L’artiste né au Mozambique change ce que signifie être peintre

« Certains diraient que la fin de la vingtaine est un peu en retard ces jours-ci pour commencer une carrière de peintre, ce qui est étrange et malheureux », déclare l’artiste mozambicain Cassi Namoda, 33 ans. Après avoir étudié la cinématographie à l’Académie des beaux-arts de San Francisco et travaillant pour la créatrice de mode Maryam Nassir Zadeh achetant des pièces artisanales de l’étranger pour que le magasin les vende – Namoda s’est tournée vers la peinture d’un endroit très personnel. Elle vivait à Los Angeles et aspirait à un chez-soi. « Il y a un terme en portugais, saudade, c’est un désir qui ne peut être remplacé », dit-elle. Artiste autodidacte, elle a commencé à montrer des peintures dans le salon d’un ami, puis dans la librairie d’un autre ami, construisant une carrière par le bouche à oreille. Elle est désormais représentée par Goodman Gallery et François Ghebaly.

Plus récemment, Namoda a peint au Cap, en Afrique du Sud, pour un spectacle là-bas cet été. « Moi qui choisit d’être physiquement ici, c’est moi qui dis que je veux m’engager avec les gens », dit-elle. « Je ne veux pas simplement envoyer des peintures et dire: » D’accord, vendez-les. dans un espace ouvert pour la galerie expérimentale Proyectos Ultravioleta. Sa façon de voyager et de peindre à partir de nouveaux endroits est intentionnelle, un moyen de ralentir les choses dans une industrie qui pourrait autrement devenir «très commerciale très vite».

Namoda a parlé avec The Cut de son parcours artistique, de ses inspirations et pourquoi la lumière à East Hampton, où elle est basée, est différente de celle de n’importe où ailleurs.

Qu’est-ce qui, au début de votre vie, vous a poussé à devenir peintre ?

C’était mon temps passé à observer la nature au Kenya, où je vivais quand j’avais environ 6 ans. J’étais tellement amoureux de ces animaux que je voulais tellement avoir des photos d’eux dans ma chambre. Je les dessinais de manière obsessionnelle chaque fois que nous revenions de safari, et cela m’est resté. Je dessinais régulièrement jusqu’au collège.

Quand j’avais 25 ans, j’ai déménagé à LA, et la position géographique de Los Angeles, pour moi, me semblait très aliénante. La peinture est donc devenue cette forme sous laquelle j’ai décidé de commencer à négocier mon mal du pays. J’ai été surpris parce que j’ai une tendance naturelle à être écrivain. La peinture était quelque chose que j’avais toujours fait en grandissant, mais l’école a interrompu ce chemin pour moi, alors j’ai trouvé d’autres formes d’expression.

Je viens de recommencer à dessiner. Il se sent très vulnérable; c’est comme m’écrire. Ma prochaine exposition, intitulée « Tropical Depression » chez Xavier Hufkens à Bruxelles, consiste essentiellement en de grands dessins avec un minimum de peinture.

Vous avez dit que vous aviez commencé à peindre parce que vous aviez le mal du pays. En tant que personne née au Mozambique qui a vécu en Indonésie, au Kenya, au Bénin et en Haïti, qu’est-ce que le « chez-soi » signifie pour vous ?

J’appelle le Mozambique chez moi, même si ce n’est pas chez moi. C’est mon intérieur ancestral. Ma mère est là-bas, ma famille est là-bas, mes grands-parents sont dans la terre là-bas. En grandissant, nous avons déménagé assez souvent. Mon père avait des notions différentes sur la vie et l’expérience et qu’il fallait voir le monde. Cela profite également à ma pratique. Si je regarde le travail d’Emil Nolde, ou même de Gauguin ou de van Gogh, ces peintres voyageraient, et ils existeraient dans ces lieux. D’une certaine manière, il y avait aussi une exotification de ces paradis, de ces terres étrangères. Mais je n’exotise pas; J’existe dans un corps noir. J’ai vécu dans de nombreux endroits. Je comprends le monde d’une manière qui va au-delà d’un manuel, mais plus sur les nuances. J’ai donc l’impression de pouvoir être n’importe où – Budapest, Tanger ou Kyoto – et je me sens très excité par une sorte de familiarité dans la sensation d’une nouvelle expérience. Nous avons besoin de nouveauté dans notre expérience humaine. Mais ensuite, je dois me retirer et m’asseoir avec tout cela. Je suppose qu’East Hampton est cet endroit pour moi en ce moment.

Qu’est-ce qui vous passionne dans le fait d’être peintre ?

C’est presque comme si vous négociiez toujours avec vous-même. Vous devez vous asseoir avec vous-même à la fin de la journée et demander, Est-ce vraiment moi ? Quand on peut y répondre, alors je sais que j’ai fait quelque chose d’honnête, d’authentique. Au bout du compte, si je ne peins pas, je me sens en quelque sorte incomplet.

Photo: Alina Asmus

Quand vous avez commencé à peindre à Los Angeles, comment subveniez-vous à votre art ?

Quand j’ai commencé, j’étais vraiment choqué que tous mes amis veuillent les peintures. C’était une chose tellement incroyable. Tout ce que j’avais à faire, en fait, c’était de vendre une ou deux peintures par mois, et ça m’aiderait. N’oubliez pas non plus que mon travail sur papier se vendait entre 500 et 1 000 dollars – mes aquarelles et mon papier ne coûtaient même pas une fraction de cela. Mes matériaux n’étaient pas vraiment le problème, et je n’avais pas besoin d’un studio. Ce n’est que bien plus tard, quand je peignais sur toile et que j’avais des gens plus curieux, que je me suis dit, D’accord, je suppose que je dois avoir des visites de studio pas dans le garage de mon ex. Et j’ai un petit studio.

Maintenant, la peinture soutient mon style de vie, mais en même temps, je ne veux pas surproduire. C’est une façon purement logistique d’aborder le travail. Vous ne pouvez pas inonder le marché. Il doit y avoir une sorte de préciosité dans la peinture. C’est aussi très physique. Je n’ai pas d’assistant, donc faire des projets collaboratifs avec des marques comme J.Crew m’aide. Que ce soit le parfum que j’ai fait avec Linda Sivrican ou ma collection avec J.Crew – bien que le projet de parfum soit purement caritatif – je suis curieux de créer des nuances dans une collaboration qui peut encore avoir l’esprit de l’art.

Vous avez récemment travaillé sur un textile pour Marimekko et lancé une collaboration joaillière avec Catbird l’été dernier. Comment reliez-vous vos intérêts dans d’autres domaines à votre peinture?

J’ai besoin que mon cerveau fonctionne de différentes manières. Tout informe autre chose. Maintenant, je fais du ballet, donc ça renseigne quelque chose sur ma pratique, sur moi en tant que personne. Cela rend vos pieds si forts que maintenant je ne peux plus peindre avec des chaussures. Mes pieds sont comme, Non, j’ai ça. j’ai le terrain. Une fois de retour dans le studio, rafraîchi, ayant appris quelque chose de nouveau, mon esprit fonctionne d’une manière différente.

Comment le fait de vivre et de travailler à New York ou d’avoir ce port d’attache à East Hampton influence-t-il votre art ?

Je me suis taillé une belle situation là-bas. J’aime l’histoire des artistes qui m’ont précédé. de Jackson Pollock studio est à moins de cinq minutes du mien. Le simple fait de savoir que cela existe là-bas, en tant que pilier, est vraiment cool. En pensant à Helen Frankenthaler, il y a quelque chose qui me donne presque plus d’énergie.

Les couleurs m’informent aussi. Il y a quelque chose de vraiment spécial dans la lumière là-bas. C’est comme si un morceau de terre venait de dériver dans un doux lever de soleil du matin, et ça reste un peu comme ça. Et ma relation au coucher du soleil a été très importante pour moi. Arrêter ma pratique en studio, se précipiter vers l’océan pour regarder le coucher du soleil et se retirer au travail – c’est presque comme si le temps se déplaçait de manière très circulaire pour moi là-bas, ce qui me semble très ancestral. C’est un bon endroit pour se retirer. Je n’ai pas beaucoup de distractions là-bas. Et quand j’ai besoin d’aller en ville et de manger au Balthazar à huit heures du matin, puis de sauter et de voir quelques spectacles, voir quelques amis, ça a aussi sa place. Nous avons toujours besoin de nous ressourcer et de voir d’autres personnes.

Comme vous l’avez mentionné, votre travail utilise la couleur. Quelle est votre approche des teintes vibrantes que vous utilisez ?

Je souhaite éventuellement fabriquer mes propres pigments. Je pense que c’est là que ça se passe. Quand il s’agit de peindre, ce que je fais habituellement, c’est simplement regarder des croquis, parfois pendant un mois, avant même de décider quelles couleurs incarner dans l’œuvre. Ensuite, je commence à vivre et à respirer ces couleurs et cela se manifeste de différentes manières.

Quand j’ai fait l’exposition de Mendes Wood à São Paulo, c’était ce fuchsia très lumineux avec ce noir opaque et ce bleu poudré. C’était un spectacle très serré. Je travaillais dans l’optique du deuil et du deuil parce que c’était une période très difficile au Brésil et dans le monde avec COVID. Le fuchsia est symbolique de la compassion.

Je pense aussi à la couleur dans le domaine de la spiritualité. Toute philosophie ou théologie religieuse a des couleurs qui l’incarnent. Dans l’hindouisme, le souci est vraiment fort. L’église catholique a aussi ses couleurs spécifiques. Je pense que la couleur est probablement une approche religieuse de la peinture.

Avez-vous l’impression que votre présence dans le monde de l’art et votre croissance servent une sorte de devoir social ?

Cent pour cent. C’est exactement ce qui se passe avec n’importe quel type de cadre de travail une fois qu’un certain statut est accordé. J’aime pouvoir connecter et montrer aux gens. En 2018, lorsque j’ai présenté mon premier spectacle, chez Nina Johnson à Miami, j’invitais le facteur local et la femme qui me tressait les cheveux, et ils venaient juste voir, et ils étaient tellement surpris par l’échelle.

Hier encore, une fille du café d’à côté m’a dit : « Qu’est-ce que tu fais ? Tu es toujours couvert de peinture. J’ai dit : « Je suis peintre. Et elle est comme, « Quoi? » Elle vient du Zimbabwe. Et j’ai dit : « Pourquoi ne viendrais-tu pas ? » Elle est venue à la fin de la journée et elle m’a dit : « Wow, tu fais ça ? Je ne savais pas qu’on pouvait faire ça. Je ne savais pas que les femmes noires pouvaient faire ça. C’est pourquoi je parle d’accessibilité. Parce que ces idées ne sont pas souvent introduites sur ce continent. Si je peux être là pour discuter de manière très démocratique avec les gens, ça me fait du bien.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de longueur et de clarté.