À l’automne 1989, Martin Margiela invite l’industrie de la mode dans un lieu de défilé improbable : une cour de récréation. Au premier rang étaient assis des enfants du quartier parisien local, qui avaient été enrôlés pour fabriquer les invitations en carton. Le spectacle était le premier du genre, mais il a inspiré d’autres collections qui ont exploré l’idée du jeu. Par exemple, John Galliano avait des modèles habillés comme des poupées en papier pour sa collection automne 2000, avec des dessins naïfs de style peinture sur leurs visages qui comprenaient des moustaches de chat. Au printemps 2005, Alexander McQueen a transformé sa piste en un jeu d’échecs lumineux surdimensionné pour son spectacle intitulé « Ce n’est qu’un jeu », mettant en vedette des robes poofy décorées de carrousels et de bonbons. Cette même saison, Dries Van Noten fait défiler des mannequins sur une longue table à manger.
Cette année, le thème du jeu a été exploré par neuf créateurs de sept jeunes labels — Priya Ahluwalia, Saul Nash, Peter Do, Jordan Dalah, Maxwell Boko et Mmuso Potsane de MmusoMaxwell, Rui Zhou de Rui, et Kevin Nompeix et Florentin Glémarec d’Egonlab. – qui ont chacun reçu de l’argent de la société Woolmark et une invite à interpréter le thème du jeu comme ils l’entendaient.
Les créateurs sont les finalistes du prix international Woolmark 2022, qui a été lancé en 1936 et promeut aujourd’hui l’innovation dans la laine mérinos. Plus tôt ce mois-ci, les prix ont été décernés au 180 Strand – un centre de la Fashion Week de Londres et un bâtiment tristement célèbre à Londres pour les créatifs – par un jury composé de Riccardo Tisci, Naomi Campbell et Marc Newson.
Saul Nash – un danseur devenu designer qui a exploré le jeu en utilisant beaucoup de couleurs dans des mouvements ondulants qui « imitaient les lignes cinétiques du corps » – a remporté le prix Woolmark cette année. Il s’est appuyé sur son expérience de break-dance pour créer un survêtement habillé qui « libère les hommes des connotations négatives des vêtements de sport ». C’était la première fois que Nash utilisait de la laine mérinos – l’un des textiles de performance originaux, grâce à sa capacité naturelle à absorber la transpiration. « Créer des vêtements qui ne sont pas à 100% en microplastique est important pour moi. »
Un dessin de Nash.
Photo: Daniel Archer
Zhou, une créatrice chinoise connue pour ses mailles à effet échelle, a également sondé la notion de mouvement. Elle a conçu sa collection à l’aide de machines 3D qui lui ont permis de jouer avec la forme et les tissus : certains hauts ont été infusés avec du fil de pêche pour créer des manches en forme de tourbillon ; les robes sans couture étaient si fines qu’elles frôlent la transparence ; d’autres ont été crochetés ensemble à partir de feuilles miniatures, comme s’ils étaient tombés d’un arbre. Les mailles Jacquard amples étaient rehaussées de cristaux Swarovski presque invisibles.
Dessins de Rui Zhou.
Photo: Daniel Archer
Un dessin de Zhou.
Photo: Daniel Archer
Les designers Maxwell Boko et Mmuso Potsane, du label sud-africain MmusoMaxwell, voulaient montrer que le jeu peut avoir un but, ils ont donc utilisé le thème pour reconnaître un problème grave dans leur pays d’origine : le phénomène sectaire des guérisseurs religieux qui font payer les gens pour leurs prières. . Leur collection, qui a remporté le prix Karl Lagerfeld pour l’innovation de Woolmark, comprenait des vestes en laine avec des patchs brodés qui comprenaient les mots « Hope », « Miracle » et « Peace ». Ils ont été conçus pour ressembler à des étiquettes de vêtements. « Vous pouvez même acheter un miracle », dit Potsane. « Tout aujourd’hui est une transaction. »
Dessins de Maxwell Boko et Mmuso Potsane.Photos : Daniel Archer.
Dessins de Maxwell Boko et Mmuso Potsane.Photos : Daniel Archer.
Les créations genderless de la marque parisienne Egonlab jouaient également avec la notion de religion. Un manteau papal rouge a été inspiré par les vêtements traditionnels des prêtres. C’était un clin d’œil à l’idée que la mode est une religion : « Nous nous amusions avec la sémantique », explique le co-fondateur Kevin Nompeix. « Nous interprétons le jeu non pas au sens propre mais au sens figuré. » La cape du pape, dit-il, « évoque notre croyance en un monde plus juste et respectueux pour tous, où les gens peuvent être qui ils veulent être ».
Une conception par Egonlab.
Photo: Daniel Archer
Egonlab.
Photo: Daniel Archer
Parmi les autres finalistes figurait Peter Do, un designer vietnamien américain basé à New York, qui a basé son concept de plaisir sur la notion de déguisement. Sa palette stricte et monochromatique ne serait normalement pas considérée comme ludique par un effort d’imagination. Mais avec cela, il a conçu une capsule étanche avec des manches, des fermetures éclair et des ceintures adaptables. La collection de 22 pièces peut être stylisée de 365 façons : Do a même créé un livre d’accompagnement, une sorte de calendrier vestimentaire proposant un look pour chaque jour de l’année. « J’adore l’idée que quelqu’un se réveille, ouvre une page au hasard et porte ce qu’il y a sur la photo », dit-il. « La mode vous permet d’être qui vous voulez être. »
Dessins de Peter Do.Photos : Daniel Archer.
Dessins de Peter Do.Photos : Daniel Archer.
Dessins de Do.Photos : Daniel Archer.
Dessins de Do.Photos : Daniel Archer.
La designer née à Londres, Ahluwalia, a fait référence aux films de Bollywood et de Nollywood dans sa collection comme une exploration de son ascendance indienne et nigériane. Ahluwalia a joué avec des nuances saturées en créant un mélange de jacquards et de tricots – teints à l’aide d’épices naturelles – dans des robes moulantes, de grands chapeaux seau et des pantalons à pattes d’éléphant. Désormais convertie aux colorants à base de plantes, Ahluwalia prévoit de continuer à les expérimenter dans ses collections à l’avenir. « Je n’avais jamais eu la possibilité d’essayer des alternatives non chimiques auparavant », dit-elle.
Un dessin de Priya Ahluwalia.
Photo: Daniel Archer
Dessins d’Ahluwalia.Photos : Daniel Archer.
Dessins d’Ahluwalia.Photos : Daniel Archer.
Jordan Dalah – qui, comme Woolmark, est basé à Sydney – crée généralement des collections sculpturales et technicolor théâtrales, mais a plutôt créé des vêtements aux tons laiteux et sourds qui imitaient un agneau de printemps. Par exemple, la nuance de rose qu’il a utilisée a été inspirée par la peinture en aérosol trouvée sur la toison d’un mouton que les agriculteurs utilisent pour compter et distinguer leurs troupeaux des autres dans les pâturages.
Un dessin de Jordan Dalah.
Photo: Daniel Archer
Une robe longue comportait un large ourlet rembourré qui flottait au-dessus du sol comme une soucoupe volante. Sa silhouette rappelait la forme bulbeuse d’un mouton; Dalah s’était inspiré d’une série de photographies prises par son ami, qui avait pris des photos des animaux câlins. Les ourlets, rembourrés de laine naturelle pour la première fois, étaient « vraiment doux, moelleux et moelleux, comme un agneau ».
Un dessin de Nash.
Photo: Daniel Archer
Dessins de Do.Photos : Daniel Archer.
Dessins de Do.Photos : Daniel Archer.
Une conception par Egonlab.
Photo: Daniel Archer
Un dessin de Dalah.Photos : Daniel Archer.
Un dessin de Dalah.Photos : Daniel Archer.
Une conception par Egonlab.
Photo: Daniel Archer