À propos du résumé spirituel dans l’art et description du guide d’étude

L’art est l’expression de l’atmosphère spirituelle d’une certaine période. Sa forme relative à ses traits caractéristiques évolue à partir de la culture qui inspire l’expression artistique. La copie de la forme, où certains éléments typiques sont imités, comme celui des anciens Grecs, ne conduit qu’à une réplication dépourvue de signification. C’est l’intuition intérieure qui devrait guider la formation des idéaux plutôt que la simple reproduction des formes.

Kandinsky engage le concept d’un triangle spirituel qui implique divers efforts en lutte constante dans sa vision de l’art et du monde. L’effort humain modifie ce triangle, bien que certains efforts puissent être mal compris. Beethoven, dans le cadre de ce triangle, a atteint le niveau que peu de gens ont réussi à atteindre, mais son génie n’a été reconnu qu’après sa mort. L’avancement du triangle n’est possible que grâce à la capacité de voir au-delà de certaines limites dans la lutte artistique. Comme Kandinsky considère l’art véritable comme faisant partie de la vie spirituelle, il considère la lutte comme la plus importante et la compare à une lutte contre le naufrage.

La vision et la lutte font des champions et l’art ne peut faire avancer le triangle qu’à travers des réalisations exceptionnelles. Le progrès est vital pour l’avancement du monde spirituel qui autrement régresse. Une telle stagnation se produit lorsque l’importance est attachée à la réussite et au bien-être externes plutôt qu’à l’expression intérieure.

La musique est un art qui incorpore diverses manières de créer une atmosphère spirituelle. Pour y parvenir, certains musiciens trouvent l’inspiration dans la nature tandis que d’autres peuvent engager des moyens externes pour atteindre une certaine beauté intérieure qui constitue le rejet de la beauté conventionnelle.

Pour Kandinsky, la relation entre la forme et la couleur est particulièrement importante. Leur dépendance mutuelle est façonnée par la façon dont ils s’influencent les uns les autres. Les propriétés de la couleur, telles que sa chaleur ou sa fraîcheur, stimulent différemment, et cette influence doit être prise en compte lors de la combinaison avec la forme. Diverses formes et couleurs sont utilisées dans la composition d’un nombre illimité de façons. L’expression d’un sentiment intérieur passe par la forme. Une telle expression crée une réponse chez le spectateur qui peut être comparée à une vibration. La pureté d’une telle vibration grandit avec la grandeur ou le potentiel artistique. L’expérience de la structure interne de la forme dans le cadre d’une telle vibration est possible lorsque les compositions sont créées grâce à la direction d’un sentiment intérieur.

La partie la plus essentielle de l’art implique l’élément du temps, où la réalisation artistique peut atteindre plus que ses contemporains. La reconnaissance artistique actuelle porte principalement sur la personnalité et le style. Le plus grand art déplace les gens au-delà de son temps actuel. Un tel art peut être développé par l’esprit intérieur lorsque la direction intérieure est appliquée. La nationalité et le style deviennent d’une valeur moindre car ce sont davantage les mystiques du contenu intérieur qui importent car ils créent du sens. L’expression externe aide à la recherche de sens.

Parmi les expressions de joie et de peur, il y en a aussi d’autres plus subtiles qu’il faut explorer. Pour y parvenir, les liens entre l’art primitif et l’art moderne peuvent être utiles. En plus de nouveaux paramètres de beauté, la beauté conventionnelle incorpore des éléments qui appartiennent au passé. La composition peut être améliorée grâce à des aspects musicaux, picturaux et dansants engageants.

Bien que l’expérimentation soit bénéfique, certaines méthodes peuvent être dangereuses, telles que l’utilisation abstraite de la couleur dans le cadre de la forme géométrique et l’utilisation de la couleur naturaliste avec la forme concrète.

Depuis l’enfance, l’enfance de Kandinsky a été inspirée par les couleurs et les considérait comme extrêmement importantes. Grâce à son expérience des couleurs, il a exploré les odeurs et les sons qui s’y trouvent.

Il a commencé à peindre à l’âge de trente ans, en enseignant à l’école Azbe de Munich, puis à l’Académie royale. Les domaines de son intérêt et de son exploration impliquaient l’amorçage, les réactions chimiques, la détrempe et le vernissage.

Kandinsky a trouvé le plus inspirant l’art de l’art religieux russe des Xe et XIVe siècles. En dehors de son talent, son succès était en partie dû à son attitude de tout faire à fond. Au cours du développement de son art, il s’engage dans des courants tels que le réalisme, l’impressionnisme français et l’abstrait en 1908. En 1910, il réalise sa première œuvre où sa peinture se détache de l’objet. Sa première œuvre détachée de l’objet date de 1910, marquant le début de l’art non objectif.

Son premier livre, Concernant le spirituel dans l’art, a été écrit en 1910 et publié seulement en 1912. Dans ce livre, il soulève diverses questions artistiques tout en traitant de formes telles que les carrés, les triangles et les cercles. Le caractère révolutionnaire du livre implique diverses possibilités artistiques qui rendent l’art détaché de l’objet tout en le rendant aussi libre de dogmes.

Les périodes créatives de son art peuvent être divisées en paysages réalistes, impressionnisme, période fauve, paysages de rêve, période dramatique, période calme, période de cercles, période romantique et période de grande synthèse.

Les principaux attributs qui imprègnent son art sont l’authenticité et la personnalité. Il était optimiste quant à la gestion des conflits dans son travail, ce qui lui a donné de l’inspiration en raison de sa façon d’aborder l’art.

Kandinsky était impatient d’explorer de nouveaux modes de création, utilisant différentes couleurs principalement simples et incorporant de nouvelles choses. Son art a initié le début d’une nouvelle époque dans la peinture. L’influence de son art a conduit à la reconnaissance tandis que ses idées ont permis de comprendre les problèmes impliqués.

Ses autres domaines de travail concernaient les peintures murales, les décors de scène, les salles de musique et de banquet et les panneaux.

Vassily Kandinsky avait de nombreuses facettes de sa personnalité qui étaient pour la plupart familières à ceux qui le connaissaient. Julia et Lyonel Feininger se souviennent avec émotion de Kandinsky du temps de leur amitié avec lui à Weimer et Dessau. Ils l’ont rencontré en 1921 à Berlin. Suite aux ravages causés par la Première Guerre mondiale, la créativité était de mise. Le Bauhaus est fondé et son directeur, Gropius, invite Kandinsky à le rejoindre.

Après la guerre, Kandinsky a vécu en Suède puis est retourné en Russie. Il enseignait à l’université de Moscou, dont il démissionna en 1921 et commença à enseigner au Bauhaus. En dehors de la peinture, il écrit aussi. Son travail a été publié dans le Blaue Reiter, sa biographie dans Der Sturm et son livre Uber das Geistige in der Kunst, en 1912.

Kandinsky et Feiningers avaient des amis communs, tels qu’Alfred Kubin et Maria Marc, dont le mari, également peintre, est décédé en 1915. Il a partagé avec Feiningers une partie de l’histoire de sa famille en 1922 et a expliqué les traits mongols dans sa famille aristocratique qui étaient dus à le mariage d’un de ses ancêtres avec une princesse tartare au XVIIe siècle. Il a étudié l’économie politique et le droit, mais à la fin de ses études, il est devenu peintre en raison de son intérêt pour l’art.

Feiningers a trouvé la personnalité de Kandinsky équilibrée, équilibrée et maîtrisée. Il était plein de compassion mais réservé avec un sens de l’humour tout en étant perspicace en tant qu’auditeur. Ses talents de négociateur ont été admirés et utilisés au cours de sa carrière d’enseignant, tout comme sa réserve et ses critiques.

Il avait la capacité de prendre contact et d’inspirer l’admiration des étudiants, offrant souvent de l’aide en cas de besoin. Cette attitude lui procurait une satisfaction personnelle. Ses capacités professionnelles l’ont rendu critique et engageant, permettant une utilisation efficace des méthodes d’enseignement grâce à une critique constructive. Il ne faisait pas de distinction entre ceux qui étaient sincères dans la peinture et ceux qui ne s’intéressaient qu’à elle.

Ses autres domaines où il a exprimé sa créativité étaient l’écriture et la musique, bien qu’il ne se soit jamais produit en public. Kandinsky s’est engagé dans tout avec une attitude professionnelle authentique et persistante.

Il applique dans ses techniques de peinture la couleur et le maniement habile de formes sans expression mécanique ou simplement décoratives, véhiculant une vision qui rend son art universel.

Il existe une littérature abondante sur l’œuvre de Kandinsky. Sa contribution est plus évidente dans les implications de son travail, où les moyens d’expression mettent son art au premier plan. Kandinsky s’est fait connaître à l’époque du cubisme analytique à Pari, et a libéré la peinture de la représentation standard utilisée dans les pays occidentaux. Sa créativité était basée sur l’utilisation de l’imagination avec une expérience visuelle passée.

La visualisation traditionnelle imposait certaines attentes du public, tandis que la liberté exigeait une certaine responsabilité de la part de l’artiste. Pour gagner l’acceptation du public, il a dû justifier le sens et le langage avec chaque art produit.

Kandinsky a abandonné les modes de représentation traditionnels. Il y est parvenu en mettant d’abord l’accent sur les moyens employés, tels qu’utilisés dans l’impressionnisme et en partie dans le cubisme, puis en utilisant le matériel visuel sélectionné, et enfin en combinant le concept avec le résultat final du travail. Ces développements ont conduit à la transformation de son art à travers ses expériences de découverte que les représentations visuelles préparées étaient insuffisantes pour s’exprimer de manière créative. Le travail final ne pouvait être basé sur aucun processus logique.

Son incapacité à maîtriser les mathématiques a encouragé une certaine admiration pour cette science ainsi que pour la géométrie. Il était incapable d’inculquer l’ordre superficiel des moyens mathématiques, rejetant diverses façons mathématiques de transmettre le matériel graphique.

Il a incorporé un ordre d’espace différent de celui qui avait été accepté depuis Léonard de Vinci, éliminant le plan basal et le rendant continu dans toutes les directions, non plus qualifié de solide. Auparavant, un panorama en forme de surface intérieure de cylindre était accepté. Il utilise diverses dimensions, perspectives et superpositions, rendant la couleur fonctionnelle mais en même temps liée à l’élément qu’elle caractérise. La couleur impliquait également une certaine qualité. La ligne a été élargie, déplacée dans différentes dimensions et a intégré la transparence. Son utilisation de la couleur qui se sépare de la couleur qui se détache de la caractérisation de l’élément aide à placer les éléments dans l’espace.

Kandinsky a trouvé une similitude entre l’expression musicale et picturale, en utilisant la teinte et la saturation des couleurs. La relation entre les éléments picturaux et l’espace modifierait et changerait l’espace lui-même. Grâce au développement du mouvement dans le cadre d’une certaine direction, le mouvement et l’espace ont été intégrés, donnant à l’espace plus de dimensions.

Traditionnellement, le mouvement était considéré comme fixe et dirigé vers une certaine conséquence. Kandinsky a changé ce concept, en utilisant le mouvement lui-même comme un élément représenté et en ignorant la cause ou la conséquence d’un tel mouvement. Divers points, traces ou orbites peuvent être représentés dans le cadre du mouvement. Souvent, un tel mouvement est également évident à travers le manque d’équilibre dans la tension entre les diverses formes.

Depuis 1920, le mouvement devient suspendu et insinué. Le mouvement engage un certain chemin fermé, diverses positions avec des retards pour revenir à la position d’origine, et diverses directions.

Kandinsky maîtrisait la façon dont le mouvement était exprimé, acquérant diverses compétences. Il a réussi à maîtriser le mouvement dans ses compositions, étant capable d’employer divers moyens, tels que la limitation des constructions stables ou statiques où divers éléments montraient un mouvement. Son exploration de la couleur pure dans le traitement de la profondeur faisait partie d’un travail tel que Structure of Points, où une construction rigide avec un plus petit facteur de mouvement est limitée, tout en engageant divers cadres et formes. Un cadre de composition statique fait partie de l’arrière-plan où le mouvement du flux est représenté à travers l’élément rigide.

De la même manière que les astronomes estiment la vitesse de régression à travers le changement de couleur d’une étoile, Kandinsky a réduit la vibration à une pulsation active. Sa peinture montrait une évolution progressive de plus en plus précise qui était également critiquée comme étant trop mécanique. La précision utilisée par Kandinsky requiert de la confiance et la capacité de dépendre de la créativité.

La dépendance de Kandinsky à la précision l’a rendu moins enclin aux sentiments et aux pensées de son temps. Certaines ressemblances dans l’art d’autres artistes comme la gouache Miro (1941) peuvent suggérer que les artistes se sont empruntés les uns aux autres, mais en réalité ils ont utilisé des moyens similaires dans le langage de leur art.