ils étaient, ils ont juste fait avec.
Ce que j’ai toujours aimé dans cette scène titre, du concept à l’exécution jusqu’à maintenant la réception, c’est que cette séquence titre est le cadeau de notre émission au public, qui dit : « Reste avec nous. Fais nous confiance. Ce spectacle n’est pas tout sombre. Le spectacle n’est pas seulement lourd. Cette exubérance et cette joie sont tout aussi importantes. Et il est donc vraiment important de réinitialiser cela dans chaque épisode. Cette joie doit faire partie de cette vie.
Le podcast Filmmaker Toolkit est disponible sur Apple Podcasts, Spotify, Overcast et Stitcher. La musique utilisée dans ce podcast est tirée de la partition « Marina Abramovic : l’artiste est présent », avec l’aimable autorisation du compositeur Nathan Halpern.
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