Avec son lyrisme introspectif et ses instrumentaux apaisants, Arlo Parks est devenue l’une des étoiles montantes les plus rapides de la musique. Des mois après la sortie de son premier album, « Collapsed in Sunbeams », en janvier, Parks a reçu le prix de l’artiste révolutionnaire des Brit Awards et le Mercury Prize de l’album de l’année. Maintenant, le musicien et poète de 21 ans est en lice pour le meilleur nouvel artiste et album alternatif aux Grammys. Parcs a parlé avec Variété à propos de ses Grammy hoche la tête, brouillant les frontières du genre et étant un auteur-compositeur-interprète de la génération Z.
Vous êtes nominé pour le meilleur nouvel artiste et le meilleur album alternatif aux Grammys. Ramenez-nous au moment où vous avez appris la nouvelle. Quelle a été votre réaction ?
J’étais à Cologne en tournée, et j’ai appris par mon guitariste parce que c’était le jour où j’avais laissé mon téléphone à l’hôtel. J’errais simplement sans but et je n’avais aucune idée de ce qui se passait, puis il me l’a fait savoir et je me suis senti tellement dépassé. Je pense que lorsque vous avez des moments comme celui-là, il est difficile de les mettre en mots, mais j’avais l’impression que tout ce que je faisais et travaillais avait été validé d’une manière ou d’une autre. Je me sentais juste très fier de moi et de l’équipe qui m’entourait.
Qu’est-ce que cela signifie pour vous d’être nominé dans ces catégories spécifiques ?
J’ai toujours voulu créer une musique qui existe en dehors du genre, ou des structures de genre plus traditionnelles. Et être aux côtés d’artistes comme St. Vincent, que j’écoute depuis six ou sept ans maintenant, cela a en quelque sorte renforcé la vision que j’avais quand j’ai commencé, de faire de la musique qui ressemblait à un kaléidoscope d’influences différentes. L’alternative est ce genre de lignes floues, que j’aime beaucoup. Et le meilleur nouvel artiste, étant considéré comme l’avenir d’une certaine manière – en particulier en tant qu’artiste britannique indépendant – est vraiment spécial.
Parlez-nous un peu de votre parcours musical. Quelles sont les premières influences ou artistes préférés ?
J’ai grandi en écoutant beaucoup de jazz. Mon père était un grand fan de gens comme Miles Davis, Dizzy Gillespie et Aretha Franklin. Ma mère écoutait beaucoup de Prince et beaucoup de pop française des années 80, beaucoup de Diana Ross. Ensuite, par moi-même, j’ai découvert la musique indépendante comme les Pixies et les Cocteau Twins et Arctic Monkeys, et j’ai trouvé tellement de satisfaction à trouver des artistes que je sentais que je pouvais revendiquer comme les miens.
Quel a été le moment qui a donné le coup d’envoi à votre carrière ?
Je venais de terminer l’école et j’ai signé un contrat d’enregistrement avec Transgressive. Cela m’a fait sentir qu’il y avait ce groupe de personnes qui croyaient vraiment en moi, au-delà des mots – c’était comme un véritable engagement de leur part. J’ai eu un an, en gros, après avoir terminé l’école pour essayer la musique. Et en signant cet accord, je me suis dit : « D’accord, cela ressemble à quelque chose de réel, pas seulement à quelque chose qui est confiné dans ma chambre ou mon ordinateur. C’est quelque chose dont je peux réellement faire quelque chose.
Vous êtes aussi poète, et cela transparaît dans vos chansons. Qu’est-ce qui est venu en premier pour vous, la poésie ou la musique ?
L’écriture est ce qui a tout déclenché. J’ai fait beaucoup de nouvelles quand j’étais enfant, puis ça s’est transformé en poésie et en écriture de chansons. Pour moi, ils sont juste très imbriqués – je ne sais jamais si cela va se transformer en poème ou en chanson. J’essaie juste de l’aborder assez ouvertement.
Quel est votre processus d’écriture typique ?
Habituellement, j’aurai un ensemble de références ou une liste de lecture, et j’apporterai mon cahier et mes dossiers pleins de petites phrases que j’ai griffonnées ou de choses que je veux inclure. Et puis j’entendrai probablement une progression d’accords, avec quelques percussions, et cela déclenchera immédiatement une sorte de sentiment en moi et je me dirai : « D’accord, je dois écrire à ce sujet. » Et puis je vais noter quelques mélodies dans mon téléphone et me concentrer sur ça.
Votre chanson « Black Dog » est sortie en mai 2020 au plus fort de la pandémie et était très accessible à beaucoup de gens. Quelle est l’histoire derrière cette chanson ?
J’ai écrit cette chanson il y a assez longtemps, en fait, au printemps ou à l’été 2019. J’étais encore à l’école, et j’étais vraiment inspiré du point de vue sonore par des disques comme « Pink Moon » de Nick Drake ou « Carrie & Lowell » de Sufjan Stevens. J’étais en train d’écrire sur ma meilleure amie et les luttes qu’elle endurait et comment vous pouvez vous sentir très impuissant de l’extérieur quand quelqu’un que vous aimez souffre. C’était un moment qui nous a rapprochés, car elle va beaucoup mieux maintenant et je pense qu’elle s’est sentie très vue et touchée par la chanson. Et c’est quelque chose qui a ensuite continué pour aider d’autres personnes.
Qu’espérez-vous que les auditeurs retiennent de votre musique ?
J’espère que les gens se voient dedans, et je pense qu’une partie de cela permet aux gens d’en tirer tout ce qu’ils veulent. J’espère que cela encouragera les gens à se sentir plus comme eux et à se permettre d’être plus vulnérables, car je suis vraiment dans mes chansons.
Qu’est-ce qui vous passionne le plus chez vos collègues musiciens de la génération Z ?
Juste la grande variété de musique qui est faite par des gens de notre âge, et le fait que les genres se dissolvent, et que les gens jettent cette idée de toute sorte de frontière par la fenêtre. Surtout quand je pense à des artistes comme Lorde ou Phoebe Bridgers, dans la sphère des auteurs-compositeurs-interprètes, il y a eu un regain d’emphase sur le lyrisme et sur l’émotion.