Semaine des années 90 : Même si c’était une sorte de blague, ces entreprises vidéo numériques granuleuses étaient des défis essentiels pour le cinéma commercial.
Au début des années 90, Francis Ford Coppola a prédit l’avenir : « Soudain, un jour, une petite grosse fille de l’Ohio va devenir le nouveau Mozart », a-t-il déclaré, « et faire un beau film avec le petit caméscope de son père, et pour une fois tout ce professionnalisme à propos des films sera détruit, pour toujours, et cela deviendra vraiment une forme d’art.
Il était sur la bonne voie, mais la révolution du travail de caméra lo-fi est en fait venue d’un couple de Danois ennuyés. Quelques années seulement après la proclamation de Coppola, les réalisateurs Lars von Trier et Thomas Vinterberg ont rejoint quelques-uns de leurs acolytes pour griffonner 10 règles pour éclairer leur travail à l’avenir.
Le Manifeste Dogme 95 était un appel aux armes pour les cinéastes désireux d’échapper aux limites de la production commerciale et de transformer le cinéma en une entreprise pleinement créative. Cela impliquait une suppression de l’artifice à pratiquement tous les niveaux de production. Tourné avec des caméscopes bon marché pour améliorer le naturalisme granuleux et dépourvu d’effets fantaisistes, c’était une manœuvre radicale qui a donné 10 ans d’expériences vivifiantes avec la technologie émergente et l’ingéniosité pure du bricolage, anticipant la révolution numérique dans la narration moderne qui allait bientôt s’épanouir sous de nombreuses formes.
C’était aussi une blague.
La soi-disant introduction au manifeste a été écrite dans des termes anti-bourgeois radicaux qui frôlent l’auto-parodie (« Le cinéma n’est pas individuel ») et les réalisateurs ont enfreint leurs propres règles partout. Mais le faux sérieux du manifeste ne l’a pas empêché d’offrir également quelques observations légitimes, dont celle-ci : « Pour la première fois, n’importe qui peut faire des films. Mais plus le médium devient accessible, plus l’avant-garde prend de l’importance. … La discipline est la réponse.
« La fête »
Films d’octobre
En d’autres termes, Dogme 95 a reconnu la nature révolutionnaire des méthodes de réalisation de films moins chères, ainsi que son potentiel à se transformer en drek amateur. Pour éviter cela, la chape exigeait que tout cinéaste qui acceptait de faire un film Dogme devait faire un «vœu de chasteté» selon lequel il respecterait un ensemble de 10 règles. Celles-ci comprenaient la prise de vue uniquement sur place avec un son diégétique et un mouvement de caméra portable; aucun schéma d’éclairage fantaisiste n’était autorisé, pas plus que «l’action superficielle» – les récits ne pouvaient pas prendre de tournures hyperboliques et «les films de genre ne sont pas acceptables».
Alors qu’est-ce que c’était ? Au moment où la fascinante comédie romantique de Lorna Scherfig « Italien pour débutants » est sortie en 2000, presque tout. « Dogme » est finalement devenu synonyme de « bon marché et énervé ». Mais «The Celebration», «The Idiots» et «Julien Donkey-Boy» se distinguent parmi les 35 films officiels de Dogme pour avoir tenté de travailler dans le cadre du manifeste pour créer des récits définis par leur esthétique lo-fi et ragtag plus en profondeur. façons. Le mouvement avait un objectif unifié et a contribué à un nouveau chapitre authentique de l’histoire du cinéma qui illustrait le potentiel continu du médium.
Cela a également produit des films qui plaidaient pour une créativité non filtrée à tous les niveaux : nombre de ces histoires étaient aussi intransigeantes sur le sujet que sur la manière dont elles étaient explorées. Les films Dogme 95 ont rendu passionnant le fait de considérer les films comme l’antidote à l’évasion hollywoodienne, mais cela a également aidé à ce que les films soient plutôt bons.
À cette fin, c’était plus que le dernier grand mouvement cinématographique et ressemblait davantage aux paris créatifs de l’équipe surréaliste d’André Breton. À la fois principiel et ridicule, Dogme 95 visait à réinventer le potentiel du cinéma, et même comme une alouette, il a réussi dès le départ.
C’est parce que « The Celebration », le regard lyrique de Vinterberg sur une réunion de famille trépidante qui devient très, très sombre, resterait la production Dogme 95 la plus largement adoptée à mesure que la liste s’allongeait. L’histoire du riche homme d’affaires Helge (Henning Moritzen) qui invite ses enfants adultes chez lui pour son 60e anniversaire, « The Celebration » est déjà un regard captivant sur la puanteur des privilèges et le malaise de la classe supérieure lorsque son fils Christian (Ulrich Thomsen ) se lève pour porter un toast à son père lors d’un dîner très chargé et sourit tout au long d’un aveu que le patriarche a abusé sexuellement de ses enfants. Les circonstances deviennent plus sombres et plus déchirantes à partir de là, alors que Vinterberg utilise les visuels pixélisés pour faire écho à l’inconfort et à la désillusion croissants du cadre palatial, créant un contraste ironique entre la nature contrôlée du manoir et son effondrement sous le poids colossal de l’ineptie morale.
« The Celebration » a été un succès auprès des critiques et est même devenu la candidature du pays aux Oscars (il n’a pas été sélectionné, mais Vinterberg se vengera en gagnant pour « Another Round » des années plus tard). On pourrait dire que Dogme 95 n’a pas autant influencé le succès du film que l’écriture, les performances et la direction solides qui ont produit un matériau aussi convaincant, quelle que soit sa forme. Mais considérez un instant comment une version plus conventionnelle de « The Celebration » pourrait se dérouler, avec des repères musicaux dominants et un travail de caméra brillant qui donnerait l’impression d’être une extension du milieu bourgeois plutôt qu’une mise en accusation astucieuse de celui-ci. La forme du film définit sa critique.
Et il en fut de même pour « The Idiots » de Lars von Trier, sorti la même année. Alors que Dogme # 1 a utilisé le look miniDV peu glamour pour rompre la mystique du privilège, Dogme # 2 a regardé de l’autre côté de l’équation. Le regard provocateur de Von Trier sur un groupe d’étrangers qui prétendent être handicapés mentaux pour profiter des autres est un pari subversif d’un cinéaste dont toute la carrière a été définie par cela. Le film est centré sur la perspective de Karen (Bodil Jørgensen), qui rencontre le groupe dans un restaurant et tombe sous le charme de leurs ébats avant d’être fascinée par leur quête anarchique.
« Les idiots »
Entre pitreries ineptes dans les bois et une scène d’orgie plutôt explicite, « The Idiots » comprend des débats convaincants sur l’éthique sous-jacente en jeu. C’est un film qui sait qu’il vous fera vous tortiller et réfléchir à la raison pour laquelle vous vous tortillez une fois, et c’est d’autant plus efficace que le cadre Dogme injecte à chaque scène une immédiateté documentaire brute. Von Trier ne tient pas son concept provocateur pour acquis. Le film présente le choc de sa prémisse du point de vue de personnages qui trouvent de la joie dans ce qu’ils font, une manœuvre radicale qui suscite de véritables questions sur la mesure dans laquelle la frustration sociétale peut conduire à des actes extrêmes. La scène finale secouée, lorsque Karen prend une page de ses nouveaux amis et tente son propre handicap, est à la fois tragique et libératrice.
Un équilibre similaire ressort de « Julien Donkey-Boy » d’Harmony Korine, qui commence par un jeune homme schizophrène (Ewen Bremner) assassinant un enfant alors qu’il refuse de lui donner une de ses tortues de compagnie. Ouais, ouais… et nous sommes censés nous sentir mal pour ce type ? Mais « Julien Donkey-Boy » fait le cas sans dégénérer en sombre thriller psychologique. C’est une comédie noire ridicule sur des circonstances tragiques qui ne se moque pas d’eux. Cela provoque des questions effrayantes teintées de mordant absurde, comme celle-ci : Qui n’aurait pas Werner Herzog comme père et ne deviendrait pas fou ?
Des années avant ses concerts « Jack Reacher » et « Mandalorian », l’auteur bavarois a joué le méchant ultime: un papa mauvais payeur. En tant que suzerain décousu, ivre et abusif de la maison de Julien, Herzog déchaîne des tirades bizarres sur l’histoire et la virilité avec le chaos tourbillonnant d’un poème qui a mal tourné (ou ce que le personnage « Nope » de Daniel Kaluuya pourrait appeler « un mauvais miracle »). « Tu vas être un gagnant, mais ne tremble pas », déclare-t-il à son fils. « Un gagnant ne tremble pas. »
Mais « Julien Donkey-Boy » frissonne partout – le travail de caméra s’en assure – alors qu’il plonge dans la dynamique entre Julien et sa sœur enceinte Pearl (Chloë Sevigny, dont la fausse grossesse a techniquement violé une règle Dogme), menant à une tournure tragique qui met en place la révélation spirituelle finale de Julien. À la fin, il n’a pas échappé aux limites granuleuses de sa douloureuse réalité (le monde du film est une prison éternelle) mais il s’est engagé à trouver son chemin avec un nouveau code moral. Comme avec « The Idiots » et « The Celebration », Korine parvient à devenir intime avec le genre de protagoniste qui ne pourrait jamais se frayer un chemin dans l’arène commerciale et à faire valoir que la forme d’art ne devrait pas être limitée aux archétypes les plus faciles.
À cet égard, il est dommage que le film se soit retrouvé comme l’une des seules entrées américaines dans le mouvement (et vraiment la seule bonne). De la Nouvelle Vague française à John Cassavetes, les cinéastes qui ont adopté une économie de moyens ont tracé des chemins vers des histoires qui autrement ne seraient jamais racontées. Le cinéma américain a été largement défini comme une industrie qui nécessite des ressources commerciales, et non les subventions gouvernementales dont bénéficient les auteurs européens, et le livre de jeu Dogme 95 est la solution idéale à cette énigme.
Certains pourraient soutenir que l’ADN de Dogme 95 a continué avec le soi-disant «mouvement mumblecore» qui a trouvé des réalisateurs tels que les frères Duplass et Joe Swanberg faisant des films bon marché sur des situations quotidiennes. Pourtant, même le meilleur de ces films manquait de l’ambition narrative des films Dogme. Le mouvement a réussi parce que la forme et le contenu fonctionnaient sur la même longueur d’onde. Il a encouragé l’innovation technique, mais l’esprit qui l’a inspiré a également inspiré des balançoires thématiques. Même un effort plus doux et moins cynique comme « Italian for Beginners » a poussé pour un nouveau niveau d’intimité avec ses personnages que ne le permettent les conventions de genre traditionnelles.
En fin de compte, Dogme 95 a donné naissance à 35 titres ; c’est amusant de penser à ce qui aurait pu arriver s’il en avait donné 35 de plus. Mais avec sa dissolution en 2005, une autre force de la vidéo numérique est entrée dans le paysage médiatique. Il a démocratisé l’image en mouvement d’une manière que les réalisateurs de Dogme 95 anticipaient et craignaient, car il permettait à pratiquement tout créateur d’images amateur de télécharger son travail et de devenir viral en conséquence.
Même aujourd’hui, YouTube menace le potentiel des normes artistiques pour se démarquer, lorsque les enfants diffusent leur chemin vers la célébrité et ne regardent jamais en arrière. La lutte est réelle, mais elle n’a pas nié le potentiel d’un cinéma audacieux pour percer le bruit. Toute personne soucieuse de poursuivre le bon combat ferait bien de revenir sur ces films Dogme clés pour voir de près les termes de la bataille.
Cet article a été publié dans le cadre de la spectaculaire semaine des années 90 d’IndieWire. Visitez notre page de la semaine des années 90 pour en savoir plus.
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