Women Talking ouvre dans des salles limitées le 2 décembre avant d’être diffusé à grande échelle le 23 décembre.
Dire qu’un film ressemble à un fil Twitter est rarement une bonne chose – voir aussi: le film d’exposé médiocre de Harvey Weinstein Dit-elle – mais Women Talking de Sarah Polley transforme le concept en plat. Basé vaguement sur le roman éponyme de Miriam Toews, il vise les structures patriarcales et les impasses philosophiques qui en découlent émergeant d’une société où les agressions sexuelles sont trop courantes et où les femmes ont enfin commencé à s’exprimer. L’histoire se déroule dans une commune chrétienne isolée, où une série d’attaques ont forcé sa population féminine opprimée à se rassembler, voter et débattre de la meilleure façon de procéder – qu’il s’agisse de pardonner à leurs violeurs comme le dicte leur foi, de rester et de se battre pour créer un meilleure culture, ou se lever et partir entièrement — mais le dialogue incessant du film évite de trop s’éloigner vers le didactique. Cela est dû, en grande partie, à Polley qui a sondé ce qui se cache sous chaque facette de cette conversation en cours, qui peut se manifester dans la sphère publique de manière réductrice, que ce soit par le biais de nouveaux médias ou de flux plus traditionnels. Women Talking essaie de ramasser les morceaux brisés de ces débats et de les reconstituer. Bien que sa mise en scène théâtrale cède parfois la place à un flux et reflux inorganique (accompagné de quelques changements de ton gênants lorsque le film tente la légèreté), il est difficile de ne pas être séduit par son incroyable ensemble, qui offre des performances stellaires à tous les niveaux.
Son texte d’ouverture se lit comme suit : « Ce qui suit est un acte d’imagination féminine », bien que ses qualités les plus imaginatives résident toutes dans sa mise en scène et sa dramaturgie. L’histoire elle-même est enracinée dans la douloureuse réalité d’une communauté menonite en Bolivie, la colonie du Manitoba, dont Toews a adapté le cas réel pour son roman se déroulant en Ukraine (Toews elle-même a grandi dans une ville menonite du Manitoba, au Canada, qu’elle a quittée à l’âge de 18 ans). Polley transpose ensuite le film aux États-Unis, où la chronologie n’est pas tout à fait claire au début – les costumes simples et la conception de la production rurale font que cette commune se sent coincée dans le temps et hors du temps; à la fois piégés dans le passé, mais intemporels et prémonitoires – mais quelques références commencent à nous indiquer lentement le « quand » de tout cela. La traduction culturelle vers l’ouest du texte témoigne de la nature théâtrale de l’histoire; cela ressemble distinctement à une pièce de théâtre de boîte noire, se déroulant principalement dans une grange en secret, via un dialogue parlé avant tout. C’est le genre de conte sous le radar qui gagnerait à être localisé, étant donné qu’il vit dans l’espace délicat entre les grandes généralités, en ce qui concerne le genre, et les spécificités de temps, de lieu et de langue – ou leur absence, où le ce dernier est concerné. Comme le décrit l’une des victimes analphabètes du film, on lui a peu appris sur son propre corps et sur ce qu’on pouvait lui faire.
Cependant, malgré sa théâtralité, Women Talking découvre ses moments les plus émouvants lorsqu’il s’éloigne brièvement de la grange, pour des éclairs de mémoire. Ces intermèdes illustrent ce dont les femmes à l’intérieur discutent réellement, aboutissant à des représentations distinctement cinématographiques des émotions soulignant leurs paroles (que ce soit la brutalité exercée sur elles, ou leurs espoirs et rêves plus abstraits pour leurs enfants à l’avenir). Après que les femmes de la colonie aient voté en secret – avec des « X » marqués à côté des illustrations, puisqu’elles ne savent ni lire ni écrire – elles arrivent à une impasse entre la fuite et le combat. Ainsi, sous la direction d’un personnage mineur interprété par Frances McDormand, les femmes de deux familles spécifiques sont choisies pour trancher et prendre une décision collective.
Les aimables aînés de chaque famille, Agata (Judith Ivey) et Greta (Sheila McCarthy), dissimulent leurs fardeaux avec des sourires acceptants, mais ils abritent aussi une sagesse ironique. Agata a deux filles : Ona (Rooney Mara), qui est enceinte de son agression et qui réfléchit attentivement à chaque option, et Salomé (Claire Foy), dont la plus jeune fille a été violée et qui nourrit une fureur inextinguible ; elle est déterminée à rester et à se battre, même si ce que cela signifie vraiment est quelque chose que les femmes doivent encore décider. Pour compléter le trio de tête, la fille de Greta, Mariche (Jessie Buckley), dont le mariage abusif l’a convaincue que partir est la meilleure (et la seule) option. Mariche et Salomé sont constamment en désaccord, et leurs déclencheurs capillaires compréhensibles entraînent de fréquentes explosions au milieu du débat.
Les accalmies entre leurs escarmouches, cependant, voient le relais dramatique passé à un riche éventail de personnages secondaires. Non seulement Agata et Greta, mais la nièce de Greta Mejal (Michelle McLeod) – qui considère tranquillement la conversation d’un coin, alors qu’elle atténue ses traumatismes résurgents en fumant – et les deux adolescents du film, la nièce de Salomé Neitje (Liv McNeil) et la fille de Mariche, Autje (Kate Hallett). Plutôt que de suivre l’exemple contradictoire de Salomé et Mariche, ce sont les meilleures amies qui se lassent rapidement du processus. Cependant, leurs performances sont si finement ajustées que les deux adolescents ne se mélangent jamais, bien qu’ils aient à partager la quasi-totalité de leur temps d’écran limité. à mesure que le débat s’intensifie, McNeil devient plus discrètement mécontent, tandis que Hallett commence à se fissurer et à s’effondrer lentement.
Le casting principal est complété par Ben Whishaw dans le rôle de l’instituteur sensible August, qui est amoureux d’Ona et dont la fonction est de rédiger le procès-verbal de la réunion. Il a également demandé son avis à l’occasion; sa mère a déjà été excommuniée de la commune pour avoir contesté leurs croyances, donc la façon dont il a été élevé le rend disposé à aider les femmes d’une manière que les autres hommes de la colonie ne pourraient pas.
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La palette désaturée du film se démarque dès ses premières images, et bien que Polley et le directeur de la photographie Luc Montpellier ne jouent pas beaucoup avec la lumière et la couleur, cela ouvre la voie au déroulement d’une histoire particulièrement sombre. Le rapport d’aspect inhabituellement large de 2,76: 1 ajoute certainement à la qualité de la scène, mais il aide également à encadrer plusieurs femmes et plusieurs perspectives qui se déroulent simultanément, alors que les opinions et les tempéraments volent, et le débat sur le fait de partir ou de rester s’approfondit au point que plusieurs personnages finissent par 180’ing entièrement. Ona est souvent le catalyseur de ces changements ; où Mariche et Salomé font rage l’une contre l’autre (et contre pratiquement tout le monde), la grossesse d’Ona la tient parfaitement consciente de l’avenir et de sa fragilité, alors elle pose des questions pragmatiques sur où exactement chaque chemin pourrait mener les femmes, devraient-elles rester ou partir .
Le sujet du pardon est également abordé, à la fois comme concept religieux et comme concept à fonction sociale collective. Mais ces réflexions intellectuelles, bien qu’engageantes sans aucun doute, sont finalement mises de côté au profit de ses forces émotionnelles. Le film, bien qu’il présente peu de personnages masculins au-delà d’August – et un homme trans dans la communauté (August Winter), qui a également été violé et imprégné – abrite une conscience constante de la manière dont les hommes et les garçons jouent dans cette dynamique, en particulier lorsque le sujet du départ est considéré plus sérieusement. Lequel de leurs fils les femmes amèneraient-elles avec elles ? Quel est l’âge limite ? Et les femmes sont-elles même équipées pour enseigner à leurs fils et les aider à désapprendre la cruauté ? Des nombreux plans de coupe aux flashbacks décousus, les images concernées par ces questions sont peut-être les plus émouvantes du film. Les femmes demandent à August ce qu’il pense de ses jeunes étudiants masculins; il répond par des mots, élucidant des idées sur la gentillesse et la curiosité, mais Polley fait correspondre ses déclarations à la fois à des images d’innocents, d’ébats d’enfance, et à la solitude obsédante et à l’isolement émotionnel imposés aux garçons. Même en tant qu’enfants qui ne jouent pas un rôle majeur dans l’histoire, les chemins divergents des garçons – s’ils restent ou partent – sont clairement exposés à travers des implications poétiques et abstraites. La compositrice Hildur Guðnadóttir noue un arc soigné sur cette séquence avec certaines de ses musiques de film les plus émouvantes à ce jour. Un moment en particulier se démarque, où des cordes tenues accompagnent un gros plan fugace d’un adolescent regardant droit dans l’objectif, provoquant l’arrêt du temps alors que son avenir est en jeu.
Bien qu’il ne soit pas aussi poli que Tar de Todd Field, Women Talking s’y marie étonnamment bien, en tant qu’extrapolation de la dynamique du pouvoir (« Ne voulons-nous pas tous une sorte de pouvoir? » Mejal demande à un moment donné, ce à quoi Ona répond: « Je pense que oui, mais je ne suis pas Bien sur »). Mais plutôt que d’explorer la façon dont le pouvoir blesse les impuissants, le film s’attarde à côté de cette blessure, longtemps après qu’elle se soit installée, alors que les femmes trouvent des moyens d’échapper à son emprise terne. Mais là où le film réussit finalement, ce n’est pas seulement dans sa présentation cinématographique des débats en cours sur le pouvoir et le genre, ou même les rythmes avec lesquels chaque performance fulgurante est conçue (félicitations aux éditeurs Christopher Donaldson et Roslyn Kalloo). Au contraire, son succès clé réside dans sa capacité à suivre les effets d’entraînement de ces conversations le long de trajectoires émotionnelles distinctes, en traçant chaque implication au fur et à mesure qu’elle arrive à un nouvel obstacle à franchir minutieusement, même au point d’épuisement. Il s’agit de ce qui pourrait ou devrait venir après les cris, les hurlements et la ventilation désespérée – c’est-à-dire la tâche difficile de guérison et de reconstruction.