Critique de «West Side Story»: Spielberg donne au classique musical une mise à niveau graveleuse et entraînante

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LOS ANGELES (Variety.com) – Dirigeant sa première comédie musicale, Spielberg s’installe dans le grand espace spacieux d’un classique de Broadway à la rencontre d’Hollywood, réorganise le mobilier (le scénariste du film, Tony Kushner, a pimenté le dialogue et jeté le plus bibelots dignes de grimacer), et donne à tout cela une nouvelle couche de peinture désaturée, bombardée-de-ville-bloc, granuleuse-comme-réalité. Il se l’approprie.

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Dans le même temps, Spielberg reste fidèle à ce que les générations ont aimé dans « West Side Story » : le facteur évanouissement, la beauté ardente de ces chansons, le ballet hypnotique du jackknife des délinquants des années 50 dansant leur agressivité dans les rues de New York. Il y a des scènes dans la version de Spielberg qui vous feront fondre, des scènes qui feront battre votre pouls et des scènes où vous vous asseyez simplement et vous délectez de la grandeur pleine d’entrain de tout cela.

Le décor est Hell’s Kitchen en 1957, quelque chose que le film nous fait savoir avec un clin d’œil qui rappelle la façon dont Spielberg et Kushner vont bricoler le matériel. La version de l’écran de 1961 de Robert Wise s’est ouverte avec ce balayage panoramique à l’œil de Dieu de Manhattan, mais celle de Spielberg s’ouvre avec un panorama de décombres, la caméra plongeant sur ce qui ressemble à une zone de guerre, qui s’avère être le boulet de démolition « dégagement des bidonvilles » qui fera place à la construction du Lincoln Center. La guerre de territoire entre les gangs d’adolescents blancs et portoricains du film, les Jets et les Sharks, a désormais une toile de fond plus large. Les deux sont écrasés par la gentrification – c’est-à-dire qu’une partie de leur folie tragique est qu’ils ne réalisent jamais qu’ils sont dans le même bateau.

Les Jets commencent à appliquer de la peinture sur la peinture murale d’un drapeau portoricain. Alors que les garçons bougent et vibrent au rythme de leur voyou intérieur, en chantant « Jet Song » (« Quand tu es un Jet, tu es un Jet tout le chemin… »), la chorégraphie de Justin Peck joue sur le rythme hypnotique et palpitant. l’athlétisme de la ville des danses originales de Jerome Robbins, et Spielberg, en collaboration avec son directeur de la photographie dynamique Janusz Kaminski, a les mouvements de caméra correspondants.

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Nous semblons glisser dans les rues avec les Jets, canalisant leur exaltation imprudente, et le jeu d’acteur punk des années 50 a été libéré afin que les grognements et les jambes de force ne soient pas piégés dans cette bulle de niaiserie de vieux film. (Le « West Side Story » de 1961 semblait daté… en 1961.)

En tant que Riff, le chef des Jets, Mike Faist a un louche sociopathe maigre, et David Alvarez incarne Bernardo, chef des Sharks, avec une arrogance moyenne d’arrogance. Bernardo est maintenant un boxeur (le combat est ce qui le fait planer), et son problème est qu’il n’a jamais embrassé sa vie en Amérique. L’antagonisme racial auquel il est confronté chaque jour a brûlé son âme, et Alvarez insuffle au personnage une bravade du côté obscur de la rock star.

Bien sûr, au centre de « West Side Story » se trouve quelque chose – peut-être devrais-je dire « Somewhere » – plus doux et plus tendrement lyrique. Et Spielberg a fait un excellent travail en jetant ses deux rôles romantiques. Avant maintenant, je n’ai jamais été fan d’Ansel Elgort. La première pensée à son sujet est peut-être qu’il est Ashton Kutcher sans ironie – et que l’ironie vous manque. Mais dans « West Side Story », Elgort, avec des lèvres comme celles de Brando, a un cœur maussade et une personnalité qui éclatent, et il est un crooner merveilleusement expressif. Tony, mis à jour par le script de Kushner, a maintenant passé un an en prison pour avoir failli frapper quelqu’un à mort, et Elgort, s’exprimant avec des voyelles de rue discrètes, trouve le juste équilibre entre douceur et danger.

À la danse du lycée, que Spielberg met en scène avec une électricité virevoltante qui rivalise avec le grand numéro de danse de l’école dans « Grease » (oui, c’est un compliment), Tony a son premier aperçu de Maria (Rachel Zegler), la fille qui va brûler ce qui reste de sa loyauté envers les gangs, et elle a son premier aperçu de lui, et… eh bien, tout cela pourrait être le fer de lance d’un renouveau du coup de foudre. En chantant « Maria », sa voix montant dans le registre supérieur, Tony est transporté, et nous aussi.

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Dans la version cinématographique oscarisée de 1961, adaptée du spectacle de Broadway de 1957, Maria était surtout une innocente guilleret et sainte, mais ici, elle obtient une mise à niveau spitfire. La nouvelle venue charismatique Rachel Zegler lui donne une touche de férocité et un regard de nostalgie audacieusement ciselé.

Quand Maria et Tony chantent « Tonight », la chanson la plus transcendante de « West Side Story », ils sont sur l’escalier de secours, à la manière vintage Roméo-et-Juliette-de-l’immeuble, et Spielberg met en scène leur duo avec un flux chorégraphié intime, pour que les mots semblent tourner et danser. Leur amour est une oasis d’espoir dans la jungle de béton. Et c’est un emblème de la façon dont « West Side Story » atterrit désormais dans le monde du cinéma au sens large : comme un plaisir nostalgique et capiteux pour la foule qui offre l’alternative rare à la fois à l’excès de blockbuster et à l’angoisse indépendante. Les Oscars peuvent-ils lui dire non ?

Cela dit, j’ai toujours eu une relation d’amour et de chagrin avec « West Side Story ». Il contient ce qui pourrait être le plus grand ensemble de chansons de toutes les comédies musicales américaines, composé par Leonard Bernstein comme s’il était le lien magique entre Richard Rodgers et Brian Wilson. Les paroles, de feu Stephen Sondheim, sont aussi parfaitement ludiques que poétiques, et la chorégraphie reste une merveille du mouvement de rue expressionniste.

Pour moi, cependant, la version originale du film déraille pendant le grand grondement. Je ne pourrais jamais croire que Tony de Richard Beymer prendrait ce couteau et ferait ce qu’il fait. Et Maria de Natalie Wood se fâche contre Tony pour avoir tué son frère pendant environ cinq secondes, avant qu’elle ne semble tout oublier.

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Il y a un élément raciste inconscient à cela (indépendamment de la décision regrettable de faire de Natalie Wood la Latina Maria), et cela gomme le flux émotionnel. Le sous-texte involontaire semble être : Bernardo était une tête brûlée latino, donc sa mort n’a même pas beaucoup d’importance pour Maria. « West Side Story » doit peut-être son histoire à Shakespeare, mais cela ne signifie pas qu’il analyse. Le dernier acte est moins une tragédie romantique qu’une guerre de gangs élaborée qui se transforme en un plaidoyer ordonné pour la tolérance.

Et ce sont des problèmes que je ne pense pas que la nouvelle version résolve complètement. Compte tenu de la façon dont Kushner a réorganisé et enrichi le scénario – la romance de Tony et Maria, par exemple, n’est plus le secret mélodramatique qu’elle était auparavant – j’ai été surpris de voir que le grondement culmine de la même manière exagérée mais peu convaincante. (Non, même avec Tony ayant été en prison, je ne l’ai pas acheté.) Et une fois que cela se produit, vous sentez une fuite d’énergie du film.

Nous nous excusons, mais cette vidéo n’a pas pu se charger.

Jusque-là, « West Side Story » est un défilé de délices. Spielberg a mis en scène « America », avec ses paroles à la fois patriotiques et coquines, comme une fête de quartier tourbillonnante et itinérante de fanfaronnades féminines triomphantes. « One Hand, One Heart » est maintenant un hymne magnifique, tourné à travers la lumière du soleil de vitrail, et où « Gee, Officer Krupke », situé à l’intérieur d’un poste de police, est le numéro que vous pensez aurait le plus daté, c’est en fait un merveille spirituelle, puisque les Jets utilisent la nouvelle « compréhension » thérapeutique de la délinquance aux sourcils froncés pour se défendre, et la blague est qu’ils savent que tout est fou.

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Ariana DeBose fait d’Anita une force rayonnante de la nature, et la légendaire Rita Moreno, qui a joué Anita dans le film original, est présente dans le rôle de Valentina, veuve du propriétaire du magasin de soda Doc.

Moreno, 89 ans, avec une luminosité sans fioritures, vole toutes les scènes dans lesquelles elle se trouve, et son interprétation de « Somewhere » est un moment fort.

L’ensemble du film semble aussi contemporain qu’il le faut, car l’actualité est ancrée dans sa danse tribale d’animosité raciale. « West Side Story » est un spectacle de cinéma éclatant et en direct. J’aurais juste aimé qu’il y ait un acte final qui s’envole au lieu de se précipiter vers ce qui ressemble à un atterrissage de film à messages trop déterminé.

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