Dans « Brutal » d’Olivia Rodrigo vidéo, qui a fait ses débuts à l’été 2021, l’ingénue préférée de la génération Z tente de danser le ballet en chaussons de pointe, pour se casser les chevilles et s’effondrer au sol. Ballerine déprimée, Rodrigo rampe sur le sol du studio en collants résille noirs, incapable d’égaler la similitude des danseurs qui l’entourent comme des vautours. Des larmes coulent sur ses joues alors qu’elle se tord le visage en une grimace, tandis que des ballerines à la peau claire en collants roses continuent dans leurs relevés, sans se soucier. « Qui suis-je si je ne suis pas exploité? » Elle se demande.
Qu’il s’agisse d’un lanceur de tendances intentionnel ou d’un clairvoyant, l’échec gothique d’un ballet de Rodrigo a semblé éveiller un fanatisme récurrent de la culture pop pour la ballerine en tant que belle petite chose torturée. Une vidéo de Natalie Portman Cygne noir personnage ayant une dépression nerveuse inquiétante sur scène lors d’une performance psychosexuelle de Le lac des cygnes racketté plus d’un million de vues sur TikTok, et la mode a emboîté le pas avec la réintroduction de la tendance balletcore : des vêtements comme des ballerines, des jupes portefeuille, des pulls portefeuille, des jambières et des justaucorps. L’influence de la tenue de ballet classique peut être vue dans le défilé 2022 de Rodarte le recueildans la pub de Miu Miu campagneset tout au long Euphorie sur Sydney Sweeney, qui porte régulièrement un haut cache-cœur ou deux, un style de ballet popularisé par Diane von Furstenberg.
Suzanne Jolie, l’une des créatrices derrière l’Instagram viral Compte @ModelsDoingBallet, qui prône l’embauche de danseurs plutôt que de mannequins, affirme que la performance primée aux Oscars de Portman, à savoir sa « transformation » de six mois en ballerine professionnelle, et la fascination persistante d’Internet pour son portrait d’une princesse peinée sont plus de une histoire d’effacement et d’exploitation que c’est un triomphe du jeu d’acteur. Portman jamais publiquement crédité sa double de danse, la danseuse de l’American Ballet Theatre Sarah Lane, qui réclamations elle, et non Portman, était responsable de presque toutes les séquences complexes sur pointe. « Elle a été réduite au silence », se souvient Jolie. La résurgence du balletcore en 2022 cache d’autres vérités laides et gênantes.
Au milieu bien intentionné mais incomplet TikToks de l’histoire du balletcore et d’élégantes séances photo mettant en vedette des célébrités et des mannequins en chaussons de pointe, le renouveau esthétique du ballet ne raconte que les parties agréables de l’histoire. Idéalement, il laisse de côté le systémique agression sexuelle, toilettageet harcèlement allégations qui ont surgi dans le monde du ballet au cours des dernières années, et ignore l’incapacité institutionnelle du ballet à tenir compte de son auto-perpétuation racisme et la phobie des graisses. Alors que la vidéo « Brutal » de Rodrigo interroge au moins les dangers de l’idéal du ballet, journaliste et auteur de Pointe tournante Chloe Angyal note qu’on ne peut pas en dire autant des pas de deux intempestifs de 2022 avec balletcore.
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« C’est un peu comme une levée non critique et inconditionnelle des visuels, de l’iconographie et de l’imagerie du ballet. Je doute fort que l’un de ces créateurs ait pensé aux multiples controverses qui ont agité le ballet au cours des deux dernières années », a déclaré Angyal à Jezebel dans une interview au début du mois. « Parce que le ballet est une sorte de raccourci pour la féminité raffinée, sans effort et athlétique de la classe supérieure, il n’est pas surprenant pour moi que les marques veuillent exploiter cela, saisissant les parties pratiques et attrayantes du ballet et ignorant tout le reste. »
Alors que les marques de mode haut de gamme continuent de coopter les tenues de ballet sans prendre le temps de creuser dans le passé ou le présent en constante évolution de la forme d’art, elles attisent les flammes de la lutte des danseurs pour les droits du travail, le pouvoir et une voix dans une industrie. qui exige le silence et la soumission de ses artistes les plus talentueux.
Désormais synonymes de mode de ballet, les robes en tulle emblématiques qui constituent l’ADN de marques modernes telles que Rodarte et Simone Rocha sont apparues pour la première fois dans les années 1800. Les «jupes vaporeuses» ou tutus étaient les évolutions artistiques de la mode actuelle à l’époque, selon le livre et l’exposition du FIT Museum qui l’accompagne, Ballerine : muse moderne de la mode, organisée par Patricia Mears. Dans un récit vidéo faisant la chronique de l’exposition, Mears explique que ce n’est qu’en 1909 et la montée de la supernova russe Anna Pavlova que la « balletomanie » a envahi l’ouest. Dans les années 1930, dit Mears, le tutu corseté allait inspirer « les couturiers les plus importants » du siècle comme Coco Chanel. En 1948, les ballerines jouaient régulièrement dans des films comme Les chaussures rouges et ont été présentés dans des magazines comme La vie alors que les Américains réclamaient de mettre la main sur leur propre morceau du glamour et de la beauté couleur crème qu’offrait la culture du ballet.
Malgré l’ascension rapide des ballerines vers la royauté culturelle, Angyal souligne le contrôle oppressant et le manque d’agence corporelle qui sont profondément ancrés dans la forme d’art – ce qui doit être mentionné lorsque l’on parle de l’histoire de la mode du ballet, aussi laide soit-elle. Ces dynamiques sont précisément ce que l’artiste impressionniste français Edgar Degas visait à capturer lorsqu’il a peint des personnages sombres scrutant le corps de ballet. « Ce que beaucoup de gens ne réalisent pas lorsqu’ils regardent ces peintures de Degas, c’est que toutes ces femmes étaient appauvries. Certaines d’entre elles ont pu se créer un semblant de stabilité économique en devenant les maîtresses de riches abonnés du ballet, mais la plupart d’entre elles ne l’ont pas fait », explique Angyal. « Ces images étaient comprises comme des peintures de femmes épuisées, travailleuses et de la classe inférieure. »
Mears dit que les années 1970 allaient marquer un changement colossal dans le cachet culturel du ballet, alors que de grandes entreprises de vêtements de danse comme Danskin Inc. ont commencé à proposer aux Américains des justaucorps et des collants commercialisés spécifiquement pour ceux qui ne fréquentaient pas la barre de ballet. Enfin, tout le monde pouvait participer à la fascination des États-Unis pour la féminité petite et gracieuse. Avance rapide vers le millénaire, et les marques de Free People aux débuts d’American Apparel ont lancé en masse des collections de ballet de prêt-à-porter, y compris la tendance du ballet plat. Les programmes de remise en forme «corps de ballet» et les entraînements inspirés de la barre comme Pure Barre ont occupé le devant de la scène, et c’est à ce moment, dit la danseuse de ballet et autoproclamée «maman du ballet TikTok» Minnie Lane, que l’esthétique du ballet a soudainement été copiée et -collé sur des produits engendrés par le capitalisme sans y penser.
« Les femmes sont confrontées aux mêmes normes que les danseuses de ballet au quotidien. Mais maintenant, ils sont transformés en cette toute petite tendance qui utilise la nostalgie du public pour le ballet comme un cheval de Troie pour la phobie des graisses et la misogynie », a déclaré Lane à Jezebel lors d’un entretien téléphonique. « Le balletcore a pris les pires aspects de la culture du ballet et l’a appliqué à toutes les femmes, et je doute vraiment, à part quelques campagnes publicitaires du New York City Ballet ou de l’ABT, que le ballet en tant que domaine en profite du tout. »
La résurgence particulière d’aujourd’hui, note Lane, semble être dans le déni complet des réalités réelles du domaine et survient à un moment difficile dans l’industrie, car elle se dresse un miroir fissuré. Un procès intenté par d’anciens élèves de ballet en fin d’année dernière allégué cette faculté de l’École des arts de l’Université de Caroline du Nord a abusé et harcelé sexuellement des mineurs au cours de deux décennies. Un deuxième procès revendiqué Le professeur de danse Taylor Button et sa femme Dusty Button, qui était employée par le Boston Ballet, avaient formé de jeunes danseurs et les avaient poussés à avoir des relations sexuelles avec Taylor seul et avec le couple ensemble. Le Boston Ballet a rapidement licencié Button, mais n’a pas révélé que Button avait été complice de l’abus. Le New York City Ballet abrite encore des vestiges des influences de Peter Martins, leur ancien chorégraphe qui à la retraite en 2018 au milieu d’allégations d’abus et de harcèlement sexuel. Pendant ce temps, le ballet n’a pas fait grand-chose pour lever les ailes des danseurs noirs: Misty Copeland seulement est devenu le premier danseur principal noir avec ABT en 2015, mais a mentionné ces dernières années, ce ballet reste « extrêmement en retard » en termes de justice raciale.
«Nous devons également remarquer ce que nous vendons d’autre lorsque les marques empruntent au ballet. Le ballet se diversifie, mais c’est toujours une forme d’art extrêmement blanche, et à bien des égards, c’est synonyme d’hyper-féminité blanche », dit Angyal. « Et quand la mode emprunte au ballet, elle emprunte souvent aussi cette blancheur aspirationnelle. »
Angyal ajoute qu’il est probable que la haute couture aime s’appuyer sur les influences du ballet, en partie parce que le ballet, longtemps associé à l’élite, est coûteux et financièrement exclusif. « C’est exclusif quand on pense non seulement à qui prend du ballet, mais aussi à qui consomme du ballet. Les billets de ballet ne sont pas bon marché, et quand vous pensez à qui va au ballet, vous pensez à un public plus âgé, plus riche et urbain.
À la grande surprise et à la gratitude des danseurs, cependant, le ballet évolue rapidement. Les jeunes entre ses mains, note Lane, se soucient profondément de faire du ballet un lieu de travail plus juste et équitable. Ils ne sont pas si disposés à accepter aveuglément la tradition qui leur a été transmise comme « juste comme les choses sont ». Pourtant, les danseurs dans les tranchées d’un domaine aussi ardu ont souvent peu de liens avec les consommateurs ou les danseurs occasionnels ciblés par des marques comme Free People ou Alo Yoga.
Plutôt que de jeter à la retraite Riverdale stars et membres de la couvée Kardashian-Jenner en chaussons de pointe, Jolie et sa partenaire commerciale Katie Malia espèrent que la mode cessera de fétichiser les danseurs de ballet et reconnaîtra que le ballet est un sport exténuant qui nécessite des décennies de perfectionnement technique. Le duo insiste sur le fait que les pointes doivent être méritées et non attribuées au hasard à de jolies femmes qui correspondent à la facture. Malia pense que la seule façon d’avancer est de donner aux artistes de ballet et aux danseurs plus d’opportunités commerciales: choisir l’athlète fort plutôt que le modèle waif-y et sans formation.
« Les danseurs ont souvent l’impression qu’ils n’ont pas de voix. La beauté de la danse est, bien sûr, qu’il s’agit d’une communication physique », dit Malia. « Mais quand vous regardez vraiment ce qu’est la danse, nous ne savons pas comment entraîner nos voix physiques réelles à parler. Et lorsque vous retirez continuellement le pouvoir au danseur, ce modèle d’exploitation se poursuit.
Toutes les femmes auxquelles Jezebel s’est entretenue ont compris pourquoi les marques de mode pourraient s’inspirer du ballet sans nécessairement les en blâmer : le ballet est beau. Le fait de se tenir en équilibre sur la pointe d’un orteil tout en présentant le haut du corps dans un élégant mouvement de cygne semble physiquement impossible. Pourtant, les danseurs de ballet exécutent chaque jour avec un sourire, un menton incliné vers la rangée arrière du théâtre, des lumières brillantes sur leurs visages et un corsage lourd lacé de pierres précieuses et de cristaux Swarovski les pesant au sol. Et toujoursils flottent toujours.
Balletcore, bien sûr, peut être bien fait. Les femmes derrière @ModelsDoingBallet désignent Michael Kors, qui s’est récemment associé au doyen de l’école de danse de Juilliard et à sa fille pour modéliser des produits. Ils donnent également leur approbation à Under Armour, qui a travaillé de manière transparente avec Copeland au fil des ans. Lane voit même le potentiel de balletcore pour ouvrir l’esthétique du ballet à différents genres et types de corps, à la suite de certains des danseurs de ballet pionniers non binaires et trans qui dansent maintenant sur pointes sur des scènes à travers le pays.
Pour le d’Alexandra et le de Rosie et les Gina et les Sage – tous les jeunes que le ballet a mâchés, recrachés et laissé panser leurs blessures – mon seul souhait est que la réalité du ballet soit un jour aussi innocente et belle que les créateurs de mode d’aujourd’hui semblent l’être. pense que c’est.