Un maestro vedette. Habitants du multivers. Des journalistes intrépides qui ont historiquement propulsé le mouvement #MeToo. 2022 a fourni un embarras de richesse en ce qui concerne les rôles complexes écrits pour les femmes, animés par un large éventail d’actrices. Dans des conversations séparées avec Variety, plusieurs des noms menant la conversation sur les récompenses ont donné un aperçu de leurs personnages, réfléchissant aux aspects les plus difficiles de leurs rôles.
Jouant l’institutrice à la retraite Nancy qui engage une travailleuse du sexe dans « Good Luck to You, Leo Grande » de Sophie Hyde, Emma Thompson a reconnu la plus grande importance d’un rôle axé sur le plaisir sexuel d’une femme.
« Surtout une femme qui a été carrément ignorée et qui n’a eu que très peu d’agence dans les films », dit-elle. Thompson était à la recherche d’un rôle héroïque tel que Nancy depuis des années, elle la connaissait donc de fond en comble depuis longtemps. « C’est quelqu’un qui décide de franchir toutes les frontières qu’elle a jamais connues. Quel cadeau de [writer] Katy Brand, la personne qui l’a comprise en premier.
La tâche ultime de Thompson était de rendre Nancy crédible. « Tout en elle devait être authentique : [funny], irritant, autoritaire, naïf et parfois carrément grossier. C’était une étude aussi immersive que toutes celles que j’ai jamais faites.
Pour les scènes d’intimité délicates du film, Thompson s’est appuyée sur l’espace sûr que Hyde a créé pour elle et sa co-star Daryl McCormack, qui était facile à faire confiance et « prêt à sauter d’un pont sur la corde à l’élastique » avec elle.
« Nous avons passé une journée de répétition tous les trois nus. Nous avons parlé attentivement et curieusement de nos corps : ce que nous aimions, nos cicatrices intérieures et extérieures, ce que nous n’aimions pas – ma liste était plus longue que celle de Daryl, inutile de le dire – et comment nous voulions les présenter », explique Thompson. « Quand le moment est venu, c’était comme Noël. Nous nous sommes juste ouverts comme des cadeaux.
« Ma préparation est interne », explique Jamie Lee Curtis, dont Deirdre Beaubeirdra met une famille d’immigrants qui travaille dur dans l’enfer fiscal bureaucratique dans « Everything Everywhere All at Once » de The Daniels. Elle devait d’abord comprendre Deirdre avant de pouvoir devenir elle. Puis elle s’est rendu compte qu’elle connaissait beaucoup de femmes comme elle. «Ils exercent chaque jour leur pouvoir supposé dans leur travail, puis rentrent seuls chez eux. C’est vraiment déchirant.
Depuis qu’elle a trouvé des nuances de Deirdre dans un personnage qu’elle a joué dans « Papa et eux » en tant qu’épouse avocate aînée et alcoolique de Ben Affleck, elle a apporté un Polaroid de cette production. Elle s’est ensuite appuyée sur les artisans Shirley Kurata, Anissa Salazar et Michele Chung (costumiers, coiffeurs et maquilleurs) pour créer l’univers extérieur de Deirdre.
« Josh Bramer, le concepteur d’accessoires, m’a aidé avec son attelle de poignet du canal carpien et la montre qu’elle portait dessus, ce qui était mon aspect préféré. Pour moi, tout l’objectif est la liberté. Je me suis senti aussi libre pendant ce travail que dans tout ce que j’ai jamais fait.
Un élément important pour Curtis pour saisir l’espace de tête de Deirdre était les beaux ongles rouges de son personnage. «Elle en est fière et se rend au salon de manucure chaque week-end pour parfaire ses ongles. La seule zone de contrôle sur elle-même qu’elle a.
Incarnant l’une des femmes les plus importantes de l’histoire américaine – la mère d’Emmett Louis Till, Mamie Till-Mobley, demandant justice pour son fils enlevé et lynché de manière dévastatrice dans le Mississippi des années 1950 – Danielle Deadwyler considérait son rôle dans « Till » de Chinonye Chukwu comme une grande responsabilité.
« Compte tenu de l’impact de Mamie sur l’histoire, il était impératif pour moi d’agir intentionnellement dans la préparation de [the role]. J’ai reçu une multitude de ressources d’archives, allant des images et des histoires de premier compte, à ses propres mots dans ses mémoires, « Death of Innocence », dit l’acteur.
Pour Deadwyler, une scène ou un aspect du film n’était pas nécessairement plus difficile que le reste. « Comment présenter le caractère public versus privé de Mamie en tant que femme noire prospère du Nord et femme noire condamnée du Sud ? C’était toujours une question pour aborder chaque scène et le film dans son ensemble. La tension est perpétuelle dans l’expérience de Mamie et des familles noires qui ont perdu leur famille à cause du terrorisme blanc et du racisme », dit-elle. «Chinonye et moi avons analysé ensemble chaque crevasse du scénario pour aller au cœur de l’humanité de Mamie et de son évolution vers l’activisme. Il n’y a pas de préparation pour ce que le deuil va devenir. Le chagrin Mamie transfiguré inévitablement [helped] naissance du mouvement des droits civiques.
Pour les gros plans exigeants et les longs plans du film, Deadwyler puise dans ses racines scéniques. « Au théâtre [stage], l’expérience est continue, inébranlable et consommatrice. Le poids du film réclamé [similar] rigueur à chaque scène.
« The Whale » de Darren Aronofsky a donné à Hong Chau le genre de rôle de soutien complexe qu’elle a toujours aimé, celui qui pourrait justifier son propre film. Elle aimait calibrer les différentes qualités de son personnage, Liz, alors qu’elle s’occupait de son ami en surpoids, Charlie (Brendan Fraser). « Ce fut un moment mémorable pour moi car je venais d’avoir mon premier enfant », se souvient-elle. « Ce qui m’a finalement poussé à jeter mon chapeau sur le ring, c’est l’empathie pour Charlie en tant que parent. Même si j’étais si heureuse de tenir ma petite pépite, je me lamentais déjà de ne pas la connaître aussi longtemps que je le voudrais. Il y a un compte à rebours pour nous tous. Cette histoire est un rappel sobre.
Puiser dans l’obscurité et le désir de Liz était son entreprise la plus difficile. Elle dit: «J’ai dû laisser tomber toute vanité sur mon apparence. Mes lèvres étaient gercées. J’ai demandé des vêtements qui me feraient ressembler à quelqu’un qui mange des bâtonnets de mozzarella froids au petit-déjeuner.
Pour poursuivre son développement de Liz, elle a proposé des outils en dehors du script. « Je pense que Liz était une enfant sauvage [in her youth], se rebeller contre sa famille oppressive. J’ai demandé des tatouages. Tous les matins, Judy Chin, notre merveilleuse cheffe du département maquillage, appliquait des tatouages sur [my body]. Vous ne voyez pas vraiment les tatouages dans le film. C’était juste pour moi. »
« Quelque chose dont les Daniels et moi avons parlé était de créer un méchant qui avait un fort noyau philosophique », explique Stephanie Hsu, à propos de son double rôle de Joy et Jobu dans « Everything Everywhere All at Once ».
Alors que Joy est une fille frustrée mais attentionnée, Jobu est le méchant de l’histoire.
« Pas effrayant d’être effrayant. Toi [had to] sais que quelque chose s’est mal passé et puis elle a commencé
agir.
Hsu a fait beaucoup de recherches, mais surtout sur des rôles masculins joués par Jim Carrey et Joaquin Phoenix. « Je voulais puiser dans ce grotesque des personnages sauvages et instables que nous ne voyons pas de femmes [portray] beaucoup.
La chose la plus effrayante était de me donner la permission d’y aller – nous sommes tellement conditionnés à nous sentir sympathiques [as women]. C’était une difficulté vraiment intéressante.
Une autre préoccupation pour Hsu était de garder le même rythme cardiaque que Joy et Jobu. «C’est une fille qui cherche à être acceptée par sa mère. Je devais vraiment comprendre la profondeur de la tristesse et du désespoir de Joy et m’assurer que Jobu venait de ce lieu d’intégrité.
Pour ses scènes d’action compliquées, Hsu dépendait de la légende de Wushu Li Jing, qui joue un maître de kung-fu dans le film. Dit Hsu, « Elle m’a formé au Wushu, [which] a une philosophie des arts martiaux très zen. C’est une question de pouvoir interne.
Dans « The Banshees of Inisherin » de Martin McDonagh, Kerry Condon savait que son personnage intelligent et profond, Siobhan, devait être différent de tout le monde autour d’elle sur l’île irlandaise isolée du film dans les années 1920. Elle a relevé ce défi en fusionnant un côté optimiste avec la tristesse et la solitude de Siobhan au premier plan. « Elle est blasée et fatiguée de son existence. Mais il doit y avoir un aspect plein d’espoir en elle car elle pense au-delà de l’île. J’ai donc dû trouver les moments où il y avait encore une sorte d’espoir juvénile en elle », dit Condon. « Mais aussi les moments où j’ai pu montrer que si elle reste sur l’île, ça va mal finir. Elle va déprimer et empirer. Cet équilibre était donc un peu délicat pour moi. Mais Martin m’a aidé avec ça.
Pour la tristesse intérieure de son personnage, Condon s’est inspirée de la notion de chagrin, considérant une perte que Siobhan avait subie récemment.
« J’ai su dès le début que les parents étaient décédés. Les gens gèrent le chagrin si différemment et Siobhan était en privé dans un voyage solitaire où elle ne peut pas s’en débarrasser.
Condon a également été aidé par les costumes de Siobhan. « Les vêtements, comme elle [distinct] manteau jaune, a montré qu’elle pensait au-delà des autres. Elle n’avait pas peur d’être elle-même et différente.
« La chose la plus difficile pour moi était son accent », explique Dolly De Leon à propos du rôle d’Abigail, le personnel sous le pont devenu « capitaine » de la satire « Triangle of Sadness » de Ruben Östlund.
Afin de créer authentiquement un accent pour Abigail, De Leon a considéré sa trajectoire de vie en grandissant aux Philippines, en passant de port en port et en rencontrant différentes nationalités.
« Elle aurait un accent difficile à tracer. J’ai dû demander l’aide de certains acteurs suédois qui étaient avec nous en Suède pendant le tournage. Je ne voulais offenser aucun de nos travailleurs philippins à l’étranger. Je voulais qu’elle sonne humaine, pas comme une caricature.
Pour entrer dans l’espace de tête d’Abigail, De Leon a créé une trame de fond soignée pour elle. «J’ai écrit un journal et parlé de son passé: de ses parents à sa croissance et à l’âge adulte; tous les événements de sa vie qui ont conduit au genre de personne qu’elle a fini par devenir. Elle a grandi pauvre, pêchant du poisson. Elle a été forcée de travailler à un jeune âge. Elle a travaillé pour une famille aisée et est tombée amoureuse de [their] fils. Elle est tombée enceinte et il ne voulait pas du bébé. Elle a été rejetée par sa propre famille. Cela a complètement changé sa vision des hommes, des riches et de la société.
« Il fallait juste faire confiance au scénario et se jeter dedans », déclare Olivia Colman à propos du défi d’incarner Hilary, une directrice de cinéma des années 1980 dans « Empire of Light » de Sam Mendes, un film vaguement basé sur la propre vie du cinéaste et informé par les problèmes de santé mentale de sa mère à cette époque. Pour dépeindre le rôle avec sincérité, Colman s’est appuyée sur la présence de Mendes à ses côtés.
« Si jamais j’avais des questions, Sam pourrait me dire exactement ce dont il se souvenait. Il a grandi en observant chaque petit mouvement et changement : un changement de médicament, un changement de maquillage signifiait que quelque chose allait arriver. Il était un enfant unique élevé par une personne aux prises avec de graves problèmes de santé mentale, et il en a observé chaque instant. C’était un « jeune soignant » avant même que nous sachions vraiment ce que cela signifiait. »
Pour une scène émouvante qui suit Hilary alors qu’elle expérimente la magie des films pour la première fois dans un théâtre et sur grand écran, Colman se souvient d’avoir regardé « Bambi » en tant que jeune fille et de ne jamais vraiment s’en remettre.
« Des années plus tard, j’ai regardé ‘Breaking the Waves’ et Emily Watson m’a époustouflé. J’aime le sentiment de m’abandonner à une histoire et de pleurer et de renifler ou de rire avec elle.