Mai décembre ouvre dans certaines salles le 17 novembre et est diffusé sur Netflix le 1er décembre. Cette critique est basée sur une projection au Festival du film de New York 2023.
Peu de couples réalisateur-acteur sont aussi parfaits que Todd Haynes et Julianne Moore. Mai décembre marque leur quatrième collaboration depuis 1995 (après Safe, Far From Heaven et Wonderstruck), et il est presque tragique qu’ils n’aient pas travaillé ensemble des dizaines d’autres fois. Moore est à l’écoute de la longueur d’onde du mélodrame domestique de Haynes, et dans leur dernière collaboration, sa performance particulière et campagnarde devient l’épicentre d’une histoire sensuelle, brute, drôle et profondément troublante d’une figure controversée du tabloïd et de la star de la télévision (Natalie Portman) la suit avant un prochain biopic.
Co-écrit par Samy Burch et Alex Mechanik, May December est un film aux performances captivantes, centré sur l’idée de trouver la vérité dans des circonstances inhabituelles (voire inquiétantes), où les personnages dissimulant leur véritable identité sont le mode opératoire par défaut. La chaleur de son décor à Savannah, en Géorgie, nous attire dans un faux sentiment de confort, alors qu’Elizabeth Berry (Portman) rencontre Gracie Atherton-Yoo (Moore) pour la première fois, dans un échange sympathique mais distant lors de l’un des rassemblements mondains intimes de Gracie. C’est bien sûr un scénario délicat que de rencontrer la femme qui va vous incarner dans un film. Cependant, à mesure que l’image complète se dessine – l’ampleur du rôle d’Elizabeth et la véritable histoire qu’elle raconte – « maladroit » devient, au mieux, un euphémisme.
Gracie, une femme d’une cinquantaine d’années, a rencontré son mari Joe (Charles Melton), une trentaine d’années, alors qu’elle avait la trentaine, mais il n’avait que 13 ans – le titre du film est un ancien terme pour une romance anti-âge, opposant le printemps de la jeunesse à l’hiver de la vieillesse. Ils sont bien installés maintenant, avec trois enfants – une fille à l’université et des jumeaux fraternels (un fils et une fille) sur le point d’obtenir leur diplôme d’études secondaires – mais la tache des actions de Gracie, et son séjour en prison pour viol, a les a suivis depuis. (Les contours de cette histoire seront familiers à tous ceux qui ont suivi le cas de Mary Kay Letourneau et de Vili Fualaau dans les années 1990.) Alors qu’Elizabeth part en mission d’enquête, interrogeant des amis, des voisins et des membres de sa famille, une image plus large des événements se dessine. émerge. Pourtant, son authenticité reste enveloppée d’un brouillard d’incertitude aussi épais que l’air humide de la savane, en raison de la façon dont Gracie est étroitement surveillée à propos de chaque interaction avec Elizabeth, même si elle accorde à la starlette hollywoodienne un accès sans entrave à sa vie quotidienne.
La porte du film vers le passé se limite aux conversations, aux coupures de magazines et aux sorties scolaires d’Elizabeth dans des lieux familiers (comme l’animalerie de renommée locale où Gracie et Joe ont été capturés). Renonçant aux flashbacks, Haynes force l’idée même de « vérité » à devenir mutable et malléable. Les faits ne sont jamais contestés – comme ils auraient pu l’être si May Décembre avait pris la forme d’un drame judiciaire – mais en filtrant la saga de Gracie et Joe à travers les lentilles du cinéma et de la performance, elle devient émotionnellement fluide dans chaque scène.
Le compositeur Marcelo Zarvos imprègne l’histoire d’une sensibilité de feuilleton télévisé, avec des notes de piano répétitives et retentissantes qui accompagnent les transitions de scène et de lents zooms avant et arrière sur les informations entre les échanges verbeux. Mai Décembre est un film aux textures enveloppantes, en grande partie grâce au directeur de la photographie Christopher Blauvelt, dont les plans de l’heure d’or à travers les arbres se balançant et les canopées de feuilles transforment le coucher de soleil perpétuel en un projecteur inébranlable. C’est un rappel du succès qu’Elizabeth attend si elle décroche ce rôle potentiellement digne d’un Oscar et un reflet de la notoriété dont Gracie essaie constamment de se cacher.
Lorsque Portman et Moore sont ensemble à l’écran, le résultat est magique, avec un jumelage visuel pas si subtil de leurs personnages à travers le cadrage de Haynes – où les stars partagent souvent l’espace avec des miroirs et des écrans – et à travers l’image de plus en plus perceptible (et visiblement) de Portman. caricaturés) imitations de la voix et du langage corporel de Moore. Mais ce qu’Elizabeth ne voit pas, c’est la nature désordonnée et compliquée de la « vérité » qu’elle recherche lorsqu’elle émerge derrière des portes closes, à travers le tempérament déclencheur et la fragilité émotionnelle de Gracie. C’est né d’un sentiment imminent de… quelque chose. Appelons cela culpabilité, regret ou peur ; il n’a pas de nom en raison de la profondeur avec laquelle Gracie l’enterre et de la façon dont Haynes le traite comme un mystère émotionnel, dont les manifestations rauques sont bien plus intéressantes sur le plan cinématographique que les mécanismes de sa psychologie.
L’arme secrète du film est l’interprétation de Melton dans le rôle de Joe, un homme coincé entre la jeunesse et l’âge mûr, dont le comportement décontracté papacore les vêtements ne sont pas bien ajustés. Il a ses passe-temps, comme nourrir les chenilles – une fois qu’elles ont atteint leur taille adulte et renaissent en papillons monarques, il les libère comme pour réaliser un souhait – mais il continue de vivre dans l’ombre dominatrice de Gracie, malgré un vernis de normalité domestique.
L’attention portée par Haynes à la façon dont les personnages se voient eux-mêmes, par rapport à la façon dont ils veulent être perçus, crée une tension vive qui bascule souvent en hilarité, surtout lorsque de simples mots et observations d’autres personnages suffisent à percer les bulles insulaires qu’ils créent pour protéger leur les égos. C’est à travers la relation de Joe avec Gracie et la nature désagréable de leur histoire que le film trouve à la fois ses moments les plus gauches et les plus tendres, équilibrant l’humour noir de jais d’un développement arrêté et celui des grimpeurs et des sangsues hollywoodiennes transformant le traumatisme en divertissement, avec le vulnérabilité d’un passé longtemps enfoui et nié. Ces blessures cachées sont complètement exacerbées par les enquêtes d’Elizabeth et sa présence constante dans la vie de Joe et Gracie. C’est un numéro de corde raide époustouflant de la part de toutes les personnes impliquées, et l’un des films les plus inconfortablement divertissants de cette année.