Downton Abbey: A New Era sortira en salles le 20 mai 2022.
Il y a une charmante simplicité dans Downton Abbey : A New Era, la suite de le spin-off du film à la série 2010. Pendant environ une heure et 20 minutes, il fonctionne comme un retour mélancolique vers des images, des sons et des personnes familiers, se déplaçant entre les scènes avec un sentiment de légèreté et de musicalité, et offrant des rires non-stop jusqu’à ce que son histoire se termine par un récit soigné et réconfortant. arc. Il continue ensuite inexplicablement pendant encore 40 minutes après ce point, pivotant de manière imprévisible dans certains des coups de fouet tonal les plus époustouflants que la saga ait jamais vus. Dans l’ensemble, c’est un film de Downton Abbey; son chapitre apparemment final aurait-il pu aller autrement?
L’existence de ces sorties cinématographiques repose sur l’ignorance de la fin du spectacle, qui fait allusion aux changements imminents de la société anglaise du début du XXe siècle et à la dissolution de la structure aristocratique de Downton – essentiellement, la fin de sa prémisse à l’étage et au rez-de-chaussée. Cependant, il suffit ne serait pas Downton Abbey si ce statu quo était bouleversé, peu importe à quel point des personnages comme Daisy (Sophie McShera) aspirent à être plus que des servantes de cuisine pour des comtes et des comtesses coincés (12 ans plus tard – 18 dans la continuité – et elle fait toujours des mouvements latéraux). Le film précédent, simplement intitulé Downton Abbey, non seulement le roi et sa famille visitent le domaine luxuriant, mais voit le personnel de la maison désireux de les servir, et il se termine même avec Tom Branson (Allen Leech) – le socialiste irlandais autrefois fidèle, qui s’est finalement marié dans la famille Crawley après des années de mauvais traitements en tant que chauffeur – sauvant la vie du roi, assurant ainsi la continuation de la lignée royale. C’est aussi anglais que possible, un bâton que A New Era porte avec enthousiasme.
Comme son titre, le film fait allusion à une transformation nominale à l’horizon, mais à la manière de Downton, il n’oserait permettre aucun changement significatif. L’Abbaye fonctionne comme elle l’a toujours fait, louant les terres agricoles environnantes à des travailleurs pauvres et organisant un programme complet d’événements de cravate noire sans signification auxquels seuls les Crawley assistent. Mais lorsque ses coups d’établissement arrivent et que les premières notes de John Lunn thème musical glorieux s’estomper, vous ne pouvez pas vous empêcher d’être frappé par des vagues de nostalgie (c’est la même raison pour laquelle Film Les Animaux Fantastiques trouve toujours des moyens de faire tourner des scènes à Poudlard). Après une ouverture joyeuse lors d’un mariage, remplie de photographies de cérémonie qui réintroduisent l’ensemble du casting, l’intrigue démarre rapidement avec deux événements sans rapport qui séparent bientôt les personnages en deux parties distinctes.
Lady Violet Crawley, désormais presque centenaire (incarnée par l’incomparable Dame Maggie Smith, pleine d’esprit comme toujours) entre en possession d’une villa d’été dans le sud de la France après la mort d’un homme mystérieux de son passé. Afin de régler l’héritage, elle envoie son fils Robert (Hugh Bonneville), sa femme Cora (Elizabeth McGovern), sa petite-fille Edith (Laura Carmichael), le mari d’Edith Bertie (Harry Hadden-Paton) et Branson, ainsi que son nouvelle épouse Lucy (Tuppence Middleton) et sa belle-mère Lady Bagshaw (Imelda Staunton), pour rencontrer la famille en deuil. Le groupe est accompagné de la femme de chambre à la voix douce, Mme Baxter (Raquel Cassidy), du majordome hilarant et réticent et encore une fois hors de sa retraite, M. Carson (Jim Carter), et du valet de pied toujours charmant, M. Bates (Brendan Coyle) qui, malheureusement, a très peu de temps d’écran malgré sa présence majeure dans la série. Cette moitié de l’histoire est drôle et amicale, avec quelques tensions intégrées concernant ce qui pourrait être révélé à propos de la jeunesse de Lady Violet (sans parler de ce que la famille du Français pense de la prise en charge de leur résidence d’été par les Crawley, un point de l’intrigue mis de côté d’une manière qui semble inhabituellement cruelle). Cependant, la villa française est aussi l’endroit où les choses finissent par dérailler pour des raisons totalement indépendantes – et je veux dire complètement.
L’autre moitié de l’intrigue se déroule dans le domaine, où une production hollywoodienne silencieuse appelée The Gambler, dirigée par le réalisateur charmant mais nerveux Jack Barber (Hugh Dancy), vient tourner à Downton, au grand dam des anciens. des personnages comme Violet et sa compatriote inquiète Isobel (Penelope Wilton) ; le duo est enfin uni, semble-t-il, par sa haine tumultueuse du cinéma. Lady Mary (Michelle Dockery), qui grandit maintenant dans son rôle de membre plus « propre » (voir aussi : ennuyeux) de la famille (après son passé dramatique au cours de la série) supervise la transformation de l’abbaye en un tripot du milieu du XIXe siècle, tandis que la femme de chambre de sa dame Anna (Joanne Froggatt) et la femme de chambre Daisy adorent deux stars célèbres : le fringant et mystérieux Guy Dexter (Dominic West) et la rayonnante mais colérique Myrna Dalgleish (Laura Haddock). Nous sommes à la fin des années 1920 et les films sortent à peine de l’ère du muet, alors le personnel et la famille sont surpris d’apprendre que Guy et Myrna sont anglais, et que Myrna a un accent cockney que tout le monde autour d’elle semble trouver grinçant (y compris, curieusement , le personnel de la classe ouvrière).
Alors que cela met en place une intrigue secondaire sur les craintes de Myrna de passer aux Talkies, c’est le premier de plusieurs moments où Downton Abbey: A New Era contourne son territoire habituellement classiste, mais cette fois, le résultat frôle le choc et l’étrange même pendant son meilleur moment. – ce qui signifie des tentatives de dépeindre la solidarité de classe (le scénariste Julian Fellowes, qui a dirigé toute la série, est un député conservateur, et tout semblant de prétention centriste qu’il a apporté à la série s’estompe finalement). Cependant, comme cela a été le mantra lors de cette revue : serait-ce vraiment Downton Abbey s’il abordait ses prémisses d’une autre manière ?
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Là où le film laisse tomber la série, cependant, c’est dans sa conception comme une suite. Seule une poignée de personnages obtiennent des suivis réels de leurs histoires existantes. D’une part, le comique anxieux M. Molesely (Kevin Doyle), qui regarde maintenant les caméras roulantes de The Gambler avec le même regard étoilé qu’il avait pour la reine (il aspire à faire partie des films comme il aspirait autrefois à servir la royauté ). D’autre part, Thomas Barrow (Robert James-Collier), majordome en chef hors du placard selon les normes des années 1920, dont l’évolution de méchant intrigant à figure sympathique a été émouvante. Barrow n’a peut-être pas la part du lion du temps passé à l’écran, mais la question de savoir ce qui l’attend dans son avenir – en tant que personne qui s’est autrefois isolée des autres, mais qui ne veut plus rien de plus qu’une véritable connexion – est celle que le film rend étonnamment centrale.
C’est cependant la seule histoire vraiment concise de tout le film, un problème qui découle du fait que si les personnages font référence à des personnes et à des événements du passé de la série, presque aucun d’entre eux n’agit comme si cela s’était réellement produit. Certaines lignes de dialogue sont d’un goût terriblement mauvais si vous vous souvenez des événements de base de la série, car les personnages, semble-t-il, ne le sont pas. Par exemple, le mari de Lady Mary, Henry Talbot (Matthew Goode), n’apparaît pas, probablement en raison de conflits d’horaire, et son absence est signalée comme étant enracinée dans son amour pour la conduite de voitures rapides, une explication que Mary donne sans la moindre trace de prise de conscience, inquiétude ou ironie dramatique compte tenu du fait que son premier mari, Matthew Crawley (Dan Stevens), est décédé dans un accident de voiture. Marie n’est pas la seule; alors que les couples sont tous en grande partie heureux, personne d’autre que le Barrow solitaire ne se comporte comme si une tragédie ou un mauvais sort ne leur était jamais arrivé, bien que nous ayons vu cela. Ce sont tous des sourires et des acclamations sans véritable poids humain, ce qui fait partie de ce qui maintient le film à flot avec un ton si léger et agréable au début, mais c’est aussi ce qui le fait finalement dévier plus fort que Matthew sur une route glissante, tout droit dans un mélodrame si soudain et sombre qu’il semble immédiatement étrange.
Quand les choses deviennent sombres, les Crawley et leurs serviteurs ne sont pas de vraies personnes qui vivent des tragédies – ils l’étaient très certainement même lorsque la série était à son plus large mélodramatique – mais plutôt, ce sont les ombres des personnages qu’ils étaient autrefois, réduits maintenant à leur intrigue fonctionne comme des machines à livrer des blagues et, plus important encore dans le contexte du refus de Downton de mourir, alors que des personnages qui représentent un désir reviennent à un mode de vie anglais fantomatique où les choses étaient plus faciles lorsque personne n’élevait la voix. Ce qui est tout aussi étrange, c’est qu’une fois que les filons thématiques du film commencent à apparaître (il devient parfois d’un conservateur nauséabond, sauf à brandir une pancarte disant « L’aristocratie n’était-elle pas meilleure ? »), il commence également à s’effondrer esthétiquement.
Alors que sa première heure respire comme l’un des spéciaux de Noël de la série – des événements ponctuels et des escapades dans de nouveaux endroits où les arcs ont été bouclés – sa deuxième heure semble présenter l’histoire d’une saison entière réduite en un demi-film. Le résultat est que des points entiers de l’intrigue se déroulent et se résolvent au cours de scènes uniques, qui se sentent à la fois tronquées au fur et à mesure qu’elles avancent dans leurs histoires respectives, et comme si elles s’attardaient trop longtemps avant de couper, en conservant des plans de réaction qui semblent destinés à transmettre une sorte de sens ou une allusion à un drame futur, mais ils ressemblent plus à des erreurs dans le montage. Avant longtemps, le ton va et vient violemment entre le genre d’humour sec et raide de la lèvre supérieure pour lequel le spectacle était connu et la théâtralité étonnamment sombre pour laquelle il était également connu – mais où ces moments contrastés avaient de la place pour respirer pendant une heure -de longs épisodes, ici, ils se marchent constamment dessus, produisant une dissonance émotionnelle à chaque instant. C’est épouvantable à voir, et pourtant, c’est presque admirable qu’une série connue pour parsemer des morceaux de tout en cours de route se termine (apparemment) par une surcharge concentrée de tout à la fois, au point que cela ressemble à un rêve de mort sur le Afficher.