Lors de la conception du monde de ‘Nimona’, le personnage est arrivé en premier.

Bien avant de célébrer la première mondiale de « Nimona » dans un château perché au-dessus d’Annecy, ND Stevenson a conçu le personnage par pure nécessité. « J’étais un étudiant en art extrêmement déprimé, j’avais 19 ans et je me débattais », raconte-t-il. Variété.

« J’essayais vraiment de me trouver et de comprendre qui j’étais, et Nimona était ce personnage qui incarnait en quelque sorte tout ce que je voulais être. C’était une métamorphe, capable de changer d’apparence d’un simple claquement de doigt, et elle pouvait être n’importe quoi, n’importe quelle personne, aussi grande qu’un dragon ou aussi petite qu’un chat. Il n’y avait vraiment aucune limite à son pouvoir, et cela m’a donné un langage émotionnel pour parler de mes sentiments à un moment où j’en avais vraiment besoin.

De plus, Nimona pourrait voyager, en commençant par le dos d’un carnet de croquis, puis par une bande dessinée Web sérialisée, puis dans la publication avant de se diriger vers une porte de studio hollywoodien. Et alors que sa propre carrière d’animateur décollait, Stevenson se sentait prêt à confier son personnage à d’autres mains – mais il avait certaines stipulations clés.

« Conserver son design était vraiment important », explique Stevenson. « C’est un personnage tout en courbes qui n’est pas sexualisé. Elle est non conforme au genre. Elle est punk. Elle a des bords rugueux, et je ne voulais vraiment pas que ceux-ci soient simplifiés en une princesse mignonne plus conventionnelle. Elle est chaotique, elle a beaucoup d’énergie et elle est bruyante. Elle est partout, et cela devait se faire sentir.

Les cinéastes chargés de l’adaptation se sont trouvés d’accord.

« Ce qui a attiré à l’origine [co-director] pseudo [Bruno] et moi au projet était définitivement son cœur », explique le co-réalisateur Troy Quane. « C’était une lettre d’amour à tous ceux qui se sont déjà sentis différents ou incompris [and] nous reviendrions à ces éléments encore et encore. Le style visuel et artistique du film devait refléter le personnage.

Utilisant le paria comme dispositif stylistique et symbolique, Quane et Bruno ont proposé un schéma visuel en clair-obscur, baignant les protagonistes Nimona (Chloë Grace Moretz) et Ballister Blackheart (Riz Ahmed) dans des bassins d’ombres lorsque les personnages se sentaient le plus marginalisés, et les faisant éclater de couleur incandescente lorsque vous vous sentez vu et accepté.

Les réalisateurs ont appliqué une logique thématique similaire lors de la conception du paysage plus large du film, un monde techno-médiéval rempli de tourelles et de tours et d’une architecture en porte-à-faux qui se situe carrément dans le futur.

« La société a avancé dans le temps, embrassant les voitures volantes et les bâtiments géants, mais avec une ligne de pensée toujours bloquée dans le passé », déclare Quane. « C’est une culture de la peur. Ils ont construit des remparts pour empêcher les monstres d’entrer [that double as prison walls] s’enfermer dans une cage dorée, bien sûr, mais une cage quand même.

Le duo est resté fidèle au projet à travers des hauts et des bas, avec un recul du studio de la maison d’origine Blue Sky conduisant bientôt à l’effondrement du studio, et a finalement trouvé un nouveau producteur à Annapurna, un nouveau distributeur avec Netflix et une nouvelle maison d’animation avec le spécialiste CGI DNEG Animation. . Et s’ils travaillaient avec un studio 3D, les cinéastes devaient conserver une certaine sensation de retour en arrière.

« Nous avons abordé la conception globale à partir de l’état d’esprit de ce passé féodal », explique le co-directeur Nick Bruno. « Troy et moi adorons les films classiques de Disney comme » L’épée et la pierre « et le travail de [‘Sleeping Beauty’ background painter] Eyvind Earle. Nous voulions donc garder cela, nous voulions que le film ressemble à une histoire d’animation traditionnelle.

Renonçant aux graphismes 3D complets, les cinéastes décrivent leur approche graphique comme « 2½D », prenant des conceptions inspirées par Eyvind Earle, ainsi que par le moderniste du milieu du siècle Charlie Harper, et, bien sûr, les illustrations originales de Stevenson, et les rendant à travers des processus numériques haut de gamme, en espérant pour donner au style une voix autonome.

« Nous ne voulions pas opter pour un look CG super lisse et fluide ou perdre cette sensibilité graphique », explique Quane. « Nous avons vraiment poussé les animateurs à penser en termes d’animation de pose à pose au lieu de s’appuyer sur l’éditeur de graphiques, ce qui permet à l’ordinateur de vous déplacer en quelque sorte à travers les poses de manière plus fluide, et c’est plus courant en CG. »

Conformément à l’ambiance générale du héros, les réalisateurs ont construit une mix-tape pop-punk et conçu des scènes d’action avec certaines gouttes d’aiguille à l’esprit. « Nous n’avons pas chorégraphié directement sur la musique », dit Bruno. « Mais nous voulions que la musique conduise l’action, comme si ces personnages écoutaient la bande sonore en cours de route. Qu’il s’agisse de combattre à l’épée ou de chevaucher un rhinocéros, l’action se déroule sur un rythme, et cela fait ressortir la musicalité d’une manière si amusante.

Avec une bande originale complète – y compris la chanson originale de K.Flay « T.Rex » – qui sortira sous peu, et le film qui sortira plus tard ce mois-ci, quelle pourrait être la prochaine étape pour le métamorphe punk ? Nimona pourrait-elle voyager du cahier au livre de poche en passant par… la franchise ?

« De notre point de vue, ce monde est ouvert à plus d’histoires, d’aventures et de voyages », déclare Quane. « Si nous trouvons le bon, qui sait où cela mène. Le ciel est la limite – aussi infini que les formes que prend Nimona.