La réalisatrice Sophie Barthes explique comment échapper à la surcharge de contenu alimente la créativité

Emilia Clarke, Chiwetel Ejiofor and Rosalie Craig appear in The Pod Generation by Sophie Barthes, an official selection of the Premieres program at the 2023 Sundance Film Festival.

« Je pense qu’en tant que créatifs, il est important de créer des moments où vous vous déconnectez complètement pour voir ce qui vient de l’intérieur », a déclaré le cinéaste derrière « The Pod Generation », l’un des titres phares de Sundance 2023.

Quel est le coût de la commodité et du progrès ? C’est une question au cœur de nombreux films de science-fiction, dont le nouveau film de la scénariste et réalisatrice Sophie Barthes, « The Pod Generation », qui a récemment remporté le prix du long métrage Alfred P. Sloan au Festival du film de Sundance 2023.

Dans sa troisième première à Sundance, Barthes explore un avenir où l’intelligence artificielle offre une abondance de commodités, des utérus artificiels détachables aux « pods naturels » où la nature sauvage est « domestiquée, purifiée et contrôlée ». Emilia Clarke et Chiwetel Ejiofor jouent le rôle d’un cadre technologique et de son mari botaniste qui ont du mal à décider s’ils doivent s’appuyer sur la nature ou la technologie pour amener leur enfant dans un monde où tout est devenu une marchandise.

Sophie Barthes, réalisatrice de « The Pod Generation »

Avec l’aimable autorisation de l’Institut Sundance

Nous avons parlé avec Barthes pour en savoir plus sur l’origine et l’évolution du film, sa propre relation à la technologie et pourquoi elle a décidé d’aborder le sujet comme une satire sociale plutôt qu’un cauchemar dystopique.

Qu’est-ce qui a d’abord suscité l’idée de cette histoire?
On ne sait jamais quand une idée vient pour la première fois, mais curieusement, quand je montrais mon premier film à Sundance [2009’s Cold Souls], j’attendais mon enfant. Je pense que donner naissance peu de temps après ce premier film a en quelque sorte déclenché l’idée de ce deuxième film.

[Another] l’inspiration pour le film était un ami qui est un obstétricien. Dans sa salle d’attente, elle voyait constamment des mères avec leurs bébés sur iPad. Elle demandait « Pourquoi les mettez-vous sur ces choses ? L’enfant a juste besoin d’absorber le monde. Et ils disaient : « J’ai peur que mon bébé s’ennuie. Alors j’ai mis ça dans le film. Il y a un moment où un père demande : « Comment pouvons-nous nous assurer que notre bébé in utero ne s’ennuie pas ? Ils sont comme, « Oh, nous avons du contenu. » Lorsque vous observez cela, vous sentez que nous sommes devenus une culture de contenu.

Pourquoi avez-vous décidé de faire une satire plutôt qu’un drame ?
J’adore la science-fiction, mais elle se prend très au sérieux, pour une bonne cause car elle essaie de dire des choses importantes sur les êtres humains. En tant que cinéaste, c’est intéressant d’aborder des sujets qui ont une résonance politique, [but] Je pense que tu as plus d’impact avec le rire [because] personne n’aime être sermonné. Pour moi, j’ai toujours pensé que le rire est l’outil le plus puissant.

Mais le film a aussi des moments poétiques et oniriques. J’ai l’impression que l’expérience de la vie est, nous traversons cette montagne russe d’émotions. En une journée, nous pouvons pleurer, nous pouvons rire, nous pouvons être extrêmement déprimés ou ravis. C’est difficile à réussir dans un film parce que je pense qu’il est plus facile pour un public de plonger dans un ton spécifique. La beauté des films est qu’ils se rejoignent à un moment donné et ont leur propre tonalité. C’est une découverte que vous faites en travaillant sur le film.

Quel a été le processus créatif pour faire passer l’histoire du scénario à l’écran ?
Mon mari, Andrij Parekh, est le directeur de la photographie sur tous mes films. C’est toujours mon premier lecteur. Il me guide et me donne des notes. Ensuite, quand je me sens plus à l’aise, j’ai un groupe de scénaristes et de cinéastes new-yorkais en qui j’ai vraiment confiance. Je leur envoie des brouillons, puis je réécris. Il se transforme et évolue toujours. Ce film a pris plusieurs années pour toutes les recherches et l’écriture.

Nous étions prêts à tourner à New York. Puis la pandémie est arrivée, et nous avons dû tout réinitialiser et tourner en Europe. Heureusement, Emilia Clarke est intervenue très rapidement et nous avons pu remettre le film sur pied.

Le travail a été grandement amélioré par les outils numériques dont nous disposons maintenant. Nous avons préparé l’intégralité du film, esthétiquement et de manière créative via Zoom pendant six mois. Nous avons utilisé Dropbox tout le temps comme principale source de partage d’images et de tous les fichiers que nous avions pour le film. C’est un film futuriste mais pour toute la reproduction, nous avons utilisé de vieilles images d’un film suédois des années 80. C’est donc comme de la science-fiction vintage rétro ! Nous avons beaucoup utilisé Dropbox pour cela, car nous devions regarder des heures et des heures de séquences d’archives.

Comment collaborez-vous avec votre équipe pour donner vie à votre vision ?
Avec les acteurs, je crois vraiment qu’il faut laisser [them] trouver des émotions et trouver les personnages. Vous ne pouvez pas traiter tous les acteurs de la même manière. Ils ont tous un processus qui leur est très spécifique. Chiwetel est extrêmement préparé et a une idée très précise de la façon dont il va s’y prendre. Tout est tracé dans sa tête. Il est extrêmement méticuleux et précis. Emilia est beaucoup plus fluide et chercheuse. Elle est ouverte à plus de va-et-vient.

Je crois que le cinéma est un art collaboratif. Vous ne seriez pas en mesure de faire tout cela sans les collaborateurs. Toutes les personnes que j’ai entourées [with] sont beaucoup plus expérimentés que moi. Nous avons juste fait le mixage sonore et j’ai beaucoup appris sur la façon d’écrire différemment du son parce que le concepteur sonore est exceptionnel. En tant que réalisateur, vous rassemblez les gens pour faire le meilleur travail possible afin de garder votre vision.

C’est comme ce que disait Kubrick : [Directing is] comme essayer d’écrire un poème sur des montagnes russes ! C’est une tempête constante. Il faut être adaptable et résilient et ne jamais abandonner. Sinon, je ne pense pas que des films [would] venir à la vie. Vous vous dites : ‘Ça fait quatre ans pour une heure et demie de contenu ? L’équation n’a aucun sens. Pourquoi est-ce que je fais cela?’ Mais vous le faites pour la collaboration parce que vous rencontrez des gens incroyables qui sont si talentueux dans un métier spécifique.

Dans le film, vous explorez comment la nature devient marchandisée et cooptée par la technologie. Comment gérez-vous la tension entre la nature et la technologie dans votre propre vie ?
La technologie nous a apporté des choses incroyables. Certaines applications de la technologie nous aident et améliorent notre vie. Mais en même temps, nous devenons esclaves de la technologie.

Quand j’ai besoin d’écrire, je dois aller dans la nature, tout déconnecter, et juste réfléchir. Nous avons tellement de contenu à l’intérieur de nous, mais je pense que, malheureusement, la technologie est utilisée pour nous faire dépendre du contenu externe, ce que nous faisons tous. Je ne suis pas meilleur que n’importe qui. J’ai aussi mes deux téléphones ici, et je les vérifie tout le temps. Mais je sens que je suis esclave de cette chose, et j’aimerais ne pas avoir à la vérifier tout le temps.

Je pense qu’on se déconnecte des plaisirs simples, le plaisir de la nature. Plus nous faisons cela, moins nous pouvons aimer la nature et moins nous pouvons comprendre comment la protéger.

Quels conseils donneriez-vous aux créateurs qui ont du mal à rester concentrés sur leur métier ?
Je pense que la fonction de l’art est de trouver votre voix. Chaque voix est exceptionnelle parce qu’elle est unique. Je pense qu’il est plus important de croire que vous allez trouver votre voix et la tonalité qui vous rend heureux. C’est une chose très physique quand vous écrivez et ça fait du bien. Tu le sens.

Mais nous sommes tous constamment bombardés. Je pouvais passer deux ou trois heures par jour à lire les nouvelles. Je pense qu’en tant que personnes créatives, il est important de créer des moments où vous vous déconnectez complètement pour voir ce qui vient de l’intérieur. Je pense que pour les scénaristes, c’est une discipline d’écrire tous les jours. Vous construisez un muscle, puis cela devient une seconde nature, et vous avez plus d’idées. Si c’est votre passion et que vous vous réveillez tous les matins et que c’est la seule chose que vous voulez faire, vous devez vous y tenir.

Vous ne savez jamais si vous allez faire un prochain film. Vous les développez pendant des années. Les choses s’effondrent. Mais c’est comme la voile. Si vous traversez les tempêtes, vous finirez par arriver quelque part.

The Pod Generation sera présenté en première le jeudi 19 janvier au Festival du film de Sundance 2023. Cette interview a été légèrement modifiée et condensée.

Pour en savoir plus sur la façon dont les cinéastes utilisent Dropbox pour simplifier la collaboration et travailler efficacement à chaque étape de la production, consultez dropbox.com/film.

S’inscrire: Restez au courant des dernières actualités cinématographiques et télévisées ! Inscrivez-vous à nos newsletters par e-mail ici.

Source-114