« Chaque épisode avait un [question of] »Comment pouvons-nous faire cela pratiquement, mais aussi faire en sorte que cela ressemble à de la magie? » « , A déclaré Liz Flahive à propos de sa nouvelle série Apple TV +.
[Editor’s Note: The following interview contains light spoilers for “Roar” Season 1. All eight episodes are available now on Apple TV+.]
Les fables, par définition, fournissent une leçon de morale, mais cela ne signifie pas que les personnages de chaque histoire fantaisiste et fictive doivent reconnaître le message eux-mêmes. Les mauvais choix d’un protagoniste peuvent entraîner une amélioration, ou son réveil peut arriver trop tard. Leur sort est destiné à informer et instruire le lecteur, plutôt que de simplement le faire se sentir en sécurité.
En d’autres termes, les fables ne sont pas des contes de fées, et « Roar » reconnaît la différence. La série Apple TV + en huit épisodes est adaptée de la collection de courts métrages 2018 de Cecelia Ahern. Un certain nombre d’épisodes – tous des fables – sont imprégnés d’un malheur relatable. La femme qui a résolu son propre meurtre ne récupère pas sa vie. La femme qui a disparu ne trouve pas de patch magique pour les angles morts racistes. Mais entre les mains des créateurs de « GLOW » Liz Flahive et Carly Mensch, « Roar » imprègne sa saison d’un sentiment d’encouragement. Il y a une chaleur donnée à ses personnages, leur prêtant une oreille compatissante à mesure qu’ils progressent dans des histoires visant à éclairer les autres.
« Sur ‘Roar’, il y a un centre humaniste partout », a déclaré Liz Flahive dans une interview avec IndieWire. « Nous n’allons jamais nous éloigner du personnage – nous voudrons toujours livrer un personnage dans un nouvel endroit. Ce n’est peut-être pas le meilleur endroit, mais c’est peut-être le début de quelque chose de nouveau.
Avec Nicole Kidman à bord non seulement en tant que star, mais aussi en tant que productrice exécutive, « Roar » s’aventure encore et encore dans un nouveau territoire, racontant des histoires sur les femmes modernes de manière créative et engageante. L’actrice australienne mange des photographies. Merritt Wever sort avec un canard. Meera Syal échange son mari dans un magasin de détail. Chaque personnage central traverse un parcours profond. Certains sont effrayants, certains sont doux, certains sont désordonnés, certains sont tranchants. Mais ils font tous partie d’un ton unifié établi par Flahive, Mensch et leurs talentueux collaborateurs.
« Il y a beaucoup d’obscurité et de tranchant dans beaucoup de ces histoires, mais je pense que nous essayons toujours de trouver un certain degré de croissance, d’espoir ou d’élan pour ces personnages », a déclaré Flahive. « Parce que je pense que la plupart du temps, nous voulons les laisser différents ou meilleurs que nous les avons trouvés. »
La conversation suivante a été légèrement modifiée pour plus de concision et de clarté.
IndieWire : Six des huit épisodes ont été adaptés d’un livre de 30 fables. Comment avez-vous choisi ces six épisodes ?
Liz Flahive : Je pense que le premier vers lequel nous nous sommes tournés, qui nous semblait très personnel et dans lequel nous pouvions nous mettre, était « La femme qui a trouvé des marques de morsure sur sa peau » parce que nous pouvions certainement accéder à l’histoire de la culpabilité maternelle ensemble assez facilement. Donc, après avoir écrit celui-là, nous avons pensé aux écrivains que nous voulions faire travailler avec nous. Nous avons eu quelques pensées et, heureusement, toutes ces pensées sont devenues réalité. Halley Feiffer était quelqu’un avec qui on mourait d’envie de travailler. Janine Nabers que nous connaissons depuis très longtemps en tant que dramaturges et elle venait de finir d’écrire sur « Atlanta », alors nous étions comme, « Venez faire cet épisode » – et la même chose avec Vera Santamaria qui venait de terminer « PEN15. ”
Nous avions ces femmes écrivains lourdes et intelligentes, et nous ne voulions pas simplement leur imposer les épisodes. Alors on leur a envoyé le livre et on leur a dit : « Écoutez, dites-nous quels épisodes [you like]. Choisissez-en une poignée à laquelle vous répondez. Nous voulions qu’ils viennent avec leur propre point de vue, avec leur propre chose à dire. C’était donc une façon différente de travailler. En règle générale, nous avons une salle d’écrivains, et pour cela, nous avons fait des tête-à-tête [work] avec un écrivain, c’était donc une salle d’écrivains de trois fois. La collaboration était assez profonde avec les réalisateurs car il y avait une telle singularité.
Mais c’était intéressant, car ce qui s’est également passé avec les scénaristes, c’est qu’ils ont vu les histoires très différemment de nous. Nous n’envisagions pas « [The Woman Who Was Fed by a] Duck » du tout, puis Halley a lu le livre et [argued for it]. Et nous sommes comme, « Pourquoi? C’est l’histoire d’une femme qui parle à un canard dans un étang et lui donne des conseils. Et elle dit: « Ouais, mais ce canard était malhonnête et toxique et je me suis vraiment dit, et si c’était l’histoire d’une femme qui entre dans une relation toxique avec un canard? » Et nous nous sommes dit: « Oh, eh bien, essayons de voir si nous pouvons casser ça. »
Alors nous avons essayé de casser [the story] et a continué à le pousser et à le pousser et à le pousser. Lorsque nous avons présenté les épisodes à Apple et à nos producteurs, tout le monde s’est dit : « Ouais, pouvons-nous parler du canard une seconde ? » Et c’est Nicole Kidman qui a été la première à dire : « Si nous ne faisons pas cela, pourquoi faisons-nous cette émission ? Nous devrions pousser à ce dur. Ce devrait être aussi audacieux. Ce devrait être cet abrasif. Nous devrions prendre cette balançoire. Cela a soutenu tout le monde et nous a donné le courage de continuer à pousser aussi loin que possible, ce qui était vraiment cool.
Cynthia Erivo dans « Roar »
Ali Goldstein / Apple TV+
Vous avez abordé quelques points sur lesquels je voulais poser des questions : dans l’épisode de Cynthia Erivo, ces cicatrices atteignent un niveau d’horreur corporelle qui, étant donné à quel point l’horreur corporelle peut être effrayante, peut inciter les téléspectateurs à se précipiter vers la télécommande. Quelles ont été les conversations que vous avez eues avec la réalisatrice, Rashida Jones, et les maquilleurs, jusqu’où vous vouliez aller ?
Nous savions que nous voulions en faire le plus pratiquement possible, [then get] l’aide de VFX à la fin, avec les trucs suintants et sanglants. Mais nous avons pu faire [a lot] avec notre maquilleuse, Lana [Horochowski], qui était notre maquilleuse sur « GLOW » et qui est un génie. Nous avons travaillé avec Rashida et Cynthia et Lana et Quyen Tran, notre DP, pour examiner ces différentes marques de morsure pour parler de la façon dont elles ont progressé, où elles ont commencé sur son corps, comment elles se sont déplacées. Que nous allions d’une morsure près de sa poitrine – où l’allaitement se produit, donc cela jouait avec la tête du personnage d’une manière différente – puis nous nous déplacions sur son corps, puis sur son visage, et c’était comme une vigne de morsure -marquer la culpabilité qui l’entoure.
Ensuite, nous avons également parlé de la façon dont nous voulions vraiment y aller et les faire ressembler à des marques de morsure. C’était en grande partie ce que Rashida demandait. Elle dit: « Donc, cela devrait ressembler à des marques de morsures humaines, mais ensuite nous entrons dans un endroit monstre, plus grotesque et plus surréaliste? » Donc ça a commencé de façon plus ancrée et puis quand on a testé les marques de morsures, notre maquilleuse a dit : « Alors c’est une morsure de requin ? » Et c’était tellement cool, parce que nous avions toutes ces conversations folles sur la façon dont cela passe de l’humain à un peu plus. Vous voulez toujours voir une bouche, mais la bouche devrait devenir un peu plus grotesque – ce n’est pas comme une bouche de bébé qui vous mord partout.
[But] nous ne voulions pas être piétinés par la magie de l’épisode, ni avoir l’impression d’être écrasés par les morsures grotesques. Nous revenions au récit. Nous revenions au personnage. Quelle est la forme émotionnelle de l’histoire? Au fur et à mesure que sa culpabilité progresse, elle devrait devenir de plus en plus incontrôlable. Moins elle en parle, plus elle réprime ses sentiments de culpabilité, plus les morsures deviennent agressives. Et ce n’est que lorsqu’elle en parle pleinement qu’ils s’éloignent.
Nous y pensions vraiment d’une manière très ancrée, ce qui est franchement la façon dont nous avons abordé une grande partie de la magie dans chaque épisode. Les conversations n’étaient pas du genre « À quel point pouvons-nous être bizarres ? » Ils disaient : « Quelle est l’émotion ? Que traverse le personnage ? Comment cela nous aide-t-il à manifester littéralement ces choses d’une manière qui élève la narration ? »
Tout cela passe, ce qui m’a aidé – parce que ouf, je ne suis pas doué pour l’horreur.
Nous non plus. Lorsque nous écrivions ceci, Carly a dit : « Et si une dent sort de sa main ? Et je me dis : « Je ne veux pas voir ça, mais je pense que tu as raison. »
Compte tenu de votre réaction initiale à l’histoire, qu’est-ce qui vous a donné envie de réaliser l’épisode « Duck » ?
Je pense que c’est Carly et l’un de nos autres producteurs qui m’ont dit : « Pourquoi ne réalises-tu pas ‘Duck’ ? » Et c’était comme, « Vraiment les gars ? Es-tu sûr? » C’était terrifiant dans son concept, pour que ce soit la première chose que je réalise. Mais d’un autre côté, Merritt est l’une de mes amies les plus proches et je l’aime beaucoup en tant qu’actrice, évidemment, et j’avais le vent en poupe : j’avais la moitié de notre équipe de « GLOW » comme notre équipe sur « Roar, ” et puis tant de nouveaux collaborateurs, comme Quyen Tran était un DP tellement incroyable que je me suis senti très soutenu.
Merritt Wever dans « Roar »
Ali Goldstein / Apple TV+
La scène où Larry, le canard, fait plaisir à Merritt Wever aurait pu aller dans un million de directions différentes. Comment avez-vous mis cela en place ?
Il y avait beaucoup à comprendre. Nous ne savions pas comment nous allions faire cet épisode. On a beaucoup parlé de CG contre de vrais canards – les vrais canards pourraient-ils atteindre leurs objectifs? Pendant que nous parlions de la façon de le faire techniquement, en particulier pour cette scène, nous avons tout traité comme vous le feriez pour n’importe quelle autre scène. C’était un ensemble fermé. Nous avions un coordonnateur de l’intimité. Les conversations que j’ai eues avec Merritt étaient ancrées dans le fait de parler de Larry, comme vous parleriez de n’importe quel autre personnage. Et Justin Kirk, qui a fait la voix du canard, qui est spectaculaire, il était sur le plateau tous les jours pour faire la voix hors caméra.
Oh wow.
Elle a donc pu regarder un vrai canard et rester dans cette partie de la scène, puis Justin – héroïque, incroyable Justin Kirk, qui est un talent au-delà du talent – était ici hors de sa ligne de mire, mais faisant la scène avec elle . Vous pouviez vraiment sentir, même lorsque vous filmiez, oh, quelque chose se passe ici. Vous n’attendiez pas pour monter la scène en post. Vous avez eu les performances juste là. Nous avons donc enregistré sa performance sur scène. Il a fait les répétitions avec elle. J’ai littéralement des photos de lui accroupi, donc il est au moins à droite de l’œil alors que Merritt se lève et qu’ils répètent. Tu prends des swings bizarres et j’ai l’impression que c’était bien d’avoir peur. C’était agréable de sentir que nous faisions quelque chose qui ne s’était pas nécessairement produit plusieurs fois auparavant.
Parlant de l’engagement de vos acteurs – et c’est une question technique idiote – mais dans l’épisode de Nicole Kidman, quand elle mange les photos, qu’est-ce qu’elle mange, exactement ?
J’aime cette question. Nous avons posé certaines des questions les plus folles [while shooting this series]. C’est comme, qu’est-ce qui ressemblera durablement à une photographie ? Et qu’est-ce que Nicole Kidman – l’actrice primée aux Oscars, Nicole Kidman – peut mettre dans sa bouche à plusieurs reprises qui ne sera pas une situation? Nous avons donc eu deux versions. Kim Gehrig a fait beaucoup de recherche et de développement à ce sujet pendant qu’elle dirigeait, mais nous avions les photographies réelles imprimées sur du papier de riz, puis nous avions un autre [set] imprimé sur pâte d’amande. Je pense que les deux sont dedans [the final cut]. Et je pense que quand elle en avalait beaucoup, la feuille de riz finissait par être meilleure, mais aussi plus cassante. Ni l’un ni l’autre n’était parfait, mais entre les deux, nous avons obtenu ce dont nous avions besoin dans l’ensemble.
Chaque épisode avait un, « Comment pouvons-nous faire cela pratiquement, mais aussi faire en sorte que cela ressemble à de la magie? » C’était cool, et j’ai l’impression que tout le monde était très partant pour rester dans la boue et le comprendre encore et encore et encore.
« Roar » est disponible pour regarder sur Apple TV +.
S’inscrire: Restez au courant des dernières actualités cinématographiques et télévisées ! Inscrivez-vous à nos newsletters par e-mail ici.