« Girl, Unknown », le deuxième long métrage du réalisateur espagnol Pablo Maqueda (« Cher Werner »), se classe actuellement parmi les premiers titres à la mode au Festival du film de Málaga, avant même sa première mondiale.
Le film adapte la pièce de théâtre « Grooming » de Paco Bezerra. Maqueda, Bezerra et Haizea G. Viana ont écrit le scénario, qui conserve l’élément troublant du chat et de la souris de la pièce. Il plonge dans les recoins du désir, soulevant des questions sur la dépravation, la sexualité et la pulsion d’être comblé. L’histoire dévoile une dynamique de pouvoir pendulaire entre Carolina, apparemment innocente, âgée de 16 ans, et un homme d’âge moyen qu’elle rencontre dans un parc nommé Leo. Ce qui commence et est un cas de toilettage se transforme en quelque chose de beaucoup plus complexe car Carolina n’est pas tout ce qu’elle semble. Maqueda montre un talent Hanekesque pour équilibrer le dérangeant avec le passionnant. Sur le film, Maqueda a raconté Variété: « Je ressens le film comme un kaléidoscope et les personnages comme des masques. J’aime les histoires qui naviguent dans la terreur quotidienne du quotidien »,
Le film met en vedette Laia Manzanares (« Le royaume ») dans le rôle de Carolina, avec Manolo Solo, lauréat du prix Goya du meilleur second rôle masculin dans « La fureur d’un homme patient » de Raúl Arévalo, dans le rôle de Leo. En soutien, en tant qu’épouse de Leo, se trouve Eva Llorach, gagnante de la meilleure percée féminine Goya pour Carlos Vermut « Quién te cantará ».
« Girl Unknown » arrive à Malaga après avoir remporté en tant que projet un prix au Marché audiovisuel Abycine Lanza 2019 pour le film indépendant, dans le cadre du Festival du film Abycine d’Albacete.
Le thriller est vendu par Filmax et a été soutenu par l’Institut espagnol du film ICAA, le gouvernement régional et la mairie de Madrid et la Fondation Impulsa de Castilla La Mancha, avec la participation des diffuseurs régionaux Telemadrid et Castilla La Mancha Media TV.
Michael Haneke est un cinéaste qui parvient à provoquer et à captiver le public avec des thèmes troublants. Comment avez-vous abordé l’équilibre entre le sujet tout en conservant l’aspect thriller de l’histoire ?
Le cinéma de Haneke est une référence claire dans ma façon d’appréhender non seulement le thriller mais aussi la mise en scène cinématographique. J’étais très clair sur le fait que je voulais un contexte naturaliste pour le film parce que j’ai toujours pensé que la vraie horreur était dans le quotidien. J’ai donc travaillé avec la photographie de Santiago Racaj et le montage de Marta Velasco, qui sont des professionnels liés aux drames profonds et non aux thrillers. Mais j’étais aussi très clair que je ne voulais pas oublier la fable qui entoure l’histoire et là, le conte d’Alice au pays des merveilles était la clé et le genre de suspense des films d’Alfred Hitchcock était aussi important pour le contexte de l’histoire et le construction des personnages. D’où, par exemple, l’utilisation de la musique et de la voix off à des moments bien précis. Je ressens le film comme un kaléidoscope et les personnages comme des masques. J’aime les histoires qui naviguent dans la terreur quotidienne du quotidien.
Le film est basé sur une pièce de théâtre : comment s’est passé le processus de transition de l’histoire mise en scène vers une histoire cinématographique ?
Je voulais partir de la pièce pour faire un film, et nous étions tous les trois d’accord là-dessus. La pièce était parfaite, donc notre défi était de faire un film à la hauteur. Il y a eu des moments très drôles avec Paco où il m’a proposé quelque chose et j’ai dit « trop théâtral » car ce sont des langues très différentes. Pour moi, en tant que réalisateur, le plus grand défi était de faire quelque chose de nouveau à partir d’un matériau initial que j’admirais et respectais. C’était aussi un challenge parce qu’on n’a pas le même dialogue au théâtre qu’au cinéma, mais en même temps il fallait garder l’essentiel. Dans ce processus, la phase finale a été déterminante, lorsque nous avons commencé à répéter avec Manolo et Laia.
Il faut des acteurs excellents et confiants pour accepter des rôles comme ceux-ci. Était-ce un processus facile de trouver vos pistes pour le film ?
Nous avons vu plus de 100 actrices pendant un an et je me suis beaucoup impliquée car le personnage de Carolina est très complexe et demande des caractéristiques très particulières, tant physiques que psychologiques. Je voulais aussi quelqu’un qui n’était pas particulièrement reconnaissable par le public et Laia était parfaite pour le rôle et elle était prête à plonger dans le personnage, à se laisser aller. Dans le cas de Manolo Solo, c’est un acteur réputé et primé qui n’a jamais eu de rôle principal. Je cherchais quelqu’un qui avait déjà un nom, mais qui était en même temps l’homme ordinaire, l’homme de la rue.
Le film soulève des questions difficiles sur le désir sexuel anormal. Pensez-vous qu’il doit y avoir plus de dialogue sur la façon dont la société gère au mieux leur existence ?
Je ne sais pas s’il devrait y avoir plus de dialogue, mais sans trop spoiler, l’intrigue parle de deux personnes qui se rencontrent, par accident ou intention, dans leurs imperfections ou leurs secrets. C’est ce qui m’a plu dans le personnage de Laia, qu’au final on découvre aussi que c’est un personnage qui a son propre secret, un personnage qui semble pur mais du coup on découvre une autre couche. J’ai l’impression que ces dernières années on n’a envie que de consommer de l’art, que ce soit du cinéma, du théâtre, de la littérature,… ça nous donne raison, ça réaffirme nos convictions et je pense qu’une des forces les plus pures de l’art c’est justement qu’il interpelle, qu’il c’est à l’opposé, ça fait réfléchir. Ce n’était pas la raison de faire le film, mais je trouve intéressant qu’il y ait la question de savoir s’il y a un art censurable, s’il faut mettre des limites à l’art ou s’il faut travailler à l’éducation des gens pour qu’ils apprennent comprendre l’art comme quelque chose qui appartient à une autre dimension. Je pense que c’est un débat qui se perd, parce que je pense que nous nous inclinons devant la censure des autres, limitant le genre d’histoires que nous racontons ou consommons. Ce qui compte pour moi, en tant que cinéphile, c’est la qualité du film. Je n’apprécie pas tellement son sujet, mais il y a des gens qui l’apprécient, et si un film va soudainement à l’encontre de leurs convictions morales, ils ne l’aiment pas, même si le film est bon. Je m’intéresse à l’être humain dans toute sa complexité et je comprends que lorsqu’on plonge dans l’être humain, il n’en ressort pas toujours de bonnes choses. Je ne parle pas de choses extrêmes, simplement que les personnages mentent, que les personnages font des choses immorales, que les personnages sont imparfaits.
Y a-t-il eu des influences ou des références clés qui vous ont aidé, vous et votre équipe, à maintenir le style que vous vouliez pendant la production ?
Pour moi, il était très important de créer une histoire et des personnages qui ne vous laisseraient pas indifférents et que, même si vous le vouliez, vous ne pourriez pas détourner le regard. Ce n’est pas un film qui pose un voyage confortable au spectateur comme le cinéma de tant de cinéastes que j’admire Julia Ducornau, Yorgos Lanthimos, Michael Haneke ou David Lynch. On m’a dit il y a quelques semaines une phrase que j’adore : « Ça te fait culpabiliser de te divertir. J’aime beaucoup les films qui ne me facilitent pas la tâche, qui me challengent, qui soulèvent plus de questions que de réponses. En tant que cinéphile, je suis toujours allé au cinéma pour trouver la vérité, la réponse, mais cela m’a aussi posé des questions dont j’ai trouvé les réponses en moi-même.