Beau a peur ouvre en salles le 21 avril 2023.
Plus de comédies de studios américains devraient être des odyssées d’horreur surréalistes de trois heures imprégnées de chagrin et de culpabilité. Ou du moins, plus d’entre eux devraient être aussi audacieux sur le plan cinématographique que Beau a peur, le troisième long métrage de Héréditaire et Midsommar réalisateur Ari Aster. Produit par A24, son histoire abstraite ancrée dans des thèmes lourds la rend difficile à décrire, mais peu de films aussi étoilés ou d’une telle envergure arrivent si complètement formés, ou s’inspirent des peurs familiales et des réflexions psychosexuelles d’une manière qui donne autant de rires par minute. C’est le genre de travail qui prend beaucoup de temps à digérer, mais le regarder passer de l’étrange et loufoque à l’étrange et loufoque et émouvant en vaut vraiment la peine.
Joaquin Phoenix joue Beau Wasserman, un quinquagénaire solitaire vivant dans un appartement délabré dans ce qui semble être une ville américaine moderne née de manière satirique de la propagande conservatrice. Le crime et l’instabilité mentale sévissent dans cette conception à la limite de l’offensive de la vie urbaine, qui évoque immédiatement les peurs les plus vives de Beau (un puissant mélange de hypocondrie et agoraphobie). Phoenix est entièrement engagé, capturant la terreur aux yeux écarquillés de Beau alors qu’il patauge dans des rues pleines de gériatrie violente et nue et de gangsters fortement tatoués pour le faire sortir sans rime ni raison.
Tout est un peu ironique, des voisins qui se battent avec lui aux personnes qui refusent de lui venir en aide, et cela témoigne de la façon dont son personnage est fait pour se sentir à la fois invisible et pourtant hyper-visible, chacun dans des moments lointains. d’opportun. Beau a peur se penche également sur certaines des angoisses entourant le vieillissement (et les corps âgés) qu’Aster a décrites dans ses films précédents de manière beaucoup moins délicate. Là où ce n’était autrefois qu’une simple façade pour une valeur de choc, ici, cela magnifie la perspective de Beau sur lui-même et sur ce qui se révèle être une difformité physique plutôt malheureuse qui renforce encore ses peurs étouffantes de l’intimité sexuelle.
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Tout cela n’est que la base de l’intrigue centrale – bien que l’appeler une «intrigue» au sens traditionnel ne semble guère appropriée – dans laquelle Beau apprend la disparition soudaine de sa mère célibataire dominatrice et ultra-réussie, Mona, dans des circonstances sombres et hilarantes. . Cela donne le coup d’envoi d’une odyssée sinueuse, racontée en quatre chapitres distincts, alors qu’il effectue le long voyage de retour. Là où le premier chapitre établit sa situation de vie, le second le voit pratiquement adopté par un couple de banlieue gentil et aisé, Grace (Amy Ryan) et Roger (Nathan Lane), dont les manières frôlent l’optimisme étrange grâce à une paire de performances affinées. .
Ils affichent le genre d’affection qui manquait à Beau et aspirait à grandir dans l’ombre de Mona – Ryan et Lane, étant des vétérans de la comédie à l’écran, imprègnent avec succès leurs personnages d’une joie distincte de sitcom – mais ils semblent abriter une obscurité sous-jacente que Beau ne peut pas tout à fait trembler, comme s’il était habitué à ce que chaque coup de main se transforme rapidement en poing, ce qui le rend d’autant plus pitoyable. Grace et Roger promettent également de l’aider à le ramener à la maison à temps pour les funérailles de Mona, un compte à rebours qui devient subtilement excitant, mais certains inconvénients plutôt pratiques le maintiennent à la maison. Cela ouvre la porte à l’absurdisme comique enrichi de paranoïa, une concoction puissante qui s’avère incroyablement drôle grâce à la naïveté aux yeux de biche de Phoenix.
Le troisième chapitre voit Beau pris en charge par une troupe de théâtre vivant dans la forêt, dont le travail scénique ésotérique lui instille non seulement des possibilités oniriques pour un avenir heureux, mais agit comme une pierre de Rosette pour les réflexions religieuses du film (comme un conte de souffrance distinctement juif ) via des histoires de l’Ancien Testament montrées à travers un miroir amusant. Aster présente ces branches de la conscience et de la réalité sous la forme de segments semi-animés, produisant des expressions étonnamment vibrantes et émotionnellement lucides de nostalgie personnelle, contre des vues époustouflantes à une échelle énorme.
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Le quatrième et dernier segment, dont il vaut mieux laisser les détails complètement intacts, est une confrontation beaucoup plus directe des thèmes qu’Aster construit lentement à travers les trois premiers chapitres, utilisant des rêves dispersés et des flashbacks sur l’enfance de Beau pour évaluer ses sentiments compliqués à la suite de Mona. décès. Beau a peur parle autant de la perte d’un parent que de la culpabilité qui pourrait accompagner une expérience aussi tumultueuse, née des manières complexes et même paradoxales dont le passé pourrait se manifester dans le présent.
C’est un film dont la chronologie exacte n’est souvent pas claire, grâce à des détails spécifiques à l’époque qui ne semblent pas à leur place et ne correspondent jamais complètement aux conceptions de costumes et de maquillage des personnages. Il semble aller et venir entre les événements et les souvenirs sur un coup de tête, avec des flashbacks moins motivés par la fonction de narration et plus par la sensation. Là où ceux-ci auraient pu se lire comme un assemblage aléatoire de scènes dans un film moindre, Beau a peur incarne efficacement une conscience éclatée; ses sauts dans le temps apparents sont souvent liés spatialement à Beau lui-même, comme s’il dérivait entre « maintenant » et « alors » chaque fois qu’il tourne la tête.
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Cette falsification temporelle est également aidée par le fait que Beau est généralement décrit comme chauve, gris et frumpy (sauf dans les flashbacks de l’enfance, où il est joué par Armen Nahapetian, qui correspond si étrangement au rôle qu’il se présente comme un numériquement vieilli Phénix). Mais peu importe comment le film dépeint sa mère – jouée avec une brusquerie intimidante par Zoe Lister-Jones quand Beau est enfant, et avec une fureur sévère par une magnifique Patti LuPone quand il est plus âgé – elle semble toujours plus jeune et plus vive que lui, grâce à une grande partie de ses mèches rouge vif et de son comportement tout aussi fougueux. Dans ses souvenirs, elle peut tout aussi bien être figée dans l’ambre à deux moments précis – des moments liés à des souvenirs de stricte désapprobation et de déception – ne vieillissant jamais au-delà de lui et ne le laissant jamais mûrir dans le processus. Sa présence dans sa vie reste si vaste et si globale qu’elle est la seule lentille à travers laquelle il est capable de voir ses propres insécurités.
La performance de Phoenix est la clé du ton absurde. La durée gargantuesque de trois heures de Beau a peur est pratiquement justifiée par ses seuls plans de réaction, sur lesquels la perspective s’attarde pendant de longues périodes sans couper. C’est comme si la caméra attendait que Beau commente ou s’oppose aux nombreuses bizarreries qui l’entourent, ou aux affronts personnels lancés dans sa direction (le résultat est une intensité de fil de rasoir qui chatouille autant qu’elle coupe). Ce qu’il propose à la place, c’est une acceptation résignée de sa situation, même si elle devient de plus en plus fantastique. Beau a peur offre rarement de la clarté sur ce qui est réel ou irréel, mais il reste en phase avec la façon dont la naissance, le sexe, le vieillissement et la mort se brouillent dans un continuum anxieux dans l’esprit de Beau. Chacun présage le suivant de manière subtile qu’on nous apprend pratiquement à anticiper à travers la répétition de rêves entremêlés d’implications œdipiennes. (RIP Sigmund Freud, vous auriez adoré ce film.)
Mais par-dessus tout, ce qui fait de Beau Is Afraid une montre si fascinante, c’est qu’elle est à la fois drôle et terrifiante, souvent dans les mêmes moments. Il réalise ce que Joker – qui présentait la performance oscarisée de Phoenix – n’a pas réussi avec un ton discordant, transformant pratiquement les gros plans emblématiques d’Aster, des visages morts figés dans des moments de peur et d’angoisse, en masques de comédie grecque.
Le cinéma est stellaire à tous les niveaux. Non seulement l’utilisation du son est particulièrement secouante – la façon ingénieuse dont il mélange les voix humaines renforce la paranoïa de Beau, ce qui en fait un incontournable dans le théâtre le plus bruyant possible – mais le cadrage visuel d’Aster et du directeur de la photographie Pawel Pogorzelski surpasse la plupart des comédies américaines simples dans son approche espiègle. . Une grande partie de l’humour ironique est née des choses bizarres immédiatement dans le voisinage de Beau, qu’il s’agisse de changements mineurs dans l’espace ou du comportement décalé des personnages secondaires, chacun joué par des visages surprenants et familiers.
Pendant tout ce temps, sa relation physique avec ces éléments de l’histoire joue comme un bâillon en soi, que ce soit à travers les non-réponses déconcertantes de Phoenix, ou la façon dont il absorbe la punition émotionnelle sans se plaindre – ou simplement à travers l’énergie contrastante de l’apathie polie de Beau avec d’autres l’hyperactivité des personnages. Il reste centré alors que le film capture le chaos qui se déroule autour de lui. La plupart du temps, Beau est la punchline, mais la configuration semble toujours être une confession profondément personnelle d’Aster, qui semble reconnaître que ses propres névroses lancinantes sont la cible de la blague. On ne peut qu’espérer que la réalisation d’un film d’horreur avec cette autodérision a été utile d’une certaine manière; l’expérience de le regarder est susceptible d’être au moins conflictuelle – sinon cathartique.