Lorsque l’ASC a lancé ses prix en 1986, une seule statue a été décernée pour la cinématographie de longs métrages, présentée par Gregory Peck à Jordan Cronenweth pour son travail sur « Peggy Sue Got Married » de Francis Ford Coppola.
Aujourd’hui, 36 ans plus tard, les American Society of Cinematographers Awards reviennent à la plus petite échelle d’autrefois, même s’ils promettent de célébrer un large éventail de créateurs d’images. La cérémonie aura lieu le 20 mars au ASC Clubhouse, le siège social modeste mais élégant de l’organisation à Hollywood, plutôt que dans une salle de bal caverneuse.
Mais même si l’ASC a réduit l’ampleur de l’événement cette année, la portée des prix a continué de s’élargir considérablement depuis cette première soirée. Les honneurs vont désormais aux catégories TV ainsi qu’aux documentaires. Le Spotlight Award de l’ASC s’est joint à la parade en 2013 pour récompenser les films vus principalement sur le circuit des festivals, en sortie limitée en salles ou en dehors des États-Unis – une félicitation qui révèle souvent de nouveaux talents.
La reconnaissance de carrière ira aux DP Ellen Kuras (réalisation d’une vie, la première femme ainsi honorée) et Peter Levy (pour son travail à la télévision), et à Dan Sasaki de Panavision (pour ses contributions techniques à l’objectif).
Comme c’est souvent le cas, les cinq nominations de longs métrages de l’ASC sont étroitement reflétées dans les nominations aux Oscars de l’Académie, le travail du candidat éternel Janusz Kaminski sur « West Side Story » de Steven Spielberg prenant le pas dans la course aux Oscars sur le tendre de Haris Zambarloukos, principalement noir. images blanches et blanches dans « Belfast » de Kenneth Branagh (photo ci-dessus), nominé pour un prix ASC.
Zambarloukos est nominée pour la première fois aux ASC Awards, une reconnaissance qui revient également à Ari Wegner, qui a tourné « The Power of the Dog » de Jane Campion et est devenue la deuxième femme à remporter une nomination aux Oscars pour le travail de caméra, l’un des 12 noms accordés au film. .
Le champ est complété par Dan Laustsen, obtenant sa deuxième nomination ASC pour « Nightmare Alley »; Greig Fraser, pour « Dune », son troisième nominé ; et Bruno Delbonnel, dont le travail a été salué par ses pairs depuis au moins jusqu’à « A Very Long Engagement », largement considéré comme un chef-d’œuvre cinématographique. Cette année, Delbonnel est reconnu pour son travail en noir et blanc austère mais élégant dans « La Tragédie de Macbeth ».
Les nominations de longs métrages rappellent que le grand cinéma nécessite une interaction humaine profonde et complexe – un aspect des compétences du directeur de la photographie qui est souvent négligé au profit de l’expertise technique.
Wegner a passé un an à se préparer avec Campion avant que la production ne commence sérieusement, et elle attribue à l’approche humaine du réalisateur d’avoir imprégné le film de son sentiment et de sa saveur uniques.
Zambarloukos et Branagh ont réalisé sept films ensemble, et « Belfast » était un essai particulièrement personnel pour le réalisateur. Delbonnel se tient désormais aux côtés de Roger Deakins en tant que directeur de la photographie incontournable des frères Coen. Et Fraser a collaboré avec le réalisateur Denis Villeneuve, qui a appelé « Dune » le projet sur lequel il avait travaillé toute sa vie.
« Chaque film est différent, évidemment, » dit Wegner. « Notre préparation prolongée nous a permis de rédiger des idées, avec la possibilité d’interconnecter et de croiser ces idées avec tous les autres départements. Il y a un travail complexe en cours, un tissage méthodique, un peu comme la corde dans le film.
Wegner ajoute : « après un certain temps, les changements deviennent si percutants parce qu’ils sont si spécifiques. Il y a un jeu ou un relâchement de la tension lorsque les idées circulent. Vous ne devenez pas obsessionnel ou ne vous enfermez pas dans une seule idée. Que nous suivions ou non une idée particulière est presque sans importance – le fait que vous puissiez l’évoquer librement est la chose la plus importante.
La relation entre le réalisateur et le DP est également essentielle pour Wegner. « En travaillant avec Jane et en construisant notre amitié au cours de cette année, j’ai vu comment son approche a influencé tout le film », dit-elle. « Je n’ai jamais vu une cinéaste qui avait de si grands instincts – non seulement dans la façon dont elle voulait que le film se sente et se présente, mais sachant qu’elle pouvait contribuer tout autant à la créativité dans le choix des personnes, le rythme de la journée, la façon dont -la production se déroule, d’une manière qui lui convient. C’est le travail d’un réalisateur de façonner cela – et certains réalisateurs ne s’en rendent pas compte.
L’expérience de Zambarloukos sur « Belfast » a été informée par le lien autobiographique de Branagh avec l’histoire. « En repensant à mes débuts, je me souviens que je me concentrais sur l’apprentissage du métier », dit-il. « Ce qui me surprend à ce stade de ma carrière, ce sont les relations personnelles qui évoluent alors que nous essayons de créer ensemble. Je me sens très chanceux d’avoir travaillé avec – et d’avoir apprécié la compagnie de – des gens comme Ken, des gens avec qui je partage des idées sur l’histoire, comment la raconter et ce qui vaut la peine d’être raconté.
Un tel rapport « transparaît dans les images », ajoute-t-il. « ‘Belfast’ est un film intimiste. Le lieu et l’époque nous ont amenés à créer moins d’images que d’autres films plus mignons. Ces images doivent compter. Les clichés sur lesquels vous vous attardez doivent être réfléchis et multidimensionnels. Nous sommes submergés d’images dans la vie moderne, et notre intention était de fournir un contraste avec cela.
James Laxton, qui a été nominé pour un Oscar et un prix ASC en 2017 pour « Moonlight » du réalisateur Barry Jenkins, est nominé ASC cette année dans une catégorie télévision pour un épisode de « The Underground Railroad » dirigé par Jenkins, une combinaison de faits et de fantaisie se déroulant au 19ème siècle.
« Barry et moi avons une histoire profonde, et cela va au-delà de savoir quel objectif fait quoi et quel outil de caméra produit quel résultat », déclare Laxton. « Cela a à voir avec qui nous sommes en tant qu’individus et où se trouve notre cœur dans le monde. La façon dont ces personnages sont représentés photographiquement a tout à voir avec qui nous sommes en tant que personnes.
Laxton ajoute : « Entreprendre un projet comme « The Underground Railroad » ouvre votre cœur à toutes sortes de choses. Pour venir travailler quotidiennement avec un ami proche comme Barry, et être prêt à ressentir toutes les émotions que l’on ressent en capturant les scènes qui se déroulent dans la série, vous devez le faire avec des personnes qui vous sont chères. Sinon, vos sentiments pourraient être trop. Vous pourriez tomber en panne. Nous avons fait le show avec nos amis et nos familles. C’est la seule façon dont nous aurions pu le faire.