Cliff Richard, Noël avec Cliff ★★☆☆☆
Est-ce même Noël si vous n’entendez pas une chanson de Cliff Richard ? Bien avant que Michael Bublé ne règne en décembre, Richard était déjà le roi officieux du palmarès festif, avec trois numéros un de Noël, dont Mistletoe et Wine à son nom.
Bien que tous s’appuyaient sur un plan de schmaltz à friser les orteils et de ferveur chrétienne sincère, Richard était de toute façon une institution britannique à ce moment-là. Il a marqué son premier succès en 1958 et est devenu la réponse impeccable du Royaume-Uni à Elvis Presley. Les fans qui sont tombés pour la première fois sous le charme de sa banane et de sa beauté saine sont plus dévoués que jamais à ce jour, et Richard est toujours le seul artiste au monde à avoir marqué les cinq meilleurs albums en huit décennies consécutives.
Aujourd’hui âgé de 82 ans, sa détermination à divertir n’a jamais faibli, même en luttant contre une affaire judiciaire très médiatisée contre la BBC en 2018 pour leur couverture d’une descente de police à son domicile. Son dernier album Music… The Air That I Breathe a navigué au numéro 4 en 2020 et maintenant il est de retour avec son premier disque de Noël complet depuis 2003, débordant des cloches de traîneau et des lignes chorales angéliques requises.
Évidemment, c’est tout aussi ringard qu’on pourrait s’y attendre, sautant joyeusement à travers un joyeux C’est le moment le plus merveilleux de l’année, Jingle Bell Rock et un Oh Come, All Ye Faithful étonnamment majestueux. Il y a même un clin d’œil à ses racines avec une reprise insipide de Blue Christmas, le plus célèbre interprété par Presley. Étonnamment, le trio de nouvelles chansons est le véritable point culminant, brisant les classiques prévisibles avec une véritable tendresse et mettant en valeur la voix toujours impressionnante de Richard à son meilleur. Bien que la joie perpétuelle et la saccharine implacable suffisent presque à décourager quiconque de Noël pour la vie, personne ne fait preuve d’une sincérité sans vergogne comme Richard. Inutile de dire que c’est un classique de Noël en devenir. Siobhan Grogan
Fleetwood Mac, la collection alternative ★★★☆☆
Comme s’il n’était pas assez difficile de suivre les ruptures, les maquillages et les membres en constante évolution de Fleetwood Mac, le groupe légendaire publie maintenant des versions alternatives de certains de ses albums les plus appréciés pour ajouter une couche supplémentaire de confusion. Oh, et tous ont déjà été publiés individuellement ces dernières années.
Désormais réunie en une seule collection pour la première fois à l’occasion du Record Store Day de ce vendredi, The Alternate Collection comprend un coffret en édition limitée de six CD ou huit LP sur vinyle transparent. Chacun présente des prises alternatives des morceaux des cinq albums que le groupe a sortis entre 1975 et 1987 – Fleetwood Mac, Rumours, Tusk, Mirage et Tango in the Night – plus un album live. Tous présentent la programmation classique des années 70 composée de Mick Fleetwood, John McVie, Stevie Nicks, Christine McVie et Lindsey Buckingham.
Pour les vrais passionnés qui ne les possèdent pas déjà, cette collection offre un aperçu supplémentaire au-delà d’un simple remaster dans la réalisation de ces albums à succès, entre le divorce, la drogue et les bouffonneries de diva infâmes pour lesquelles le groupe est rapidement devenu connu. Il y a aussi de vrais joyaux ici, y compris une démo à moitié formée du morceau inédit Where We Belong, une charmante version acoustique en duo de Never Going Back Again et une première interprétation brute et prête de Eyes of the World.
Pourtant, cela ne va pas assez loin si vous espérez quelque chose de vraiment nouveau ou différent. La plupart des morceaux – y compris Monday Morning, Dreams et Oh Diane – sont simplement des versions moins raffinées ou plus dépouillées du produit fini et d’autres sont presque impossibles à distinguer de ceux des albums originaux. En tant que collection de certaines des chansons pop les plus influentes et les plus sombres jamais sorties, c’est toujours une écoute glorieuse, un rappel complet de l’éclat toujours fascinant de Fleetwood Mac. Mais vraiment, celui-ci est réservé aux fans purs et durs. SG
Duc Garwood, Rogues Gospel ★★★★★
Après une brève période de crédibilité au début des années 2000 autour de l’ascension des White Stripes, quelques précieux desperados du blues errent aujourd’hui dans le paysage pop. Sur nos côtes, Duke Garwood, du sud de Londres, s’est taillé une voix singulière dans l’isolement, son son enfumé et nocturne et son ronronnement tranquillement intense hypnotisant un auditoire culte à travers six longs interprètes, les deux derniers pour le label hipster Heavenly Recordings.
L’homme de 53 ans, esquivant les feux de la rampe et opposé au carriérisme, a formé une autre paire au milieu des années 10 avec un esprit apparenté transatlantique, Mark Lanegan, le héros parfois grunge qui partageait son penchant pour la musique d’ambiance roots, voire exploratoire.
Après le décès de Lanegan en février, Garwood rend un hommage à son ami et co-conspirateur à la fin de cette septième sortie en solo, intitulée Lion on Ice, le louant comme « comme un satellite tombé trop tôt », et concluant tristement que « nous sommes tous perdus dans le jeu ».
Si cela semble un peu sombre à l’approche de Noël, on ne saurait trop insister sur la chaleur, la vitalité et, franchement, le côté sexy de l’interprétation unique et frémissante de Garwood de l’idiome blues. Il parle du processus de fabrication de Rogues Gospel, en pleine pandémie aux côtés de son batteur Paul May, « dans un rêve de fièvre imbibée de chaleur […] pour nous sauver de la folie, pour inviter les anges.
Son picking hypnotique et les coups de pinceau jazzy de May sont texturés partout avec un orgue cryogéniquement discret et, sur l’avant-dernier Whispering Truckers, un saxophone profond, tous contribuant à cette version méditative bourdonnante du blues qui, aussi un peu comme Astral Weeks de Van Morrison, semble presque se dissoudre. la division fait des traces et transcende le temps lui-même.
Garwood lui-même serait le dernier à le crier sur les toits, mais à chaque album qui passe, ce maître méconnu semble affiner ses méthodes, travailler de plus grands moments d’alchimie (ici, Neon Rain Is Falling est extraordinaire) et atteindre généralement un état supérieur. de grâce musicale. Lanegan lui donnerait sûrement un high five approbateur pour celui-ci. André Perry
David Bowie, Symétrie divine ★★★★☆
À l’aube de 2023, on peut avoir l’impression que chaque pierre n’a pas été retournée dans l’analyse des super-héros du rock classique des années 1960 et 1970. Le traitement de luxe convaincant du mois dernier du Revolver des Beatles a prouvé le contraire, et comme s’il s’agissait de seconder le mouvement à la hâte, ce 4CD atterrit maintenant à travers la trame de fond de Hunky Dory, l’album transformateur de David Bowie de 1971.
Ce fut l’année où l’ancien David Jones, après divers essais en tant que mod-popster, compositeur de chansons de scène du West End et folk hippie, s’est épanoui pour devenir le David Bowie que le monde est venu adorer, doté d’un postmodernisme ludique, d’une fluidité des genres et garde-robe extravagante.
Divine Symmetry montre que cette métamorphose ne s’est pas faite sans beaucoup de souffle et de souffle. C’est là que réside son intrigue, puisque le travail de base est révélé à travers quelque 48 titres inédits (dont de nombreux obsédés par la collecte de contrebande, même surprenants), ainsi qu’un livre de 100 pages et une reproduction composite des cahiers de Bowie de l’époque, où il orthographie de manière amusante son son propre titre putatif d’album (Hunky Dorey?), rédige les paroles et les setlists, tient le compte des cinq dollars qu’il a prêtés au guitariste Mick Ronson et conçoit curieusement un clobber de scène Flash Gordon-esque.
Un disque de démos reflète souvent le cadeau d’un voisin d’un piano installé chez Bowie à Beckenham : l’un, l’histrionique How Lucky You Are (alias Miss Peculiar), a été proposé sans succès à Tom Jones pour être enregistré ; un autre, Changes, qui a finalement présenté l’album et hymné l’éthos caméléon de Bowie, a été miraculeusement récupéré d’un vieil acétate rugueux.
BBC In Concert du disque deux de juin 1971 annonce, comme l’observe sèchement le MC John Peel, l’arrivée d’un nouvel ensemble, dirigé par Ronson – bientôt renommé The Spiders from Mars pour l’album de Ziggy Stardust de l’année suivante, qui, incroyablement, était en cours d’écriture. en même temps – avec un cirque de bohèmes parasites, dont l’un, Dana Gillespie, chante le nouveau Andy Warhol.
Par le set live du disque trois d’Aylesbury Friars en septembre, le combo de Ronson commence à amplifier les choses en seconde période, couvrant Chuck Berry et The Velvet Underground, mais ce n’est que lorsque Hunky Dory lui-même arrive en décembre que toutes les planètes s’alignent sous le producteur Ken Scott. conseils, et Queen Bitch, après plusieurs essais folkloriques, acquiert son riff électrique croustillant, inventant d’un coup le glam rock. C’est un voyage fascinant. PA
isomonstruosité, isomonstruosité ★★★★☆
Qu’il s’agisse de Mike Jones échantillonnant Rossini pour une chanson piège séminale sur le sexe ou de Nas réinterprétant la menaçante mais triomphante Carmina Burana du compositeur allemand Carl Orff pour un succès de rue sur le fait d’irriter ses ennemis, il existe de nombreux exemples de hip hop et de musique classique qui ne font qu’un.
Au mieux, cette fusion de sons se traduit par une atmosphère cinématographique qui se situe quelque part entre grandiose et enracinée dans le caniveau (voir Paparazzi de Xzibit), mais le simple fait de mélanger des quatuors à cordes et des 808 tambours peut aussi sembler banal et moralisateur si c’est fait sans signification et juste pour le plaisir (ouais, CU When You Get There de Coolio n’a pas trop vieilli).
C’est un dilemme que le groupe isomonstrosity (un projet collaboratif entre artistes et musiciens Ellen Reid, Johan Lenox et Yuga Cohler) surmonte en grande partie sur son ambitieux premier album, qui semble déterminé à cimenter les liens entre ces deux univers musicaux très différents.
Sur Shining, une collaboration saisissante avec le maître de cérémonie avant-pop Tommy Genesis, les résultats sont stupéfiants, car la perceuse est mélangée à l’orchestre et un violon hurlant est haché pour donner l’impression que quelqu’un décharge le clip d’une mitrailleuse. L’expérimentation brille également sur Cascades, qui est comme DJ Premier s’il se présentait au ballet, et Careful What You Wish For, où l’excentrique cracheur de Detroit Danny Brown crache sur son parcours de marcher pieds nus dans la rue à devenir Kingly, au milieu fleurit d’invention qui canalise tout, de Mozart à Yusef Lateef et aux palais Shabazz.
Mais ce tourbillon d’idées et de genres peut aussi parfois donner le tournis, avec Wake Up (qui met en vedette le rappeur conscient de Chicago Vic Mensa) partout en termes d’exécution et finalement de ce qu’il essaie de dire.
Cependant, l’isomonstruosité devrait finalement être applaudie pour son ambition ici, qui frappe plus que ses ratés, et aboutit à un projet qui présente un argument convaincant selon lequel le rap et le classique portent en fait les mêmes approches enfreignant les règles pour des choses comme la structure de la chanson et l’harmonie. . Thomas Hobbs
Également sorti cette semaine : le nouvel album de Stormzy This is What I mean, revu par Neil McCormick