La dernière fois qu’il y avait autant de trombones dans un film que dans « Take Me to the River: New Orleans », Harold Hill dirigeait probablement un défilé. La revitalisation continue de la culture musicale de Crescent City ressemble vraiment à quelque chose qui sort du rêve de la fièvre d’un vendeur de cor, les jeunes générations adoptant volontiers la culture traditionnelle de deuxième ligne de la Nouvelle-Orléans d’une manière qui ne peut que rendre les aînés vieillissants d’autres scènes musicales régionales. vert de jalousie. C’est ce mélange intergénérationnel, ainsi que le creuset de styles mondialement connu de la ville, que le réalisateur Martin Shore entend célébrer dans son dernier documentaire, dont l’essentiel consiste en des sessions d’enregistrement qu’il a mises en place qui favorisent les collaborations entre l’ancienne garde et la nouvelle . Le résultat final fougueux suggère que la Nouvelle-Orléans pourrait être la seule grande ville d’Amérique sans écart de génération musicale à proprement parler.
Dans « Take Me to the River: New Orleans » (qui a ouvert dans sa ville titre la semaine dernière et se déplace à New York et LA ce week-end), les performances commencent avec la hitmaker des années 60 Irma Thomas en duo avec Ledisi, la 21e- favori des Grammys du siècle. À partir de là, nous obtenons le regretté Dr John avec son jeune parent Davell Crawford et Cyril Neville avec Dumpstaphunk, entre autres exemples. La légende de la soul William Bell est rejointe par Snoop Dogg et G-Eazy sur une reprise décisive du hit d’Allen Toussaint « Yes We Can Can », ce qui représente probablement la seule fois où Snoop sera l’artiste vedette sur un morceau qui s’articule sur le utilisation répétée du mot « darn ». (On ne sait pas pourquoi Snoop, un type de Cali, est dans le film, mais il est crédité en tant que producteur exécutif, alors peut-être que faire le travail de Dieu sur un projet comme celui-ci a ses privilèges.) Une session a les grands noms des cuivres Donald Harrison et Christian Scott rencontre les « stagiaires de Tipitina », expérimente un stage qui est environ 10 000 % plus amusant que tout autre apprentissage connu auparavant.
Ce que le cinéaste fournit également, entre les enregistrements en direct, est un aperçu du passé et du présent de la musique de la Nouvelle-Orléans qui couvre un terrain historique surprenant pour une durée de moins de deux heures. La plupart des sujets sont abordés si brièvement que vous souhaiteriez peut-être que Ken Burns fasse une mini-série qui permettrait à chaque sujet ou style d’être discuté rapidement pour obtenir son propre épisode d’une heure. Quand on mentionne que la musique traditionnelle était bien sortie de la Nouvelle-Orléans dans les années 1950, avant un regain d’intérêt qui s’est transformé en raz-de-marée, on peut se demander pourquoi. Il n’y a pas de temps pour le savoir, car le film passe à d’autres sujets fascinants, comme les Indiens du Mardi Gras et leur mélange de déguisements colorés et de férocité prête au combat. (« Il y a une culture guerrière, mais pour l’essentiel, il s’agit d’être jolie », dit un participant.) Un sujet qui passe un peu plus de temps à l’écran, pour un effet brièvement triste, est l’ouragan Katrina, qui a dispersé de nombreux musiciens qui autrefois étaient des voisins très unis d’autres villes et États, certains ne revenant jamais.
Mais il est facile de pardonner à quelle vitesse Shore passe des questions historiques brûlantes qu’il soulève ou des trous de lapin thématiques qu’il explore si rapidement, car les séquences de performance sont vraiment la principale raison d’être du film. L’histoire et le contexte de l’interstitiel ? C’est vraiment de la sauce sur le gombo, pour ainsi dire.
« Take Me to the River: New Orleans » consacre suffisamment de temps à l’écran à ces séquences musicales, en fait, qu’il tombe presque dans le genre « film de concert », même si rien n’a été tourné lors d’un concert. Ce qui s’est passé lors des performances en studio capturées par Shore correspond sans doute à une dernière valse, en quelque sorte, compte tenu de l’inévitable changement de garde. Quatre personnes qui apparaissent sont décédées depuis le tournage des performances – Art et Charles Neville en 2018, le Dr John en 2019 et l’artiste hip-hop 5th Ward Weebie en 2020 – donc le temps n’était pas perdu quand il s’agissait d’obtenir une coupe transversale de générations sur film. (Si seulement il avait commencé à filmer à temps pour obtenir Toussaint, décédé en 2015 et qui fait l’objet de nombreuses discussions vers la fin du film.) Les frères en tant que groupe, comme ils l’avaient appelé, ont cessé de jouer en 2015, mais se sont brièvement réunis pour filmer une réunion qui a amené leurs enfants et petits-enfants. Il serait plus facile de se sentir attristé par ces pertes si l’écran ne se remplissait pas de tant de joie – une exubérance qui vous fait également oublier à quel point les studios d’enregistrement apparaissent initialement.
Le film ne croit pas toujours qu’un public se détendra dans ces sessions en studio. Au départ, surtout, il y a une surabondance de découpage, comme si un sommet entre Irma Thomas et Ledisi devait être monté comme une comédie loufoque. À plus d’une occasion, il y a l’irritation d’avoir des chansons interrompues pour que nous puissions entendre une voix off sur l’importance de perpétuer l’héritage musical, comme si quiconque s’asseyait pour regarder cela avait besoin de l’homélie. Mais finalement le film trouve son propre rythme. Un film qui comprend ce nombre disproportionné d’experts mondiaux en syncope aurait du mal à ne pas le faire.