« Ne travaillez jamais avec des enfants ou des animaux », dit le vieil adage du showbiz. Le cinéaste débutant Andrew Cumming a techniquement respecté cette sagesse… même si « le long métrage de créature se déroulant à l’âge de pierre » pourrait bientôt figurer sur la liste des choses à éviter pour votre propre santé mentale.
Se déroulant il y a 45 000 ans et mis en scène dans les Highlands écossaises, Hors des ténèbres suit six humains préhistoriques qui s’échouent dans un nouveau monde, à la recherche d’un avenir évolué. Cumming, Ruth Greenberg et Oliver Kassman ont écrit le scénario dans un langage entièrement fictif appelé Tola, avec une histoire dans laquelle les efforts de survie immédiats du groupe sont menacés par quelque chose qui se cache dans l’ombre. Alors que les dirigeants de la société patriarcale tombent, une jeune femme, Beyah (Safia Oakley-Green), affronte elle-même la menace. Avec une atmosphère épaisse et suffisamment en tête pour imprégner les tropes d’horreur familiers d’une spécificité indispensable, le premier film de Cumming est le coup d’envoi d’une carrière prometteuse. Mais réaliser le film n’a pas été facile.
Avec Hors des ténèbres Dans les salles de cinéma, j’ai parlé à Cumming de la possibilité de prendre un grand coup et de rester fidèle à ses positions, malgré les nombreux sourcils haussés qu’il a rencontrés au cours des années de développement du film.
Hors des ténèbres a été un voyage. Il y a combien d’années avez-vous commencé à travailler dessus ?
Nous avons pris la plume en septembre 2015. C’est à ce moment-là que nous avons pour la première fois consacré des mots à des phrases sur le sujet.
C’est votre premier film en tant que réalisateur. Très peu de gens commencent par réaliser un film d’horreur préhistorique. Est-ce que cela vous a semblé un risque ? Est-ce toujours le cas ?
Cela me réconforte maintenant, mais pas à l’époque, car il n’y avait pas vraiment de modèle. Beaucoup de débuts, vous pouvez dire : « OK, je vois que c’est un drame contemporain » ou « C’est une sorte de thriller comique » – vous pouvez voir ce que c’est. Mais ensuite, lorsque nous avons présenté ce film, nous avons dit : « Oh, c’est un peu comme si Extraterrestre. Mais c’est aussi un peu comme La colline a des yeux. Aussi, La sorcière? » Donc vous empruntez des pourcentages à tous ces différents films et réalisez ce monstre de Frankenstein, puis vous dites : « Oh, au fait, c’est mon premier film, ce sera dans un langage inventé, un casting de découverte. »
Mais j’étais excité par ça. J’avais l’impression que c’était un film que je paierais pour voir. J’avais l’impression que ça pourrait être vraiment cool et que ça dirait quelque chose sur l’humanité. Mais même pendant le tournage… Je me souviens que la veille du début du tournage, j’ai dit aux acteurs que j’avais peur que ce soit juste un énorme film de Scooby-Doo. Sans rien gâcher, vous avez toujours peur que les gens trouvent ça ringard. Lorsque nous le présentions, on nous demandait toujours : « Est-ce qu’ils parlent ? J’avais peur que les gens s’attendent à un retour en arrière de Raquel Welch [like the 1966 movie One Million Years B.C.]ou quelque chose de plus câlin comme Alpha. J’étais très anxieux, parce que c’était mon premier long métrage et parce qu’il n’y avait pas de feuille de route pour faire un film d’horreur préhistorique.
Image : Rue Bleecker
C’est un argument intelligent sur le papier, mais comment avez-vous trouvé votre chemin vers le principe réel ? Qu’est-ce qui vous a ancré dans ce monde extraterrestre ?
La thèse de fonctionnement était, c’est un film qui posait la question : Les humains ont-ils survécu grâce à leur propre inhumanité ? C’est donc la chose à laquelle nous revenons sans cesse, que ce soit par l’intermédiaire d’un agresseur patriarcal, ou par l’intermédiaire d’une sorte d’aîné spirituel dogmatique étrange, ou que ce soit par l’intermédiaire de jeunes violents – peu importe comment vous voulez l’appeler, quelle que soit la manière dont l’humanité se présente. Ou que ce soit à cause des guerres qui se déroulent au moment où nous parlons. C’était le principe directeur : Sommes-nous au sommet de la chaîne alimentaire parce que lorsque les enjeux sont faibles, lorsque nous avons peur, nous pouvons simplement nous retourner les uns contre les autres et nous faire les choses les plus odieuses les uns envers les autres pour rester en vie ? Donc, ce cycle de peur menant à la survie et au simple fait de tourner en rond semblait être une bonne chose.
Avec votre premier long métrage, je pense que vous vous appuyez sur vos propres influences – soit inconsciemment, soit en êtes extrêmement conscient. Et l’un d’eux pour moi, Oliver, et Ruth était Extraterrestre. Beaucoup de choses ont été écrites sur Extraterrestre – Je ne vais pas y ajouter de nouvelles informations. C’est juste un film fantastique. C’est plus que la somme de ses parties. C’est un film d’horreur. C’est un film de science-fiction. C’est l’un des premiers films dont je me souviens avoir vu cette femme qui atteint le sommet et prend le contrôle, mais elle n’est pas comme une dure à cuire. C’est juste une femme qui vit une situation terrible et qui a fait de son mieux pour s’en sortir.
Il y a beaucoup de chevauchements, structurellement, entre Extraterrestre et Hors des ténèbres. Nous avons emprunté cette structure sans aucune honte, car elle fonctionne. Et c’était vraiment important – ce n’était pas comme si Eeny meeny miny moe, choisissons Extraterrestre. Nous voulions retracer le parcours de Beyah, depuis cette orpheline jusqu’à devenir un prédateur suprême. Le Extraterrestre le modèle fonctionne parce qu’elle est l’avorton de la portée. Elle a été opprimée toute sa vie. Et si ce groupe n’avait pas rencontré cette présence surnaturelle, elle se serait révélée être comme Ave, la compagne enceinte du leader, juste cette femme opprimée et opprimée.
Lorsque Beyah reçoit finalement la lance, il s’avère qu’elle est en fait tout à fait capable, et qu’elle a beaucoup de haine et de venin en elle, à cause de la façon dont elle a été élevée et de ce à quoi elle a été soumise. Donc c’était comme si Extraterrestre et Hors des ténèbres exploraient le même voyage thématique.
Et ce que j’aime dans la saga Alien, en particulier dans les deux premiers films, c’est que du point de vue xénomorphe, Ellen Ripley est une maniaque du génocide. Cela a donc également alimenté Hors des ténèbresparce que le film devient une méditation sur toutes ces choses que j’ai dites, sur ce que vous êtes prêt à faire lorsque les enjeux sont épuisés.
Image : Rue Bleecker
Vous avez beaucoup travaillé avec des experts pour développer un langage unique pour les peuples préhistoriques, et même dans ce cas, le dialogue est limité. Comment cela a-t-il défié le casting ? Qu’avez-vous finalement recherché chez vos acteurs ?
Tout d’abord, il faut que ce groupe, cet ensemble central, ait l’air d’avoir les mêmes ancêtres. Je plaisantais de temps en temps en disant que nous formions un supergroupe pop. Vous travaillez avec des tropes. OK, vous avez le grand athlétique, vous avez le clown, vous avez l’érudit, vous avez la « vierge » — j’emprunte légèrement à Cabane dans les bois ici, mais vous comprenez mon point. Vous prenez ces tropes, puis il s’agit de savoir comment vous les subvertissez et jouez avec eux au cours du film.
Ensuite, lorsque vous lancez le casting du film, vous ne savez pas exactement ce que vous recherchez, mais alors quelqu’un arrive avec une certaine énergie. Safia est venue lire pour Beyah – elle était juste cette force de la nature, cette petite fusée de poche de 19 ans qui avait une formation de danseuse, donc elle était incroyablement physique dans ses mouvements, mais elle pouvait agir. Nous avons donc eu Beyah, et je pensais que ça allait être plus difficile. Parfois, on a juste de la chance. Et chacun a apporté quelque chose de très différent, mais lorsque vous les combinez, leurs énergies rebondissent les unes sur les autres d’une manière vraiment utile.
Ensuite, nous parlons de costume et de maquillage. J’ai encouragé ma production et mon costumier à aller s’intéresser à la mode inuit, car ils vivent dans un climat similaire et lorsqu’ils tuent un animal, ils en utilisent toutes les parties dans leurs costumes, leurs bijoux, etc. essayer de faire en sorte que ces gens se sentent humains, qu’ils aient une culture et qu’ils s’expriment, qu’il y ait là une réelle intelligence et des capacités artistiques. Je pense que cela les aide, espérons-le, à se sentir un peu plus habités et à ressembler davantage à des personnages en trois dimensions plutôt qu’à des œuvres de cire dans le musée.
Est-ce qu’inventer votre propre langage vous a donné une certaine liberté de laisser les acteurs dire ce qu’ils voulaient pour avoir l’air plus cool ? Pourriez-vous contourner les règles ?
Je ne sais pas comment c’est pour les autres réalisateurs, mais j’ai un sens aigu du rythme et du dialogue. Quelqu’un m’a dit Quand j’ai lu le scénario, il y avait une musicalité. Je pense que cela aide les acteurs à mieux apprendre leurs répliques, en leur donnant une idée du rythme. Ils parlent dans cette langue, Tola, donc la première chose est : Est-ce que je le crois dans les yeux ? Beyah veut quelque chose de Geirr, alors est-ce que je crois à la performance de Safia qu’elle veut vraiment cette chose ? Parce qu’ils ne parlent pas anglais, vous ne vous souciez pas des mots, vous vous souciez seulement de l’intention.
Et puis c’est juste ce truc de : Est-ce que ça a un rythme ? Est-ce que cela semble habité ? Y a-t-il des expressions familières ? Ce vers contient-il trop de syllabes ? Pouvons-nous le raccourcir et donner l’impression que ces deux personnes sont des amis, par opposition à des étrangers qui viennent de se rencontrer ? Ils auraient une manière différente de se parler. Alors oui, vous le ressentez juste sur le moment. Nous n’avons pas écrit d’encyclopédie, c’était un scénario, et tout ce que vous demandez après chaque prise, c’est : Est-ce que je l’ai cru ? Et si vous dites non, vous recommencez.
Image : Rue Bleecker
Le film tire pleinement parti des magnifiques paysages brumeux d’Écosse. Comment le terrain a-t-il changé la façon dont vous souhaitiez mettre en scène l’action et certains des rythmes d’horreur les plus effrayants ?
À l’origine, au milieu du film, ils tombent sur ce que nous appelons le « gouffre de sang ». À l’origine, cette fosse de sang était censée se trouver au pied d’une falaise de 30 pieds. Et nous ne pouvions trouver aucune falaise de 9 mètres à moins de 45 minutes de notre hôtel, nous avons donc finalement dû la changer et créer ce rocher qui est devenu un autel. Et quelque chose d’assez horrible se produit sur cet autel qui était à l’origine censé être quelque chose qui impliquait la falaise. Un exemple alambiqué, mais un de ces moments où Ruth et moi nous sommes regardés et nous nous sommes dit : « Nous n’allons pas trouver cela, nous devons penser à autre chose. » Et puis ce que vous imaginez est infiniment meilleur.
Nous étions dans des endroits où l’on se retrouve jusqu’aux chevilles dans des tourbières marécageuses. Nous ne pouvions donc pas y mettre de pistes, mais je ne voulais pas passer à l’ordinateur de poche. Alors c’est Pouvons-nous l’obtenir pour qu’il soit plat et qu’il ne coule pas à mi-chemin du plan ? C’était un défi chaque jour. Même si le temps change d’un jour à l’autre, vous verriez un endroit sous un beau soleil, puis vous y arrivez et il y a des vents de 40 milles à l’heure. Cela change la performance, cela change la façon dont vous allez filmer, cela change votre niveau d’énergie. Vous réagissez donc chaque jour aux choses, mais vous essayez de conserver cette thèse, comment chaque scène nous mène vers le dénouement. Tant que vous avez cette thèse tatouée sous vos paupières, tout va bien.
Qui ou quoi a été le fil conducteur qui vous a permis de traverser cette épreuve ?
Je suis un disciple de David Fincher. J’ai vu Sept trop jeune, et cela a formé une grande partie de mon caractère. Je suis aussi devenu majeur quand [Steven] Soderbergh faisait des films extrêmement intéressants. Mais même en remontant à John Ford, ou à Hitchcock, ou à Polanski, avez-vous le droit de dire Polanski ? – n’importe quel cinéaste qui a une idée de ce qu’il veut faire et qui l’exécute, et il semble qu’il y ait eu un plan, c’est un bon début.
Que le disque montre que vous avez aussi un géant Akira affiche accrochée au mur de votre bureau.
J’ai convaincu mon père de m’acheter Akira en VHS quand j’avais 11 ans parce qu’il pensait que c’était un film Disney ! Pendant que le reste de mes amis regardaient de vrais films Disney, je regardais Akira.