Le directeur de la photographie « Texas Chainsaw Massacre » Ricardo Diaz savait qu’il rendrait hommage au film original tout en travaillant sur la suite de 2022. En équipe avec le réalisateur David Blue Garcia et Mark Burnham, qui joue le slasher emblématique du cinéma, Diaz s’est chargé de recréer la célèbre danse de Leatherface… en une seule prise.
Diaz a parlé avec Variété à propos de réussir cet exploit dans « Massacre à la tronçonneuse », offrant un aperçu de la cinématographie du film d’horreur.
À quoi cela ressemblait-il de tourner la danse emblématique de Leatherface, et comment l’avez-vous exécutée en une seule prise ?
David Blue Garcia et moi avons un raccourci en raison de notre amitié de plusieurs années – nous sommes allés à l’école de cinéma ensemble – et il est également venu dans le métier en tant que directeur de la photographie. Nous parlons essentiellement le même langage tant techniquement qu’artistiquement. Donc, collaborer avec lui était si facile. Ayant tous les deux vu le jour dans des films indépendants, nous avons également été capables de travailler rapidement et de créer sur nos pieds, ce qui, avec notre calendrier de pré-production raccourci, nous a donné un avantage unique.
Sans aucun doute, l’une des images les plus durables et les plus obsédantes du film original est la danse de Leatherface. C’était donc une fatalité pour David et moi de rendre hommage à ce moment classique. Nous avons beaucoup parlé de la meilleure façon de garder le blocage et le mouvement de la scène organiques. Il y a quelque chose de si spontané dans la performance de Gunnar Hansen dans l’original que nous avons décidé de ne pas trop y penser et de laisser les « dieux de l’horreur » s’en charger. Mark Burnham, qui jouait Leatherface, travaillait sur le physique depuis un certain temps, et à ce stade du tournage, il était entré dans la peau du personnage – jeu de mots. Donc, ce jour-là, nous avons donné à Mark la liberté de se lâcher pendant que nous improvisons autour de lui. David a pris la caméra B pour le cadre plus serré et j’ai utilisé la caméra A dans un plan plus cow-boy, le tout à la main.
En fin de compte, nous avons eu le moment de cette première prise!
Apportant des éléments de l’horreur classique aux temps modernes, comment avez-vous autrement rendu hommage à l’original ?
Le tournage d’un film « Texas Chainsaw » s’accompagne d’une longue histoire visuelle. Le travail de Daniel Pearl sur cette franchise est emblématique. L’original est un beau cauchemar qui mélange les styles documentaire et cinéma avec un effet obsédant. L’utilisation d’un film 16 mm à inversion de couleur donne au film un contraste, une saturation et un grain qui accentuent son esthétique grindhouse. Avec ses compositions stylisées et ses travellings, il a créé quelque chose de vraiment élevé. C’était mon mantra pour définir le langage visuel de notre film – une maison de travail surélevée. Nous nous sommes assurés que vous ressentiez la chaleur, la sueur et le grain de la photographie. Notre palette de couleurs était saturée et notre contraste riche.
J’espérais également ajouter ma propre voix au matériau en donnant à Leatherface la grande toile qu’il mérite. Pour moi, cela signifiait prendre des photos avec des objectifs anamorphosés. J’ai choisi un ensemble d’objectifs Vantage Hawk V-lite parce que je voulais que l’image ait du caractère et ne soit pas trop clinique. Dans ce cas, les lentilles anamorphiques donnent une dimensionnalité aux visages, en particulier à Leatherface. J’aime cela à propos de l’anamorphique par rapport à la sphère, et cela nous convenait parfaitement.
En termes d’éclairage, nous avons incorporé beaucoup de lumière supérieure, ce qui est une sensibilité plus moderne. Par exemple, la scène où le personnage de Leatherface et Jacob Latimore, Dante, s’affrontent a été éclairée d’en haut, motivée par les lumières fluorescentes dans l’espace. J’aime particulièrement la lumière du haut, car elle améliore l’ambiance et augmente la profondeur à travers les ombres. J’ai trouvé que son efficacité est également indépendante du genre. Beaucoup de mes influences ont maîtrisé ce style de Barry Jenkins, Gordon Willis, Bradford Young et Sam Levinson.
Comment avez-vous créé les jump scares ?
Le public moderne est si averti en matière de films d’horreur et de slasher. Les fans recherchent constamment dans vos cadres pour anticiper d’où viendra la frayeur. Sachant cela, j’ai toujours essayé de m’attarder sur le plan le plus large possible. Cela donne vraiment au public le temps de regarder votre composition et de commencer à jouer.
Prenez la scène de meurtre de Dante lorsqu’il se promène dans la cuisine. Nous montrons le terrain de jeu et nous nous asseyons vraiment dans le plan large. Le public sait ce qui s’en vient, alors il commence à construire la scène dans sa tête. Les engager est le meilleur moyen de les surprendre. À partir de là, c’est mon travail de mal diriger avec la perspective et le rythme. Donc, nous commençons à couper dans une couverture plus étroite pour donner l’impression que nous avons quelque chose ou quelqu’un à cacher. Cela crée des tensions. Ensuite, en passant au point de vue de Dante, nous introduisons le public dans l’anticipation du personnage. Enfin, nous mettons la grande révélation dans les endroits les plus improbables. Dans cette scène, la cachette de Leatherface est exposée dans le reflet déformé d’un pot suspendu.